Koncert i ægget, Hieronymus Bosch, ca. 1561

Introduktion

Renæssancemusik er musik skrevet i Europa under renæssancen. Konsensus blandt musikhistorikere – med bemærkelsesværdig uenighed – har været at starte æraen omkring 1400 med slutningen af middelalderens æra og lukke den omkring 1600 med begyndelsen af barokperioden og derfor begynde den musikalske renæssance omkring hundrede år. efter renæssancens begyndelse som forstået i andre discipliner. Som i de andre kunstarter blev periodens musik betydeligt påvirket af den udvikling, der definerer den tidlige moderne periode: stigningen af humanistisk tænkning; genopretning af den litterære og kunstneriske arv i det antikke Grækenland og Rom øget innovation og opdagelse væksten af kommerciel virksomhed fremkomsten af en borgerlig klasse; og den protestantiske reformation. Fra dette skiftende samfund opstod et fælles, forenende musikalsprog, især den polyfoniske stil på den fransk-flamske skole.

Opfindelsen af Gutenberg-pressen muliggjorde distribution af musik og musikteori i bred skala. Efterspørgslen efter musik som underholdning og som aktivitet for uddannede amatører steg med fremkomsten af en borgerlig klasse. Formidling af chansoner, motetter og masser i hele Europa faldt sammen med foreningen af polyfonisk praksis i den flydende stil, der kulminerede i anden halvdel af det sekstende århundrede i komponister som Palestrina, Lassus, Victoria og William Byrd. Relativ politisk stabilitet og velstand i de lave lande sammen med et blomstrende system af musikuddannelse i områdets mange kirker og katedraler tillod uddannelse af hundredvis af sangere og komponister. Disse musikere var meget efterspurgte i hele Europa, især i Italien, hvor kirker og aristokratiske domstole hyrede dem som komponister og lærere. Ved slutningen af det sekstende århundrede havde Italien absorberet de nordlige påvirkninger, hvor Venedig, Rom og andre byer var centre for musikalsk aktivitet, hvilket vendte situationen fra hundrede år tidligere. Opera opstod på dette tidspunkt i Firenze som et bevidst forsøg på at genoplive musikken i det antikke Grækenland.

Musik, i stigende grad befriet for middelalderlige begrænsninger inden for rækkevidde, rytme, harmoni, form og notation, blev et redskab til nyt personligt udtryk. Komponister fandt måder at gøre musikken udtryk for de tekster, de indstillede. Sekulær musik absorberede teknikker fra hellig musik og omvendt. Populære verdslige former som chanson og madrigal spredte sig over hele Europa. Domstole beskæftigede virtuose kunstnere, både sangere og instrumentalister. Musik blev også mere selvforsynende med tilgængeligheden i trykt form, der eksisterede for sin egen skyld. Mange velkendte moderne instrumenter (herunder violin, guitar, lute og keyboardinstrumenter) udviklede sig til nye former under renæssancen, der reagerede på udviklingen af musikalske ideer og præsenterede yderligere muligheder for komponister og musikere at udforske. Moderne træblæsere og messinginstrumenter som fagot og trombone dukkede også op; udvide rækkevidden af sonisk farve og kraft. I det femtende århundrede blev lyden af fulde triader almindelig, og mod slutningen af det sekstende århundrede begyndte systemet med kirkemåder at bryde helt ned og give plads til den funktionelle tonalitet, som skulle dominere vestlig kunstmusik i de næste tre århundreder. .

Chansonnier af Heinrich Isaac, 1484

Fra renæssancetiden overlever både sekulær og hellig musik i mængde og både vokal og instrumental. En enorm mangfoldighed af musikalske stilarter og genrer blomstrede under renæssancen og kan høres på kommercielle optagelser i det enogtyvende århundrede, herunder masser, motetter, madrigaler, chansons, ledsagede sange, instrumentaldanse og mange andre. Talrige tidlige musikensembler specialiseret i periodens musik giver koncertture og laver optagelser ved hjælp af en bred vifte af fortolkende stilarter.

Et af de mest markante træk ved europæisk kunstmusik fra den tidlige renæssance var den stigende afhængighed af interval af den tredje (i middelalderen var tredjedele blevet betragtet som dissonanser). Polyfoni blev mere og mere detaljeret gennem det fjortende århundrede med meget uafhængige stemmer: begyndelsen af det femtende århundrede viste forenkling, hvor stemmerne ofte stræbte efter glathed. Dette var muligt på grund af et kraftigt øget vokalområde i musik – i middelalderen gjorde det smalle interval nødvendigt hyppigt at krydse dele, hvilket krævede en større kontrast mellem dem.

Modal (i modsætning til tonal ) karakteristika ved renæssancemusik begyndte at bryde sammen mod slutningen af perioden med den øgede brug af rodbevægelser fra femtedele.Dette udviklede sig senere til en af de definerende egenskaber ved tonalitet.

De vigtigste karakteristika ved renæssancemusik er følgende:

• Musik baseret på tilstande
• Rigere tekstur i fire eller flere dele
• Blanding snarere end kontrasterende tråde i den musikalske struktur
• Harmoni med større opmærksomhed omkring strømmen og progressionen af akkorder

Polyfoni er en af de bemærkelsesværdige ændringer, der musikalsk markerer renæssancen fra middelalderen. Dens anvendelse tilskyndede brugen af større ensembler og krævede sæt instrumenter, der ville blande sig sammen over hele vokalområdet.

De vigtigste liturgiske former, der varede gennem hele renæssanceperioden, var masser og moteter med nogle andre udviklinger mod slutningen, især da komponister af hellig musik begyndte at antage verdslige former (såsom madrigalen) til deres eget design.

Almindelige hellige genrer var massen, motetten, madrigale spirituale og laude.

Cyprien de Rores moteter illustreret af Hans Mielich

I perioden havde sekulær musik en stigende fordeling med en bred vifte af former, men man skal være forsigtig med at antage en eksplosion i variation: siden trykning gjorde musik mere tilgængelig, har der overlevet meget mere fra denne æra end fra den foregående middelalderens æra og sandsynligvis en rig butik med populærmusik fra den sene middelalder er irretrievab mistet.

Sekulær musik var musik, der var uafhængig af kirker. Hovedtyperne var tysk Lied, italiensk frottola, fransk chanson, italiensk madrigal og spansk villancico. Andre sekulære vokalgenrer omfattede caccia, rondeau, virelai, bergerette, ballade, musique mesurée, canzonetta, villanella, villotta og lutesangen. Blandede former som motet-chanson og det verdslige motet dukkede også op.

Rent instrumentalmusik omfattede konsortmusik til blokfløjte eller violin og andre instrumenter og dans for forskellige ensembler. Almindelige instrumentelle genrer var toccata, prelude, ricercar og canzona. Danse spillet af instrumentale ensembler omfattede basse danse, tourdion, saltarello, pavane, galliard, allemande, courante, bransle, canarie og lavolta. Musik af mange genrer kunne arrangeres til et soloinstrument som lut, vihuela, harpe eller keyboard. Sådanne arrangementer blev kaldt intabulationer.

Mod slutningen af perioden ses operaens tidlige dramatiske forløbere som monodi, madrigalkomedien og intermedio.

Teori og notation

Ifølge Margaret Bent er “renæssancens notation underbeskrivende efter vores standarder. Når den oversættes til moderne form, får den en receptpligtig vægt, der overspecificerer og fordrejer sin oprindelige åbenhed.”

Ockeghem, Kyrie “Au travail suis,” uddrag

Disse forskellige permutationer blev kaldt “perfekt / ufuldkommen tempus” på niveauet med forholdet mellem breve og semibreve, “perfekt / ufuldkommen prolation” på niveauet med semibre-minim og eksisterede i alle mulige kombinationer med hinanden. Tre-til-en blev kaldt “perfekt” og to-til-en “ufuldkommen.” Der eksisterede også regler, hvorved enkelte toner kunne halveres eller fordobles i værdi (henholdsvis “ufuldkommen” eller “ændret”), når de blev forud for eller efterfulgt af andre bestemte toner. Noter med sorte notehoveder (såsom kvartnoter) forekom sjældnere. Denne udvikling af hvid mensural notation kan være et resultat af den øgede brug af papir (snarere end velum), da det svagere papir var mindre i stand til at modstå de ridser, der kræves for at udfylde solide sedler; tidligere tiders notation, skrevet på velum, havde været sort. Andre farver og senere udfyldte noter blev også brugt rutinemæssigt, hovedsageligt for at håndhæve de førnævnte ufuldkommenheder eller ændringer og for at opfordre til andre midlertidige rytmiske ændringer.

Uheld blev ikke altid specificeret, noget som i visse fingering notationer (tablaturer) i dag.Imidlertid ville renæssancemusikere have været højtuddannet i dyadisk kontrapunkt og således besad denne og andre oplysninger, der var nødvendige for at læse et partitur, “hvad moderne notation kræver, ville så have været helt tydeligt uden notation til en sanger, der er bevandret i kontrapunkt.” En sanger ville fortolke sin del ved at finde kadentialformler med andre dele i tankerne, og når man sang sammen, undgik musikere parallelle oktaver og femtedele eller ændrede deres kadentielle dele i lyset af beslutninger truffet af andre musikere.

Det er gennem nutidige tablaturer til forskellige plukkede instrumenter, at vi har fået meget information om, hvilke utilsigtede der blev udført af de oprindelige udøvere.

For information om specifikke teoretikere, se Johannes Tinctoris, Franchinus Gaffurius, Heinrich Glarean, Pietro Aron, Nicola Vicentino, Tomás de Santa María, Gioseffo Zarlino, Vicente Lusitano, Vincenzo Galilei, Giovanni Artusi, Johannes Nucius og Pietro Cerone.