Concierto en el huevo, Hieronymus Bosch, c. 1561

Introducción

La música del Renacimiento es música escrita en Europa durante el Renacimiento. El consenso entre los historiadores de la música –con notable disensión– ha sido iniciar la era hacia 1400, con el fin de la era medieval, y cerrarla hacia 1600, con el inicio del período barroco, iniciando así el Renacimiento musical alrededor de cien años después del comienzo del Renacimiento entendido en otras disciplinas. Como en las otras artes, la música de la época estuvo significativamente influenciada por los desarrollos que definieron el período moderno temprano: el surgimiento del pensamiento humanista; la recuperación del patrimonio literario y artístico de la antigua Grecia y Roma; mayor innovación y descubrimiento; el crecimiento de la empresa comercial; el surgimiento de una clase burguesa; y la reforma protestante. De esta sociedad cambiante surgió un lenguaje musical común y unificador, en particular el estilo polifónico de la escuela franco-flamenca.

La invención de la imprenta Gutenberg hizo posible la distribución de la música y la teoría musical a gran escala. La demanda de música como entretenimiento y como actividad para aficionados educados aumentó con el surgimiento de una clase burguesa. La difusión de chansons, motetes y misas por toda Europa coincidió con la unificación de la práctica polifónica en el estilo fluido que culminó en la segunda mitad del siglo XVI en la obra de compositores como Palestrina, Lassus, Victoria y William Byrd. La relativa estabilidad política y prosperidad en los Países Bajos, junto con un floreciente sistema de educación musical en las numerosas iglesias y catedrales de la zona, permitió la formación de cientos de cantantes y compositores. Estos músicos fueron muy buscados en toda Europa, particularmente en Italia, donde las iglesias y las cortes aristocráticas los contrataron como compositores y maestros. A fines del siglo XVI, Italia había absorbido las influencias del norte, siendo Venecia, Roma y otras ciudades centros de actividad musical, revirtiendo la situación de cien años antes. La ópera surgió en este momento en Florencia como un intento deliberado de resucitar la música de la antigua Grecia.

La música, cada vez más liberada de las limitaciones medievales, en rango, ritmo, armonía, forma y notación, se convirtió en un vehículo para nueva expresión personal. Los compositores encontraron formas de hacer que la música expresara los textos que estaban configurando. La música secular absorbió técnicas de la música sacra y viceversa. Formas seculares populares como la chanson y el madrigal se extendieron por Europa. Los tribunales emplearon a intérpretes virtuosos, tanto cantantes como instrumentistas. La música también se volvió más autosuficiente con su disponibilidad en forma impresa, existiendo por sí misma. Muchos instrumentos modernos familiares (incluidos el violín, la guitarra, laúd y los instrumentos de teclado), se desarrollaron en nuevas formas durante el Renacimiento en respuesta a la evolución de las ideas musicales, presentando nuevas posibilidades para que los compositores y músicos exploren. También aparecieron instrumentos de viento de madera y metales modernos como el fagot y el trombón; ampliando la gama de colores y potencia sónicos. Durante el siglo XV, el sonido de las tríadas completas se hizo común, y hacia fines del siglo XVI el sistema de modos eclesiásticos comenzó a romperse por completo, dando paso a la tonalidad funcional que dominaría la música artística occidental durante los siguientes tres siglos. .

Chansonnier de Heinrich Isaac, 1484

De En la época del Renacimiento, la música tanto secular como sacra sobrevive en cantidad, tanto vocal como instrumental. Una enorme diversidad de estilos y géneros musicales floreció durante el Renacimiento, y se puede escuchar en grabaciones comerciales en el siglo XXI, incluyendo misas, motetes, madrigales, chansons, canciones acompañadas, bailes instrumentales y muchos otros. Numerosos conjuntos de música antigua especializados en música de la época realizan giras de conciertos y realizan grabaciones, utilizando una amplia gama de estilos interpretativos.

Una de las características más pronunciadas de la música artística europea del Renacimiento temprano fue la creciente dependencia de la intervalo del tercero (en la Edad Media, los tercios se habían considerado disonancias). La polifonía se volvió cada vez más elaborada a lo largo del siglo XIV, con voces muy independientes: el comienzo del siglo XV mostró una simplificación, con las voces a menudo luchando por la suavidad. Esto fue posible debido a un rango vocal mucho mayor en la música: en la Edad Media, el rango estrecho hizo necesario el cruce frecuente de partes, por lo que se requirió un mayor contraste entre ellas.

La modalidad (en oposición a la tonal ) Las características de la música renacentista comenzaron a desmoronarse hacia el final del período con el mayor uso de movimientos de raíz de quintas.Esto más tarde se convirtió en una de las características definitorias de la tonalidad.

Las principales características de la música renacentista son las siguientes:

• Música basada en modos
• Textura más rica en cuatro o más partes
• Mezcla en lugar de hebras contrastantes en la textura musical
• Armonía con una mayor preocupación por el flujo y la progresión de los acordes

La polifonía es uno de los cambios notables que marcan musicalmente el Renacimiento desde la Edad Media. Su uso alentó el uso de conjuntos más grandes y exigió conjuntos de instrumentos que se fusionaran en todo el rango vocal.

Las principales formas litúrgicas que perduraron durante todo el período del Renacimiento fueron misas y motetes, con algunos otros desarrollos hacia al final, especialmente cuando los compositores de música sacra comenzaron a adoptar formas seculares (como el madrigal) para sus propios diseños.

Los géneros sagrados comunes fueron la misa, el motete, la madrigale spirituale y el laude.

Motetes de Cyprien de Rore ilustrados por Hans Mielich

Durante el período, la música secular tuvo una distribución cada vez mayor, con una amplia variedad de formas, pero hay que tener cuidado al asumir una explosión en la variedad: dado que la imprenta hizo que la música estuviera más disponible, mucho más ha sobrevivido de esta época que de la anterior. era medieval, y probablemente una rica colección de música popular de finales de la Edad Media es irrecuperable perdido.

La música secular era música que era independiente de las iglesias. Los tipos principales fueron el Lied alemán, la frottola italiana, la chanson francesa, el madrigal italiano y el villancico español. Otros géneros vocales seculares incluyeron la caccia, rondeau, virelai, bergerette, ballade, musique mesurée, canzonetta, villanella, villotta y la canción del laúd. También aparecieron formas mixtas como el motete-chanson y el motete secular.

La música puramente instrumental incluía música de consorte para flauta dulce o viola y otros instrumentos, y bailes para varios conjuntos. Los géneros instrumentales comunes fueron la toccata, preludio, ricercar y canzona. Los bailes interpretados por conjuntos instrumentales incluyeron el bajo, tourdion, saltarello, pavane, galliard, allemande, courante, bransle, canarie y lavolta. Se podría arreglar música de muchos géneros para un instrumento solista como el laúd, vihuela, arpa o teclado. Tales arreglos se denominaron intabulaciones.

Hacia el final del período, se ven los primeros precursores dramáticos de la ópera como la monodia, la comedia madrigal y el intermedio.

Teoría y notación

Según Margaret Bent, «la notación renacentista es infraprescriptiva según nuestros estándares; cuando se traduce a la forma moderna, adquiere un peso prescriptivo que sobreespecifica y distorsiona su apertura original».

Ockeghem, Kyrie «Au travail suis», extracto

Estas diferentes permutaciones se denominaron «tempus perfecto / imperfecto» al nivel de la relación breve-semibreve, «prolación perfecta / imperfecta» al nivel del semibreve-mínimo, y existían en todas las combinaciones posibles entre sí. Tres a uno se llamaba «perfecto» y dos a uno «imperfecto». También existían reglas por las cuales las notas individuales podían dividirse a la mitad o duplicarse en valor («imperfectas» o «alteradas», respectivamente) cuando iban precedidas o seguidas de otras notas determinadas. Las notas con cabezas de nota negras (como las negras) ocurrieron con menos frecuencia. Este desarrollo de la notación mensural blanca puede ser el resultado del mayor uso de papel (en lugar de vitela), ya que el papel más débil era menos capaz de resistir el rayado requerido para rellenar cabezas de notas sólidas; la notación de épocas anteriores, escrita en vitela, había sido negra. Otros colores, y más tarde, notas rellenas, también se usaron de forma rutinaria, principalmente para reforzar las imperfecciones o alteraciones antes mencionadas y para solicitar otros cambios rítmicos temporales.

No siempre se especificaron los accidentes, algo así como en ciertas notaciones de digitación (tablaturas) hoy.Sin embargo, los músicos del Renacimiento habrían sido altamente entrenados en el contrapunto diádico y por lo tanto poseían esta y otra información necesaria para leer una partitura, «lo que requiere la notación moderna habría sido perfectamente evidente sin notación para un cantante versado en contrapunto». Un cantante interpretaría su parte imaginando fórmulas cadenciales con otras partes en mente, y al cantar juntos, los músicos evitarían octavas y quintas paralelas o alterarían sus partes cadenciales a la luz de las decisiones de otros músicos.

Esto Es a través de tablaturas contemporáneas para varios instrumentos punteados que hemos obtenido mucha información sobre qué alteraciones fueron realizadas por los practicantes originales.

Para obtener información sobre teóricos específicos, vea Johannes Tinctoris, Franchinus Gaffurius, Heinrich Glarean, Pietro Aron, Nicola Vicentino, Tomás de Santa María, Gioseffo Zarlino, Vicente Lusitano, Vincenzo Galilei, Giovanni Artusi, Johannes Nucius y Pietro Cerone.