Comencemos con lo último. Los derechos de autor de las grabaciones de sonido son propiedad de los artistas y sus sellos discográficos. Existen más distinciones entre los diferentes tipos de licencias de grabación de sonido que generan regalías, como los derechos de interpretación (para la reproducción de una canción en formatos como servicios de transmisión, radio AM / FM, radio satelital y radio por Internet) y derechos de reproducción (para la venta de material físico CD o archivos de música digital) y derechos de sincronización (para uso de canciones en películas, televisión y otros medios), pero en su mayor parte, lo que importa es que estos derechos de autor solo pertenecen a los artistas y al sello que los respalde.

Esas fiestas pueden no tener nada que ver con las personas que escriben la letra y la melodía de la canción y, por lo tanto, poseen los derechos de autor de la composición. A veces son lo mismo, en cuyo caso el afortunado obtiene el doble de flujo de caja. Si están separados, como es el caso de la mayoría de las canciones pop y los éxitos de las listas de éxitos, los derechos de autor de la grabación de sonido se dividen entre los artistas y los sellos discográficos, mientras que los derechos de autor de la composición se dividen entre los compositores y editores involucrados. En el caso de «Big Yellow Taxi» de Counting Crows, por ejemplo, la banda cobra regalías por grabación de sonido, pero Joni Mitchell, el escritor original de la canción, obtiene regalías por composición.

La mayoría de las veces, cuando alguien escucha una canción, se activan ambos tipos de derechos de autor, lo que genera dos conjuntos de regalías que se pagan a las partes respectivas. Aquí hay un gráfico útil, elaborado por el equipo de investigación de Citigroup en un informe reciente sobre las finanzas de la música, que muestra cómo ambos tipos de derechos de autor generan y reciben dinero:

… y Getting That Music Reproducido

Desglosemos eso por las formas más populares en que los oyentes realmente contribuyen con dinero a los creadores de música: cuando alguien compra una canción en iTunes, Google Play o cualquier otra tienda digital, el dinero de esa venta se paga a los creadores a través de ambos derechos de autor (composición y grabación de sonido) con las tarifas dependiendo del tamaño de la etiqueta, el tamaño del distribuidor y la apuesta de negociación específica entre los dos, así como cualquier otro medio involucrado. (A veces, las etiquetas trabajan con agentes que pueden licenciar catálogos más grandes a la vez, lo que ahorra tiempo y problemas, pero genera una tarifa adicional).

El mismo pago de derechos de autor dual ocurre esencialmente en el caso de la transmisión a pedido , así como cuando se reproduce una canción en empresas y minoristas, ya sea en supermercados, hospitales o en el fondo del sitio web de una startup. El porcentaje de pago específico dentro de estos acuerdos depende del tipo de servicio y del poder de negociación de todos los nombres involucrados.

Poner música en películas, televisión y anuncios, también conocido como «sincronización», implica una licencia negociada entre el contenido. productores y editores / compositores. Se paga una tarifa por adelantado y las regalías también se pagan una vez que la película o el programa de televisión en particular se ha distribuido y transmitido. Las licencias de sincronización pueden ser lucrativas y, debido a que la mayoría de los cineastas generalmente eligen música en función de sus propios caprichos en lugar de lo que está en la parte superior de las listas, también sirve como una plataforma de descubrimiento decente para actos que pasan desapercibidos.

Sin embargo, el proceso es aún más diferente para los servicios de radio, que generalmente usan licencias generales tipo buffet que determinan las tasas de pago a escala masiva. Y hay una distinción importante en las reglas de derechos de autor actuales entre radiodifusión (AM / FM) y radio por Internet (Pandora, SiriusXM, otras emisoras de radio satelital y web): Las emisoras de radio terrestres no tienen que pagar a los propietarios de los derechos de autor de las grabaciones de sonido, mientras que el segundo grupo sí. Esa diferencia, que la industria de la música considera en gran medida una laguna jurídica injusta, significa que cada vez que una canción se reproduce en las ondas, solo genera dinero para sus escritores, no para los artistas. Por lo tanto, cada vez que se reproduce «Big Yellow Taxi» de Counting Crows en radio AM o FM, solo se le paga a Joni Mitchell y la banda no recibe nada.

Interpretación de música en vivo

Los eventos en vivo se están convirtiendo rápidamente en el espacio más lucrativo para los músicos en la era de la música digital, y por una buena razón: a medida que los oyentes se ven inundados de acceso barato a la música proporcionada por los servicios de transmisión, Los fanáticos de la música dedicados anhelan experiencias más íntimas con sus artistas favoritos. Es por eso que las giras se están volviendo más grandiosas y los festivales de música atraen a multitudes ridículas, incluso si sus alineaciones son todas iguales. También es la razón por la que las compañías de conciertos y boletos como Live Nation están creciendo como locas.

Si bien las ventas de álbumes disminuyen y las transmisiones pueden pagar solo fracciones de centavo a la vez, los espectáculos en vivo, ya sean giras, festivales o conciertos únicos, tienen algunos de los precios de boletos más altos de la historia.

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En el apogeo del pop y el rock, los músicos rara vez querían asociarse con marcas corporativas, pero eso está cambiando con el ascenso del rap como el género más popular de Estados Unidos. Las asociaciones de marca ofrecen a los artistas la posibilidad de patrocinar o respaldar una marca que realmente les guste y obtener acceso a un flujo de ingresos adicional mientras lo hacen. Otra forma en que los músicos encuentran dinero extra es a través de la monetización de YouTube, en la que los videos de YouTube comparten las ganancias de los anuncios que vienen etiquetados en ellos. Según los informes, «Gangnam Style» de Psy ganó 2 millones de dólares con 2 mil millones de visitas a YouTube. El director de música de YouTube, Lyor Cohen, escribió en una publicación de blog el año pasado que la tasa de pago de YouTube en los EE. UU. Es de hasta 3 dólares por cada 1000 transmisiones.

Moda, merchandising y otras ventas directas

La venta de productos no musicales como perfumes, parafernalia y líneas de ropa es una estrategia sencilla para hacer dinero que los artistas han aprovechado durante décadas, pero en la era digital. , los músicos también pueden ser creativos con sus métodos, expandiéndose mucho más allá de las tiendas tradicionales de merchandising en conciertos y carteles en un sitio web.

Los artistas también están comenzando a pedir dinero al público directamente, a través de crowdfunding o creando canales personalizados de comunicación con sus fanáticos, fuera de las plataformas de redes sociales como Instagram y Twitter. La estrella de Voice, Angie Johnson, recaudó aproximadamente $ 36,000 en Kickstarter para grabar un próximo álbum, por ejemplo. Más grupos están lanzando aplicaciones dedicadas o paquetes de suscripción por su música o vendiendo productos a medida como festivales seleccionados por artistas, suscripciones por correo electrónico y lanzamientos de música limitados. Pitbull tiene su propio crucero.

Entonces, ¿dónde está todo el dinero?

Todo lo anterior no es de ninguna manera una lista completa de las formas en que los artistas modernos ganan dinero; Tenga en cuenta que ahora también es más fácil que nunca cambiar de carril y convertirse en productor o escritor de la música de otra persona, como es el caso del viaje de Bebe Rexha desde la composición hasta la grabación o la R & El movimiento de los creadores de éxitos de B hacia la industria del K-pop de Corea del Sur (que complica un poco la división de regalías al involucrar la ley de derechos de autor del extranjero, pero no obstante, genera una cantidad significativa de dinero). La gran cantidad de diferentes fuentes de ingresos disponibles para los músicos es más alta que nunca antes.

Y, sin embargo, el artista moderno promedio todavía tiene problemas de dinero.

Según una investigación reciente Según estimaciones, los músicos estadounidenses solo se llevan a casa una décima parte de los ingresos de la industria nacional. Una de las razones de un porcentaje tan escaso es que los servicios de transmisión, aunque revitalizan la industria de la música en general, no son lucrativos para los artistas a menos que sean nombres que encabecen las listas como Drake o Cardi B. Según una presentación de una compañía de Spotify, el porcentaje promedio los pagos por stream de la compañía están entre $ 0.006 y $ 0.0084; los números de Apple Music, YouTube Music, Deezer y otros servicios de transmisión son comparables. Eso crea una situación en la que el ganador se lo lleva todo en la que los grandes artistas atrapan millones y los pequeños no pueden ganarse un salario digno. No es nada nuevo, se podría argumentar que esa era la dinámica en casi todas las épocas de la música pasada, pero los números son más dramáticos que antes.

Otra razón: la gran cantidad de corredores, intermediarios y otros actores en la industria de la música, como se detalla anteriormente. Y eso sin mencionar la caja negra de regalías en la era del streaming, un pozo de dinero impago que aún no ha llegado a los artistas debido a metadatos defectuosos o mala comunicación entre los diversos servicios involucrados en reportar los números correctos; su valor se ha estimado en miles de millones. «Cuando terminas rastreando todos los dólares, alrededor del 10 por ciento es capturado por el artista». Eso es sorprendentemente bajo «, dijo el investigador de medios, cable y satélite de Citigroup Jason Bazinet a Rolling Stone. «Estos jóvenes artistas, ni siquiera comprenden los detalles sangrientos de la industria de la música o cómo fluyen los dólares. Realmente no van a ganar tanto dinero. Hay una cantidad increíble de filtraciones en todo el negocio».

Buenas noticias: la industria de la música ahora ha aceptado la transmisión como su líder en ingresos y está preparada para adaptarse a eso, y muchos analistas y expertos esperan que el el negocio se racionalizará, con reescrituras de la ley, nuevas negociaciones de regalías, fusiones, adquisiciones y consolidaciones, en algo más simple y, finalmente, más lucrativo para los músicos. Malas noticias: nadie sabe cuándo será eso.