Pablo Picasso, Les Demoiselles d ‘Avignon, 1907, óleo sobre lienzo, 243,9 x 233,7 cm (The Museum of Modern Art, Nueva York)

El fantasma de Cézanne, el Bonheur de Vivre de Matisse y el ego de Picasso

Uno de Los lienzos más importantes del siglo XX, el gran avance de Picasso, Les Demoiselles d’Avignon, se construyó en respuesta a varias fuentes significativas.

Pablo Picasso, Les Demoiselles d’Avignon, 1907, óleo sobre lienzo, 8 ′ x 7 ′ 8 ″ (243,9 x 233,7 cm) (Museo de Arte Moderno, Nueva York)

El primero de ellos fue su confrontación con el gran logro de Cézanne en la retrospectiva póstuma montada en París un año después de la muerte del artista en 1907.

Paul Cézanne, Los grandes bañistas, 1906, óleo sobre lienzo, 82 7⁄8 × 98 3⁄4 ″ (Museo de Arte de Filadelfia)

La exposición retrospectiva obligó al joven Picasso, Matisse y muchos otros artistas a lidiar con las implicaciones de la obra de Cézanne Arte. El Bonheur de Vivre de Matisse de 1906 fue uno de los primeros de muchos intentos de hacerlo, y Leo & Gertrude Stein compró rápidamente la obra recién terminada y la colgó en su sala de estar para que todo su círculo de escritores y artistas de vanguardia pudo verlo y alabarlo. Y alabado sea lo que hicieron. Aquí se cumplió la promesa de Cézanne, ¡y una que incorporó lecciones aprendidas de Seurat y van Gogh, nada menos! Esto fue demasiado para el joven español.

Henri Matisse, Bonheur de Vivre, 1906, óleo sobre lienzo, 175 x 241 cm (The Barnes Foundation, Filadelfia)

Pablo se convierte en Picasso

Según todos los informes, la naturaleza intensamente competitiva de Picasso literalmente lo obligó a superar su gran rival. Les Demoiselles D’Avignon es el resultado de este esfuerzo. Comparemos lienzos. El paisaje de Matisse es un amplio campo abierto con una profunda perspectiva recesiva. Las figuras están con poca gente. Describen arabescos fluidos que a su vez se relacionan con las formas de la naturaleza que los rodean. Aquí está la sensualidad lánguida ambientada en el pasado mítico de la edad de oro de Grecia.

En un contraste muy marcado, Picasso, la intención de hacer un nombre para sí mismo (más bien como el joven Manet y David), ha comprimido radicalmente el espacio de su lienzo y reemplazado el erotismo sensual por una especie de pornografía agresivamente cruda. (Observe, por ejemplo, la figura en cuclillas en la parte inferior derecha.) Su espacio es interior, cerrado y casi claustrofóbico. Como el Blue Nude posterior de Matisse (en sí mismo una respuesta a Les Demoiselles d’Avignon), las mujeres llenan todo el espacio y parecen atrapadas dentro de él. Ya no está ambientada en un pasado clásico, la imagen de Picasso es claramente de nuestro tiempo. Aquí hay cinco prostitutas de un burdel real, ubicado en una calle llamada Aviñón en el barrio rojo de Barcelona, la capital de Cataluña en el norte de España, una calle, por cierto, que Picasso había frecuentado.

Picasso también ha prescindido de los pigmentos claros y brillantes de Matisse. En cambio, el artista elige tonos más profundos acordes con la luz interior urbana. También desapareció la sensualidad que creó Matisse. Picasso ha reemplazado las elegantes curvas de Bonheur de Vivre con formas afiladas, irregulares y casi rotas. Los cuerpos de las mujeres de Picasso parecen peligrosos como si estuvieran formados por fragmentos de vidrio roto. El placer de Matisse se convierte en la aprensión de Picasso. Pero mientras Picasso claramente apunta a «superar» a Matisse, para asumir el cargo como el artista más radical de París, también reconoce sus deudas. Compare a la mujer parada en el centro de la composición de Picasso con la mujer que está de pie con los codos levantados al extremo a la izquierda del lienzo de Matisse: como un académico que cita una cita prestada, notas al pie de página de Picasso.

La aspiradora creativa

Picasso recurre a muchas otras fuentes para construir Les Demoiselles D’Avignon. De hecho, varios artistas dejaron de invitarlo a su estudio porque incorporaría libremente y con éxito sus ideas en su propio trabajo, a menudo con más éxito que el artista original. De hecho, Picasso ha sido comparado con una «aspiradora creativa», chupando cada nueva idea que se le ocurrió. Si bien esa analogía puede ser un poco burda, es justo decir que tenía un enorme apetito creativo. Una de las varias fuentes históricas que saqueó Picasso es el arte arcaico, demostrado muy claramente por la figura más a la izquierda del cuadro, que se para rígidamente sobre piernas que parecen torpemente bloqueadas en la rodilla. Su brazo derecho sobresale hacia abajo mientras que su brazo izquierdo parece dislocado (este brazo es en realidad un vestigio de una figura masculina que Picasso finalmente eliminó). Su cabeza se muestra en perfecto perfil con grandes ojos en forma de almendra y un rostro plano y abstracto.Casi parece egipcia. De hecho, Picasso ha visto recientemente una exposición de escultura arcaica (un antiguo estilo preclásico) ibérica (de Iberia, la masa de tierra que compone España y Portugal) en el Louvre. En lugar de volver a los mitos sensuales de la antigua Grecia, Picasso se basa en lo real y lo hace directamente. Por cierto, Picasso le compró a la secretaria de Apollinaire dos cabezas ibéricas arcaicas que ella había robado del Louvre. Algunos han sugerido que se tomaron a pedido de Picasso. Años más tarde, Picasso los devolvería de forma anónima.

Espontaneidad, cuidadosamente coreografiada

Debido a que el lienzo se maneja con brusquedad, a menudo se piensa que es una creación espontánea, concebida directamente. Este no es el caso. Fue precedido por casi un centenar de bocetos. Estos estudios representan diferentes configuraciones. En algunos hay dos hombres además de las mujeres. Uno es marinero. Se sienta de uniforme en el centro de la composición ante una pequeña mesa cargada de frutas, símbolo tradicional de la sexualidad. Otro hombre entró originalmente por la izquierda. Llevaba un traje marrón y un libro de texto, estaba destinado a ser un estudiante de medicina.

La mirada del artista (masculino)

Cada una de estas figuras masculinas estaba destinada a simbolizar un aspecto de Picasso. O, más exactamente, cómo veía Picasso a estas mujeres. El marinero es fácil de entender. El marinero ficticio lleva meses en el mar, es una referencia obvia al puro deseo sexual. El estudiante de medicina es más complicado. No está allí para cuidar la salud de las mujeres, pero las ve con otros ojos. Mientras que el marinero representa pura lujuria, el estudiante ve a las mujeres desde una perspectiva más analítica. Entiende cómo se construyen sus cuerpos, etc. ¿Será que Picasso estaba expresando las formas en que veía a estas mujeres? Como objetos de deseo, sí, pero también, con un conocimiento de anatomía probablemente superior a muchos médicos. Lo importante es que Picasso decida sacar a los hombres. ¿Por qué? Bueno, para empezar, podríamos imaginar dónde las mujeres centraron su atención en la composición original. Si hay hombres presentes, las prostitutas los atienden. Al eliminar a estos hombres, la imagen ya no es autónoma. Las mujeres ahora miran hacia afuera, más allá de los confines del plano de la imagen que normalmente protege el anonimato del espectador. Si las mujeres nos miran, como en la Olimpia de Manet de 1863, nosotros, como espectadores, nos convertimos en clientes. Pero este es el siglo XX, no el XIX, y Picasso está intentando una franqueza vulgar que haría temblar incluso a Manet.

La percepción del espacio de Picasso

Hasta ahora, hemos examinado el medio figura que se relaciona con el lienzo de Matisse; las dos figuras enmascaradas del lado derecho que se refieren, con su agresión, al miedo de Picasso a la enfermedad; y hemos vinculado la figura más a la izquierda con la escultura ibérica arcaica y el intento de Picasso de provocar una especie de crudeza primitiva. Eso deja solo a una mujer desaparecida. Esta es la mujer con el codo derecho levantado y la mano izquierda apoyada en una sábana sobre el muslo izquierdo. La mesa con fruta que originalmente se había colocado en la ingle del marinero ya no es redonda, se ha alargado, afilado y se ha bajado hasta el borde de la lona. Esta tabla / falo apunta a esta última mujer. El significado de Picasso es claro, el bodegón de frutas sobre una mesa, este antiguo símbolo de la sexualidad, es el pene erecto del espectador y apunta a la mujer que elegimos. Picasso no era feminista. En su visión, el espectador es un hombre.

Aunque explícito, esta imagen solo apunta al tema clave. La mujer que ha sido elegida se maneja de manera distinta en términos de su relación con el espacio circundante. Sí, más sobre el espacio. En todo el lienzo, las mujeres y las cortinas (hechas tanto de cortinas como de sábanas) están rotas y astilladas. Aquí está la respuesta de Picasso a Cezanne y Matisse. Las mujeres no están ni delante ni detrás. Como en el Red Studio de Matisse, que se pintará cuatro años después, Picasso ha comenzado a intentar disolver la relación figura / suelo. Ahora mira a la mujer que Picasso nos dice que hemos elegido. Tiene las piernas cruzadas y la mano detrás de la cabeza, pero aunque parece estar entre las demás, su posición es en realidad la de una figura que yace de espaldas. El problema es que vemos su cuerpo perpendicular a nuestra línea de visión. Al igual que Matisse y Cézanne antes que él, Picasso aquí representa dos momentos en el tiempo: como habrás descubierto, primero miramos a la fila de mujeres y luego miramos con desprecio a la prostituta de nuestra elección / Picasso. >

Máscaras africanas, mujeres colonizadas

Las dos figuras de la derecha son las más agresivamente abstraídas con rostros representados como si llevaran máscaras africanas. En 1907, cuando se produjo esta pintura, Picasso había comenzado a recopilar dicha obra. Incluso las estrías que representan la escarificación son evidentes.Matisse y Derain tenían un interés más antiguo en ese arte, pero Picasso dijo que fue solo después de vagar por el Palais du Trocadero, el museo etnográfico de París, que comprendió el valor de ese arte. Recuerde, Francia fue una gran potencia colonial en África en los siglos XIX y XX. Gran parte del arte africano fue arrancado de su contexto artístico y geográfico original y vendido en París. Aunque Picasso eventualmente se volvería más sofisticado con respecto a los usos originales y el significado del arte no occidental que coleccionó, en 1907 su interés se basó en gran medida en lo que percibió como sus cualidades extrañas y agresivas.

William Rubin , que en su día fue curador principal del departamento de pintura y escultura del Museo de Arte Moderno, y destacado estudioso de Picasso, ha escrito extensamente sobre esta pintura. Ha sugerido que, si bien la pintura trata claramente sobre el deseo (del propio Picasso), también es una expresión de su miedo. Ya hemos establecido que Picasso frecuentaba burdeles en este momento, por lo que su deseo no está en duda, pero Rubin argumenta que esta es solo la mitad de la historia. Les Demoiselles D’Avignon también trata sobre el miedo intenso de Picasso … su miedo a estas mujeres o, más precisamente, la enfermedad que temía que le transmitieran. En la era anterior a los antibióticos, contraer sífilis era un temor bien fundado. Por supuesto, la difícil situación de las mujeres parece no entrar en la historia de Picasso.