Konsertti munassa, Hieronymus Bosch, n. 1561

Johdanto

Renessanssimusiikki on musiikkia, joka on kirjoitettu Euroopassa renessanssin aikana. Musiikkihistorioitsijoiden yksimielisyys – huomattavan erimielisyyden kanssa – on ollut aloittaa aikakausi noin 1400, keskiajan päättyessä, ja sulkea se noin 1600, barokkikauden alkaessa, jolloin musiikillinen renessanssi aloitettiin noin sata vuotta renessanssin alkamisen jälkeen, kuten muilla tieteenaloilla ymmärretään. Kuten muillakin taiteilla, aikakauden musiikkiin vaikutti merkittävästi varhaisen modernin ajan määrittävä kehitys: humanistisen ajattelun nousu; antiikin Kreikan ja Rooman kirjallisen ja taiteellisen perinnön palauttaminen; lisääntynyt innovaatio ja löytö; kaupallisen yrityksen kasvu; porvarillisen luokan nousu; ja protestanttinen uskonpuhdistus. Tästä muuttuvasta yhteiskunnasta syntyi yhteinen, yhdistävä musiikkikieli, erityisesti ranskalais-flaamilaisen koulun moniääninen tyyli.

Gutenbergin lehdistön keksintö mahdollisti musiikin ja musiikkiteorian levittämisen laajasti. Musiikin kysyntä viihteenä ja harrastettujen harrastajien aktiviteettina lisääntyi porvarillisen luokan syntyessä. Chansonien, motettien ja massojen levittäminen kaikkialla Euroopassa tapahtui samaan aikaan moniäänisten käytäntöjen yhdistymisen kanssa sulavaan tyyliin, joka huipentui 1600-luvun loppupuolella säveltäjien kuten Palestrinan, Lassuksen, Victorian ja William Byrdin teoksiin. Suhteellinen poliittinen vakaus ja hyvinvointi matalissa maissa sekä kukoistava musiikkikasvatuksen järjestelmä alueen monissa kirkoissa ja katedraaleissa mahdollistivat satojen laulajien ja säveltäjien kouluttamisen. Näitä muusikoita haettiin kaikkialla Euroopassa, etenkin Italiassa, jossa kirkot ja aristokraattiset tuomioistuimet palkkasivat heidät säveltäjiksi ja opettajiksi. 1500-luvun lopulla Italia oli absorboinut pohjoiset vaikutteet, ja Venetsia, Rooma ja muut kaupungit olivat musiikkitoiminnan keskuksia, mikä käänsi sata vuotta aikaisemman tilanteen. Ooppera syntyi tällä hetkellä Firenzessä tarkoituksellisena yrityksenä herättää muinaisen Kreikan musiikkia.

Musiikista, joka vapautui yhä enemmän keskiaikaisista rajoituksista, kantama, rytmi, harmonia, muoto ja merkinnät, tuli ajoneuvo uusi henkilökohtainen ilme. Säveltäjät löysivät tapoja tehdä musiikista ilmaiseva asettamastaan tekstistä. Maallinen musiikki absorboi tekniikoita pyhästä musiikista ja päinvastoin. Suosittuja maallisia muotoja, kuten sanon ja madrigali, levisi kaikkialle Eurooppaan. Tuomioistuimissa työskenteli virtuooseja esiintyjiä, sekä laulajia että instrumentalisteja. Musiikista tuli myös omavaraisempi, koska se oli saatavana painettuna, joka oli olemassa sen itsensä vuoksi. Monet tutut nykyaikaiset instrumentit (mukaan lukien viulu, kitara, luuttu ja kosketinsoittimet) kehittyivät renessanssin aikana uusiksi muodoiksi vastaamalla musiikillisten ideoiden kehitykseen, tarjoten säveltäjille ja muusikoille uusia mahdollisuuksia tutkia. Myös nykyaikaiset puupuhaltimet ja vaskisoittimet, kuten fagotti ja pasuuna, ilmestyivät; laajentamalla äänen väri- ja tehoaluetta. Viidentoista vuosisadan aikana kolminaisuuksien ääni kuului yleiseksi, ja 1500-luvun loppupuolella kirkkotilojen järjestelmä alkoi hajota kokonaan, antaen tien toiminnalliselle tonaalisuudelle, jonka piti hallita länsimaista taidemusiikkia seuraavien kolmen vuosisadan ajan .

Chansonnier, kirjoittanut Heinrich Isaac, 1484

renessanssin aikakausi sekä maallinen että pyhä musiikki selviävät määrällisesti sekä lauluna että instrumentaalina. Renessanssin aikana kukoisti valtava monimuotoisuus musiikkityyleistä ja tyylilajeista, ja se voidaan kuulla 2000-luvun kaupallisissa äänitteissä, mukaan lukien massat, motetit, madrigalit, sanansonit, mukana olevat laulut, instrumentaaliset tanssit ja monet muut. Lukuisat aikakauden musiikkiin erikoistuneet vanhan musiikin yhtyeet tarjoavat konserttikierroksia ja tekevät äänitteitä käyttäen laajaa tulkintatyyliä.

Yksi varhaisen renessanssin eurooppalaisen taidemusiikin voimakkaimmista piirteistä oli lisääntyvä luottamus musiikkiin. kolmannen välein (keskiajalla kolmasosaa oli pidetty dissonansseina). Polyfonia muuttui yhä monimutkaisemmaksi koko 14. vuosisadan ajan erittäin itsenäisillä äänillä: 1500-luvun alku osoitti yksinkertaistumista, ja äänet pyrkivät usein tasaisuuteen. Tämä oli mahdollista musiikin huomattavasti lisääntyneen äänialueen takia – keskiajalla kapea alue aiheutti usein tarvittavat kappaleiden ylitykset, mikä vaati suurempaa kontrastia niiden välillä.

Modaali (toisin kuin tonaalinen) ) renessanssimusiikin ominaisuudet alkoivat hajota ajanjakson loppupuolella viidenneksen juuriliikkeiden lisääntyessä.Tästä kehittyi myöhemmin yksi tonaalisuuden määrittelevistä ominaisuuksista.

Renaissance-musiikin pääpiirteet ovat seuraavat:

• Moodeihin perustuva musiikki
• Rikkaampi tekstuuri neljässä tai useammassa osassa
• Säikeiden sekoittaminen pikemminkin kuin vastakkainasettelu musiikillisessa rakenteessa
• Harmony enemmän huolta sointujen virtauksesta ja etenemisestä

Polyfonia on yksi merkittävistä muutoksista, joka merkitsee musiikillisesti renessanssia keskiajalta. Sen käyttö rohkaisi käyttämään suurempia kokoonpanoja ja vaati soittosarjoja, jotka sulautuivat yhteen koko laulualueella.

Koko renessanssikaudella kestäneet pää liturgiset muodot olivat massaa ja motettia, ja muutakin kehitystä kohti loppu, varsinkin kun pyhän musiikin säveltäjät alkoivat omaksua maalliset muodot (kuten madrigalin) omille suunnitelmilleen.

Yleiset pyhät tyylilajit olivat massa, motetti, madrigale spirituale ja laude.

Hans Mielichin kuvaamat Cyprien de Roren motetit

Maakunnan aikana maallisen musiikin levinneisyys lisääntyi, ja sen muodot vaihtelivat hyvin, mutta vaihteluvälin räjähdyksen suhteen on oltava varovainen: koska painaminen teki musiikista entistä laajempaa, tästä ajasta on säilynyt paljon enemmän kuin edellisestä. keskiaikainen aikakauslehti ja luultavasti myöhään keskiajan rikkaan populaarimusiikin varasto on peruuttamaton kadonnut.

Maallinen musiikki oli kirkkoista riippumatonta musiikkia. Tärkeimmät tyypit olivat saksalainen Lied, italialainen frottola, ranskalainen chanson, italialainen madrigal ja espanjalainen villancico. Muita maallisia laululajeja olivat caccia, rondeau, virelai, bergerette, balladi, musique mesurée, canzonetta, villanella, villotta ja luuttilaulu. Sekalaisia muotoja, kuten motet-chanson ja sekulaarinen motet, ilmestyivät myös.

Puhtaasti instrumentaalimusiikkiin sisältyi konsorttimusiikkia nauhureille tai alttoviuluille ja muille soittimille sekä tansseja eri yhtyeille. Yleisiä instrumentaalilajeja olivat toccata, prelude, ricercar ja canzona. Instrumentaalisten yhtyeiden soittamia tansseja olivat basse danse, tourdion, saltarello, pavane, galliard, allemande, courante, bransle, canarie ja lavolta. Monen tyylilajin musiikkia voitaisiin järjestää sooloinstrumentille, kuten luutulle, vihuelalle, harpulle tai koskettimille. Tällaisia järjestelyjä kutsuttiin intabulaatioiksi.

Kauden loppupuolella nähdään oopperan varhaiset dramaattiset edeltäjät, kuten monody, madrigal-komedia ja intermedio.

Teoria ja merkinnät

Margaret Bentin mukaan ”renessanssin merkintätapa on standardiemme mukaan aliedustava; nykyaikaiseen muotoon käännettynä se saa määrättävän painon, joka täsmentää ja vääristää alkuperäisen avoimuutensa.”

Ockeghem, Kyrie ”Au travail suis”, ote

Näitä erilaisia permutaatioita kutsuttiin ”täydelliseksi / epätäydelliseksi tempoksi” breve-semibreve-suhteen tasolla, ”täydellinen / epätäydellinen lisääntyminen” semibreve-minim-tasolla, ja ne esiintyivät kaikissa mahdollisissa yhdistelmissä toistensa kanssa. Kolmesta yhteen kutsuttiin ”täydelliseksi” ja kahdesta yhteen ”epätäydelliseksi”. Oli olemassa myös sääntöjä, joiden mukaan yksittäisten nuottien arvo voitaisiin puolittaa tai kaksinkertaistaa (”epätäydellinen” tai ”muutettu”), kun niitä edeltää tai seuraa muut tietyt nuotit. Muistiinpanoja, joissa on mustat kärjet (kuten vuosineljänneksen setelit), esiintyi harvemmin. Tämä valkoisen mensuraalimerkinnän kehitys voi johtua paperin (vellumin sijaan) lisääntyneestä käytöstä, koska heikompi paperi pystyi vähemmän kestämään naarmuja, joita vaaditaan kiinteiden pään täyttämiseen; edellisten aikojen muistiinpanoon kirjoitettu merkintä oli ollut musta. Muita värejä ja myöhemmin täytettyjä muistiinpanoja käytettiin myös rutiininomaisesti pääasiassa edellä mainittujen epätäydellisyyksien tai muutosten valvomiseksi ja muiden väliaikaisten rytmisten muutosten vaatimiseksi.

Tapaturmia ei aina määritelty, hieman kuten tietyt sormitusmerkinnät (taulukot) tänään.Renessanssimuusikot olisivat kuitenkin olleet korkeasti koulutettuja diadaattisen vastakohdan suhteen, ja heillä olisi näin ollut tämä ja muut tiedot, joita tarvitaan partituurin lukemiseen, ”mitä nykymerkinnät edellyttävät, silloin olisi ollut täysin selvää ilman merkintää vastapisteen perehtyneelle laulajalle” Laulaja tulkitsisi osuutensa keksimällä kadenttikaavoja muita osia ajatellen, ja kun laulaa yhdessä, muusikot välttäisivät rinnakkaisia oktaavia ja viidesosia tai muuttavat niiden kadentiaalisia osia muiden muusikoiden päätösten valossa.

Se Erilaisten kynittyjen instrumenttien nykytaulukoiden avulla olemme saaneet paljon tietoa siitä, mitä alkuperäisten harjoittajien tekemät vahingot ovat.

Lisätietoja tietyistä teoreetikoista, katso Johannes Tinctoris, Franchinus Gaffurius, Heinrich Glarean, Pietro Aron, Nicola Vicentino, Tomás de Santa María, Gioseffo Zarlino, Vicente Lusitano, Vincenzo Galilei, Giovanni Artusi, Johannes Nucius ja Pietro Cerone.