Concert dans l’œuf, Jérôme Bosch, c. 1561

Introduction

La musique de la Renaissance est une musique écrite en Europe à la Renaissance. Le consensus parmi les historiens de la musique – avec une dissidence notable – a été de commencer l’ère vers 1400, avec la fin de l’ère médiévale, et de la fermer vers 1600, avec le début de la période baroque, commençant donc la Renaissance musicale d’environ cent ans après le début de la Renaissance au sens des autres disciplines. Comme dans les autres arts, la musique de l’époque a été fortement influencée par les développements qui définissent le début de la période moderne: l’essor de la pensée humaniste; la récupération du patrimoine littéraire et artistique de la Grèce antique et de Rome; innovation et découverte accrues; la croissance de l’entreprise commerciale; la montée d’une classe bourgeoise; et la Réforme protestante. De cette société en mutation a émergé un langage musical commun et fédérateur, en particulier le style polyphonique de l’école franco-flamande.

L’invention de la presse Gutenberg a rendu possible la diffusion de la musique et du solfège à grande échelle. La demande de musique comme divertissement et comme activité pour les amateurs instruits a augmenté avec l’émergence d’une classe bourgeoise. La diffusion de chansons, motets et messes à travers l’Europe a coïncidé avec l’unification de la pratique polyphonique dans le style fluide qui a culminé dans la seconde moitié du XVIe siècle dans le travail de compositeurs tels que Palestrina, Lassus, Victoria et William Byrd. La stabilité politique relative et la prospérité dans les Pays-Bas, ainsi qu’un système florissant d’éducation musicale dans les nombreuses églises et cathédrales de la région, ont permis la formation de centaines de chanteurs et compositeurs. Ces musiciens étaient très recherchés dans toute l’Europe, notamment en Italie, où les églises et les cours aristocratiques les embauchaient comme compositeurs et enseignants. À la fin du XVIe siècle, l’Italie avait absorbé les influences nordiques, Venise, Rome et d’autres villes étant des centres d’activité musicale, inversant la situation cent ans plus tôt. L’opéra est né à cette époque à Florence comme une tentative délibérée de ressusciter la musique de la Grèce antique.

La musique, de plus en plus libérée des contraintes médiévales, dans la gamme, le rythme, l’harmonie, la forme et la notation, est devenue nouvelle expression personnelle. Les compositeurs ont trouvé des moyens de rendre la musique expressive des textes qu’ils composaient. La musique profane a absorbé les techniques de la musique sacrée, et vice versa. Des formes profanes populaires telles que la chanson et le madrigal se sont répandues dans toute l’Europe. Les tribunaux employaient des interprètes virtuoses, à la fois chanteurs et instrumentistes. La musique est également devenue plus autonome grâce à sa disponibilité sous forme imprimée, existant pour elle-même. De nombreux instruments modernes familiers (y compris le violon, la guitare, le luth et les instruments à clavier), se sont développés sous de nouvelles formes à la Renaissance en réponse à l’évolution des idées musicales, offrant de nouvelles possibilités aux compositeurs et aux musiciens d’explorer. Les instruments à vent et cuivres modernes comme le basson et le trombone sont également apparus; étendant la gamme de couleurs et de puissance sonores. Au cours du XVe siècle, le son des triades complètes est devenu courant, et vers la fin du XVIe siècle, le système des modes de l’église a commencé à s’effondrer entièrement, laissant place à la tonalité fonctionnelle qui devait dominer la musique d’art occidentale pendant les trois siècles suivants. .

Chansonnier par Heinrich Isaac, 1484

De l’ère de la Renaissance, tant la musique profane que sacrée survit en quantité, et à la fois vocale et instrumentale. Une énorme diversité de styles et de genres musicaux s’est épanouie à la Renaissance et peut être entendue sur des enregistrements commerciaux au XXIe siècle, notamment des messes, des motets, des madrigaux, des chansons, des chansons accompagnées, des danses instrumentales et bien d’autres. De nombreux ensembles de musique ancienne spécialisés dans la musique de l’époque donnent des tournées de concerts et réalisent des enregistrements, en utilisant un large éventail de styles d’interprétation.

L’une des caractéristiques les plus marquantes de la musique d’art européenne de la première Renaissance était le recours croissant à la intervalle du tiers (au moyen âge, les tiers étaient considérés comme des dissonances). La polyphonie est devenue de plus en plus élaborée tout au long du XIVe siècle, avec des voix très indépendantes: le début du XVe siècle a montré une simplification, les voix recherchant souvent la douceur. Cela a été possible grâce à une gamme vocale considérablement accrue dans la musique – au Moyen Âge, la gamme étroite rendait nécessaire le croisement fréquent des parties, nécessitant ainsi un plus grand contraste entre elles.

Le modal (par opposition au tonal ) les caractéristiques de la musique de la Renaissance ont commencé à s’effondrer vers la fin de la période avec l’utilisation accrue des mouvements de racine des quintes.Ceci est devenu par la suite l’une des caractéristiques déterminantes de la tonalité.

Les principales caractéristiques de la musique de la Renaissance sont les suivantes:

• Musique basée sur des modes
• Texture plus riche en quatre parties ou plus
• Mélange plutôt que contraste des brins dans la texture musicale
• Harmonie avec un plus grand souci du flux et de la progression des accords

La polyphonie est l’un des changements notables qui marquent musicalement la Renaissance du Moyen Âge. Son utilisation a encouragé l’utilisation d’ensembles plus grands et a exigé des ensembles d’instruments qui se fondraient dans toute la gamme vocale.

Les principales formes liturgiques qui ont duré tout au long de la période de la Renaissance étaient les messes et les motets, avec d’autres développements vers la fin, d’autant plus que les compositeurs de musique sacrée ont commencé à adopter des formes profanes (comme le madrigal) pour leurs propres créations.

Les genres sacrés communs étaient la messe, le motet, la madrigale spirituale et la laude.

Motets de Cyprien de Rore illustrés par Hans Mielich

Au cours de la période, la musique profane a eu une diffusion croissante, avec une grande variété de formes, mais il faut se méfier de supposer une explosion de variété: depuis que l’impression a rendu la musique plus largement disponible, beaucoup plus a survécu de cette époque que de la précédente époque médiévale, et probablement un riche magasin de musique populaire de la fin du Moyen Âge est irretrievab perdu.

La musique profane était une musique indépendante des églises. Les principaux types étaient le Lied allemand, la frottola italienne, la chanson française, le madrigal italien et le villancico espagnol. Les autres genres vocaux profanes comprenaient la caccia, le rondeau, le virelai, la bergerette, la ballade, la musique appliquée, la canzonetta, la villanella, la villotta et le chant du luth. Des formes mixtes telles que le motet-chanson et le motet profane sont également apparues.

La musique purement instrumentale comprenait de la musique de consort pour flûte à bec ou viole et autres instruments, et des danses pour divers ensembles. Les genres instrumentaux communs étaient le toccata, le prélude, le ricercar et le canzona. Les danses jouées par les ensembles instrumentaux comprenaient la basse danse, le tourdion, le saltarello, le pavane, le galliard, l’allemande, la courante, le bransle, le canarie et le lavolta. La musique de nombreux genres peut être arrangée pour un instrument solo tel que le luth, la vihuela, la harpe ou le clavier. De tels arrangements s’appelaient intabulations.

Vers la fin de la période, les premiers précurseurs dramatiques de l’opéra tels que la monodie, la comédie madrigale et l’intermédio sont vus.

Théorie et notation

Selon Margaret Bent, «la notation Renaissance est sous-prescriptive par nos normes; lorsqu’elle est traduite sous une forme moderne, elle acquiert un poids normatif qui surspécifie et déforme son ouverture d’origine.»

Ockeghem, Kyrie « Au travail suis », extrait

Ces différentes permutations étaient appelées « tempus parfait / imparfait » au niveau de la relation breve-semibreve, « prolation parfaite / imparfaite » au niveau du semibreve-minim, et existaient dans toutes les combinaisons possibles entre elles. Trois contre un était appelé «parfait» et deux contre un «imparfait». Il existait également des règles selon lesquelles les notes individuelles pouvaient être divisées par deux ou doublées en valeur («imparfaites» ou «modifiées», respectivement) lorsqu’elles étaient précédées ou suivies par d’autres certaines notes. Les notes à tête de note noire (comme les noires) sont moins fréquentes. Ce développement de la notation mensurale blanche peut être le résultat de l’utilisation accrue du papier (plutôt que du vélin), car le papier plus faible était moins capable de résister au grattage requis pour remplir des têtes de notes solides; la notation des temps précédents, écrite sur du vélin, était noire. D’autres couleurs, et plus tard, des notes remplies, étaient également utilisées régulièrement, principalement pour appliquer les imperfections ou altérations susmentionnées et pour demander d’autres changements rythmiques temporaires.

Les accidentels n’étaient pas toujours spécifiés, un peu comme dans certaines notations de doigté (tablatures) aujourd’hui.Cependant, les musiciens de la Renaissance auraient été hautement formés au contrepoint dyadique et auraient ainsi possédé cette information et d’autres nécessaires pour lire une partition, «ce qu’exige la notation moderne aurait alors été parfaitement apparent sans notation à un chanteur versé en contrepoint». Un chanteur interpréterait son rôle en imaginant des formules cadentielles avec d’autres parties à l’esprit, et lorsqu’il chantait ensemble, les musiciens évitaient les octaves et quintes parallèles ou altéraient leurs parties cadentielles à la lumière des décisions d’autres musiciens.

Il C’est grâce à des tablatures contemporaines pour divers instruments pincés que nous avons obtenu beaucoup d’informations sur les altérations effectuées par les praticiens originaux.

Pour des informations sur des théoriciens spécifiques, voir Johannes Tinctoris, Franchinus Gaffurius, Heinrich Glarean, Pietro Aron, Nicola Vicentino, Tomás de Santa María, Gioseffo Zarlino, Vicente Lusitano, Vincenzo Galilei, Giovanni Artusi, Johannes Nucius et Pietro Cerone.