Les débuts de l’art et de l’architecture gothiques

L’ère gothique

Les cités-états et les royaumes féodaux parsèment l’Europe, et le pouvoir de l’église catholique continue de croître à l’époque gothique. Avec une prospérité croissante et des gouvernements plus stables, les changements culturels comprenaient les premières formations d’universités, comme l’Université de Paris en 1150, et la prolifération des ordres catholiques, comme les franciscains et les dominicains. Les moines et les théologiens ont inauguré un nouvel humanisme qui cherchait à réconcilier les idéaux platoniciens et la théologie de l’Église. L’humanisme à cette époque voyait l’homme comme faisant partie d’une hiérarchie complexe, divinement ordonnée par Dieu dont la nature ultime surpassait la raison.

L’augmentation du commerce a conduit à la croissance de nombreux centres urbains, et la cathédrale locale est devenue un signe de fierté civique. Dans le même temps, le patronage noble a commencé à jouer un rôle primordial dans les projets de construction, les vitraux et les portails mettant l’accent sur l’identification du roi comme une sorte de représentation terrestre de l’autorité divine, comme on le voit dans le «portail royal» réservé à la noblesse et des hauts fonctionnaires de l’église. Il a fallu des décennies pour construire certaines églises gothiques, contribuant à la fois à l’économie de la ville et à l’expansion des corporations nécessaires qui représentaient les différents métiers impliqués dans la construction et la conception. La plupart des architectes, sculpteurs et sculpteurs du gothique ancien et les concepteurs de vitraux étaient anonymes, et ce n’est que plus tard dans la période du haut gothique que les architectes et les artistes dits «maîtres» ont été identifiés.

L’architecture qui a inspiré la période gothique s’est inspirée d’un certain nombre de influences, y compris romane, byzantine et moyen-orientale.

Roman

Les églises romanes du Xe au XIIe siècles sont réputées pour leur utilisation de voûtes en berceau, r arcs, tours et murs épais, piliers et piliers. Abritant les reliques des saints, les églises faisaient partie des itinéraires de pèlerinage qui s’étendaient à travers l’Europe, alors que les fidèles visitaient les lieux saints pour demander pardon pour leurs péchés et atteindre la promesse du ciel.

L’architecture gothique a conservé le Façade occidentale romane comme entrée de l’église avec ses deux tours, trois portails et des œuvres sculpturales dans le tympan, un demi-cercle au-dessus de la porte, ainsi que son plan cruciforme. Alors que les églises gothiques perpétuaient la tradition religieuse du chemin de pèlerinage, leur nouveau style reflétait une nouvelle réalité économique et politique.

L’Arc pointu et l’architecture du Moyen-Orient

L’arc en ogive était un élément de l’architecture du Moyen-Orient à partir du 7ème siècle, comme on le voit dans la mosquée Al-Aqsa (780) à Jérusalem. Largement déployé dans la construction de mosquées et de palais comme la forteresse d’Al-Ukhaidir (775), l’arc brisé a été trouvé dans tout le Moyen-Orient, l’Afrique du Nord, l’Andalousie (Espagne moderne) et la Sicile. Comme l’écrivait le critique d’architecture Jonathan Meades, ces premiers exemples «deviendraient au XIIe siècle l’architecture par excellence de la chrétienté». Alors que le pape et les dirigeants catholiques cherchaient à étendre la portée du christianisme au Moyen Âge à travers les croisades, la connaissance de l’architecture du Moyen-Orient est devenue plus courante chez les Européens.

L’arc en ogive a rendu le style gothique possible, car il pourrait être utilisé pour des espaces asymétriques et pour couper des colonnes à un angle aigu, déplaçant ainsi le poids dans les colonnes et allégeant les murs. La structure est également devenue la clé d’un certain nombre d’innovations gothiques ultérieures, y compris l’arc de lancette, créant un haut, étroit, et ouverture fortement pointue; l’arc équilatéral, élargissant l’arc pour permettre des formes plus circulaires dans les vitraux; et l’arc flamboyant, principalement utilisé dans les fenêtres et les traceries pour un effet décoratif.

Les contreforts volants et l’architecture byzantine

Le contrefort volant a été utilisé dans quelques structures byzantines importantes et influentes. Le contrefort utilisait une colonne massive ou une jetée, située loin du mur du bâtiment, et un « flyer », un arc t hat, s’étendant du mur à la jetée, a déplacé la charge portante du mur. La basilique de San Vitale (547) à Ravenne, en Italie, a été le pionnier d’une utilisation précoce de l’arbalète. La basilique était célèbre pour ses mosaïques et était un symbole puissant de l’empire byzantin et de l’empire romain avant elle. En conséquence, il est devenu un modèle pour l’architecture ultérieure. L’empereur Charlemagne, qui a fondé le Saint Empire romain germanique en 799 et a été surnommé «le père de l’Europe», a conçu sa chapelle palatine à Aix-la-Chapelle, en Allemagne, d’après la basilique de San Vitale.

Gothique ancien: Basilique de Saint-Denis 1144

La Basilique de Saint-Denis (1135-1144), près de Paris, fut le pionnier du style gothique.L’abbé Suger a dirigé la reconstruction de l’église, un site vénéré où Saint Denis a été martyrisé et où presque tous les monarques français depuis le 7ème siècle avaient été enterrés. Chercheur, ami et conseiller du roi Louis VI puis de Louis VII, Suger a été influencé par les travaux de Pseudo-Denys l’Aéropagite, philosophe et mystique chrétien des Ve-VIe siècles. Pseudo-Denys croyait que tout aspect de la lumière terrestre était un aspect de la lumière divine, une croyance avec laquelle Suger était d’accord. Suger a estimé que le nouveau style gothique élèverait l’âme vers Dieu. Sa conception envisageait une verticalité croissante, et la clé de cela était l’utilisation de l’arc en ogive qui permettait un plafond voûté et des murs plus minces pouvant contenir de nombreux vitraux. L’église Saint-Denis est devenue le modèle de l’architecture gothique, se répandant dans toute l’Europe.

Poursuivant et développant la pratique romane, les églises gothiques primitives ont également utilisé la sculpture pour décorer le bâtiment. Des scènes religieuses étaient gravées dans le tympan au-dessus des portes, et les archivoltes et les linteaux environnants étaient remplis de personnages. Des images profanes ont également été créées, car la basilique de Saint-Denis avait les signes du zodiaque gravés sur les côtés du portail de gauche et des scènes représentant les travaux agricoles du mois sur la droite. Les plus remarquables étaient les différentes statues de colonnes, représentant les rois et prophètes de l’Ancien Testament sur les colonnes du portail.

High Gothic 1200-1280

À partir de 1200 environ, la période High Gothic s’est développée vers toujours. une plus grande verticalité en incluant des pinacles, des flèches et en soulignant à la fois l’effet structurel et décoratif des arcs-boutants. La rosace a été agrandie et les entrelacs, les barres métalliques intermédiaires entre les sections de vitrail, ont été élaborés pour un effet décoratif. La cathédrale de Chartres (1194-1420), la cathédrale d’Amiens (1220-1269) et Notre-Dame de Paris (1163-1345) étaient tous des exemples notables du gothique élevé. La période du Haut Gothique a également été marquée par le développement de deux sous-styles distincts: le Rayonnant et le Flamboyant. La plupart de l’architecture gothique tardive employait le style flamboyant, qui s’est poursuivi jusque dans les années 1500.

Les églises gothiques hautes ont continué à utiliser des sculptures, en particulier autour des portails, mais les traitements figuratifs sont devenus plus naturalistes, alors que les personnages se libéraient des colonnes qui les contenait autrefois. Des sculptures plus petites et portables, comme La Vierge et l’Enfant de Sainte-Chappelle (vers 1260-1270), sont devenues populaires. La petite œuvre, bien qu’élégante et stylisée, est sculptée de manière naturaliste, représentant la courbe en S du mouvement et le flux réaliste des draperies.

Gothique international

Le style gothique international est le terme utilisé pour le style décoratif courtois des manuscrits enluminés, des tapisseries, des peintures et des sculptures qui se sont développés vers 1375. Le style, associé aux cours européennes, a également été appelé «le beau style», pour son accent sur l’élégance, les détails délicats, le visage doux expressions et formes douces. Le Saint Empereur romain Charles IV à Prague, le roi Valois de France et les Visconti de Milan étaient les mécènes les plus importants et se sont fait concurrence pour créer une capitale culturelle qui attirerait des artistes de premier plan. La portabilité de de nombreuses œuvres créées, ainsi que le système de mécénat qui a conduit les artistes à voyager dans différentes cours, ont répandu l’influence du style dans toute l’Europe.

Art et architecture gothiques: concepts, modes , et tendances

Les développements les plus importants de l’architecture gothique ultérieure ont été le style rayonnant suivi du style flamboyant. En peinture, le style singulier le plus significatif était celui de l’école siennoise italienne et la peinture manuscrite enluminée de style gothique international.

Style rayonnant 1240-1350

Rayonnant est un terme utilisé pour décrire le style de l’architecture gothique française. Les architectes ont commencé à mettre l’accent sur des motifs décoratifs répétitifs, un bâtiment plus petit et à taille humaine et une pléthore de vitraux. Les «rayons» de lumière rayonnants qui traversaient le verre donnèrent son nom au mouvement. L’architecte gothique Hugues Libergier commença à développer le style dans l’église abbatiale Saint-Nicaise à Reims, en France vers 1231. On en sait peu sur l’architecte, à part son nom et qu’après sa mort en 1263, il fut enterré dans l’église où sa pierre tombale l’honorait comme un maître de l’architecture. Ses innovations comprenaient une façade qui utilisait des pignons à pointe et soulignait des entrelacs, le moulage entre de petites sections de verre de couleur, pour créer un sorte d’effet semblable à un écran.

Un des premiers exemples célèbres du style rayonnant était Sainte-Chappelle (1242-1248) à Paris. Commandé par le roi de France Louis IX pour contenir ses nombreuses reliques sacrées, notamment la couronne d’épines, la chapelle était aussi un symbole de prestige royal.Ses quinze grandes fenêtres créaient une impression de verticalité et de légèreté, car l’espace mural était presque éliminé et remplacé par des images resplendissantes et de fines nervures dorées. Conçue par Pierre de Montreuil, surnommé «le maître de Sainte-Chappelle», la chapelle est devenue le modèle de chapelles royales similaires à travers la France et l’Europe. Louis IX a joué un rôle important dans la promotion du style, qui a été utilisé dans diverses cathédrales renommées y compris la conception de Bernard de Soissons de la cathédrale de Reims (vers 1250), l’église Saint-Urbain (1262-1286) à Troyes, France, ainsi que le grand choeur de la cathédrale de Cologne en Allemagne, qui a été commencé en 1248.

Comme cela était caractéristique à l’époque gothique, le style rayonnant a pris des variations régionales. En Angleterre, le style s’appelait le style décoré anglais et mettait l’accent sur les entrelacs de fenêtres, les vitraux étant subdivisés en de nombreux petits panneaux parallèles, puis au sommet de la voûte, des formes de trèfle et de quadrilobe courbes et ramifiées.

Style flamboyant 1350-1550

Le style flamboyant français, se développant à partir du style rayonnant, accentuait même de meilleurs effets décoratifs en utilisant mo re formes courbes. Le nom vient du mot français «flambé» qui signifie flamme, car on pensait que les lignes ornées et courbes des édifices ressemblaient à des flammes. L’effet global était un mouvement dynamique et exubérant. Certains chercheurs pensent que les motifs complexes et les motifs des manuscrits enluminés ont été une influence notable.

La conception d’Amboise Havel pour la façade ouest de l’église de Saint-Maclou (1436-1521) à Rouen, France, était un exemple remarquable du style employé dans l’architecture religieuse; cependant, il a également été utilisé pour les commandes royales, comme la conception de Guy de Dammartin pour le palais du duc de Berry, Poitiers (1386), et d’autres résidences privées comme l’hôtel de Cluny, Paris (1485-98). En Angleterre, le style était connu sous le nom de style perpendiculaire, où il était défendu par William Ramsey et John Sponlee, les architectes royaux, et en Allemagne, le style était connu sous le nom de Sondergotik, ou gothique spécial.

L’école siennoise 1250-1500

L’école siennoise, influencée par l’intérêt croissant pour les idéaux humanistes parmi les frères franciscains et dominicains, a été la principale force dans le développement d’un style novateur de peinture gothique. Coppo di Marcovaldo et Guido da Siena ont commencé l’école vers 1250, bien que le premier chef le plus connu de l’école soit Duccio di Buoninsegna, connu sous le nom de Duccio. Surnommé «le père de la peinture siennoise», il a combiné les fonds en or byzantins et l’iconographie religieuse avec un nouvel intérêt pour la modélisation de la forme humaine. Peint principalement à la détrempe sur bois, ses œuvres comprenaient des détails délicats, des éléments d’émotion humaine et des décors architecturaux. transmettant également un effet d’un autre monde élégant, comme on le voit dans sa Madone Rucellai (1285). Enseignant renommé, Duccio a formé et influencé Simone Martini, le principal peintre ultérieur de l’école siennoise, ainsi que les frères Pietro et Ambrogio Lorenzetti. Les œuvres de Martini, employant un sens élégant de la ligne et un effet décoratif raffiné, comme on le voit dans sa Maestà (1315), a influencé le style gothique international.

Manuscrits enluminés

Manuscrits enluminés, combinant des textes religieux avec des illustrations, est devenu une caractéristique notoire du style gothique international, centré autour de l’Université de Paris. Influencé par Simone Martini de l’école siennoise et par Giotto et Duccio ‘ s œuvre qu’il a rencontrée lors d’un voyage en Italie, le bréviaire de Belleville de Jean Pucelle (1326) et ses célèbres Heures de Jeanne d’Evreux (1324-28) illustrent ce style. Le traitement naturaliste de Pucelle comprenait un espace en trois dimensions, une modélisation sculpturale de la figure humaine et des détails observés avec précision.

Les cours royales de Bourges et de Paris ont commandé de nombreux petits livres de prières, appelés Livres d’heures. Bien que centrés en France, de nombreux artistes étaient originaires des Pays-Bas, où ils avaient été formés à la peinture de miniatures, et comprenaient Jacquemart de Hesdin, Jean Pucelle, l’artiste connu sous le nom de «Le maître Bourcicaut», et les frères Limbourg. Les Tres Riches Heures du Duc de Berry (1412-1416) des frères Limbourg sont devenus le chef-d’œuvre le plus célèbre du style gothique international. Une palette de couleurs vives et des scènes réalistes de la vie ordinaire ont marqué les Tres Riches Heures, célébrant la vie profane autant que satisfaisante. un but religieux.

Développements ultérieurs – Après l’art et l’architecture gothiques

L’ère gothique en général s’est terminée avec l’essor de la Renaissance, mais sa fin était pas uniforme, car l’architecture a continué à utiliser occasionnellement le style, comme on le voit dans la chapelle du roi Henri VII, construite au début des années 1500, et la basilique gothique de San Patronino à Bologne, en Italie, achevée en 1658.En peinture, les œuvres de Giotto ont eu une influence notoire sur les peintres de la Renaissance italienne, y compris Masaccio et Michel-Ange, et sur les manuscrits enluminés et la gravure en Europe du Nord. Des sculpteurs comme Claus Sluter ont influencé des artistes de la Renaissance nord-européenne, dont Roger Van der Weyden et Albrecht Dürer.

À l’époque romantique, les artistes ont commencé à apprécier les arts médiévaux et les ruines pittoresques, et le style gothique a connu un renouveau . Connu sous le nom de néo-gothique, le renouveau a commencé en Angleterre au milieu des années 1700, et la Strawberry Hill House (1749) de Horace Walpole, près de Londres, en est un exemple précoce. Le style s’est répandu dans toute l’Angleterre et ses colonies, ainsi qu’aux États-Unis. Comme l’a écrit l’historien de l’art Kenneth Clark à propos du renouveau gothique: «Il a changé le visage de l’Angleterre, en construisant et en restaurant des églises dans toute la campagne, et en remplissant nos villes de banques et d’épiciers gothiques, de maisons d’hébergement gothiques et de compagnies d’assurance, tout gothique d’une ville salle à une maison publique de bidonville. Par la suite, l’art et l’architecture gothiques ont influencé à la fois la Fraternité préraphaélite et le mouvement des arts et métiers, car les valeurs et l’artisanat médiévaux étaient considérés comme un antidote positif à l’industrialisme des années 1800. Les idées de l’architecte renommé AWN Pugin, qui a conçu l’intérieur du palais de Westminster (1840-1876) et le critique d’art John Ruskin ont fait du style néo-gothique dominant à l’époque victorienne.

En France, le gouvernement a chargé le célèbre architecte Eugène Viollet-le-Duc d’évaluer le état des bâtiments gothiques préexistants, ce qui a conduit à sa restauration et à l’achèvement d’un certain nombre de cathédrales gothiques françaises dans les années 1840. De nouvelles églises de style néo-gothique ont également été construites comme la basilique Sainte Clotilde (1857) à Paris.

Depuis le néo-gothique, l’architecture contemporaine continue de s’inspirer du style gothique, car des éléments de conception sont incorporés dans des bâtiments modernes ou dans leurs rénovations, comme dans le Hof van Busleyden (2013), le Marché couvert à Gand (2011-2012), tous deux en Belgique, et Drents Nationaal (2010-2012) aux Pays-Bas.