Commençons par ce dernier. Les droits d’auteur sur les enregistrements sonores appartiennent aux artistes et à leurs maisons de disques. Il existe d’autres distinctions entre les différents types de licences d’enregistrement sonore qui génèrent des redevances, telles que les droits d’interprétation (pour la lecture d’une chanson sur des formats tels que les services de diffusion en continu, la radio AM / FM, la radio par satellite et la radio Internet) et les droits de reproduction (pour la vente de CD ou fichiers de musique numérique) et les droits de synchronisation (pour l’utilisation de la chanson dans le cinéma, la télévision et d’autres médias) – mais pour la plupart, ce qui compte, c’est que ce droit d’auteur n’appartienne qu’aux artistes et quel que soit le label derrière eux.

Ces soirées n’ont peut-être rien à voir avec les personnes qui écrivent les paroles et la mélodie de la chanson et détiennent donc les droits d’auteur de la composition. Parfois, ils sont identiques, auquel cas cette chanceuse obtient le double du cash-flow. S’ils sont séparés – comme c’est le cas avec la plupart des chansons pop et des succès de palmarès – le droit d’auteur de l’enregistrement sonore est partagé entre les artistes et les maisons de disques, tandis que le droit d’auteur de la composition est partagé entre les auteurs-compositeurs et les éditeurs impliqués. Dans le cas de « Big Yellow Taxi » de Counting Crows, par exemple, le groupe prend des redevances d’enregistrement sonore, mais Joni Mitchell, l’auteur original de la chanson, reçoit des redevances de composition.

Pour la majorité des fois où quelqu’un écoute une chanson, les deux types de droits d’auteur entrent en jeu, générant deux ensembles de redevances qui sont versés aux parties respectives. Voici un tableau pratique, élaboré par l’équipe de recherche de Citigroup en un rapport récent sur les finances de la musique, qui montre comment les deux types de droits d’auteur génèrent et reçoivent de l’argent:

… et Getting That Music Joué

Décomposons cela par les moyens les plus populaires dont les auditeurs contribuent réellement aux créateurs de musique: lorsque quelqu’un achète une chanson sur iTunes, Google Play ou tout autre magasin numérique, l’argent de cette vente est versé aux créateurs. via les deux copyrights – composition et prise de son – avec des tarifs en fonction de la taille de l’étiquette, de la taille du distributeur et des négociations spécifiques pari ween les deux ainsi que toutes les autres parties intermédiaires impliquées. (Parfois, les labels fonctionnent avec des agents qui peuvent obtenir des licences de catalogues plus volumineux à la fois, ce qui permet d’économiser du temps et des problèmes, mais de compenser des frais supplémentaires.)

Le même paiement de double droit d’auteur se produit essentiellement dans le cas du streaming à la demande , ainsi que lorsqu’une chanson est jouée dans les entreprises et les détaillants, qu’il s’agisse d’épiceries, d’hôpitaux ou en arrière-plan du site Web d’une startup. Les pourcentages de paiement spécifiques au sein de ces accords dépendent du type de service et du pouvoir de négociation de tous les noms impliqués.

Mettre de la musique dans des films et des émissions télévisées et dans des publicités, également appelée «synchronisation», implique une licence négociée entre les contenus producteurs et éditeurs / auteurs-compositeurs. Des frais sont payés d’avance et des redevances sont également payées une fois que le film ou l’émission de télévision a été distribué et diffusé. Les licences de synchronisation peuvent être lucratives et, parce que la plupart des cinéastes choisissent généralement la musique en fonction de leurs propres caprices plutôt que ce qui est en haut des graphiques, sert également de plate-forme de découverte décente pour les actes sous le radar.

Le processus est encore plus différent pour les services de radio, qui utilisent généralement des licences générales de type buffet qui déterminent les taux de paiement à grande échelle. Et il existe une distinction importante dans les règles actuelles sur les droits d’auteur entre la diffusion radio (AM / FM) et la radio Internet (Pandora, SiriusXM, autres radios par satellite et webcasters): Les radiodiffuseurs terrestres n’ont pas à payer les titulaires de droits d’auteur sur les enregistrements sonores, contrairement au deuxième groupe. Cette différence – que l’industrie de la musique considère en grande partie comme une échappatoire injuste – signifie que chaque fois qu’une chanson est diffusée sur les ondes, elle ne rapporte de l’argent que pour ses écrivains, pas pour les artistes. Ainsi, chaque fois que « Big Yellow Taxi » de Counting Crows est diffusé sur la radio AM ou FM, seul Joni Mitchell est payé et le groupe ne reçoit rien.

Jouer de la musique en direct

Les événements en direct s’annoncent rapidement comme l’espace le plus lucratif pour les musiciens à l’ère de la musique numérique, et pour une bonne raison: alors que les auditeurs sont inondés d’un accès bon marché à la musique fournie par les services de streaming, Les amateurs de musique dévoués ont soif d’expériences plus intimes avec leurs artistes préférés. C’est pourquoi les tournées prennent de l’ampleur et les festivals de musique attirent des foules ridicules, même si leurs files d’attente sont identiques. C’est aussi pourquoi les sociétés de concerts et de billetterie comme Live Nation se développent comme des fous.

Alors que les ventes d’albums diminuent et que les flux ne rapportent que des fractions d’un centime à la fois, les spectacles en direct – que ce soit des tournées, des festivals ou des concerts ponctuels – se vendent parmi les prix de billets les plus élevés de tous les temps.

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À l’apogée de la pop et du rock, les musiciens voulaient rarement être associés à des marques d’entreprise, mais cela change avec la montée du rap en tant que genre le plus populaire en Amérique. Les partenariats de marque offrent aux artistes la possibilité de parrainer ou de soutenir une marque qu’ils pourraient vraiment aimer, et d’accéder à une source de revenus supplémentaire pendant qu’ils y sont. Une autre façon pour les musiciens de trouver de l’argent supplémentaire est la monétisation de YouTube, dans laquelle les vidéos YouTube partagent les bénéfices des publicités qui leur sont associées. « Gangnam Style » de Psy aurait rapporté 2 millions de dollars sur 2 milliards de vues sur YouTube. Lyor Cohen, responsable de la musique sur YouTube, a écrit dans un article de blog l’année dernière que le taux de paiement de YouTube aux États-Unis est aussi élevé que 3 $ pour 1 000 flux.

Mode, marchandisage et autres ventes directes

La vente de produits non musicaux comme les parfums, les accessoires et les lignes de vêtements est une stratégie facile à gagner de l’argent dont les artistes profitent depuis des décennies – mais à l’ère numérique , les musiciens peuvent également faire preuve de créativité avec leurs méthodes, allant bien au-delà des tentes de merch traditionnelles lors de concerts et d’affiches sur un site Web.

Les artistes commencent également à demander de l’argent directement au public – via le financement participatif ou la création de canaux personnalisés de communication avec leurs fans – en dehors des plateformes de médias sociaux comme Instagram et Twitter. La star de Voice Angie Johnson a collecté environ 36 000 $ sur Kickstarter pour enregistrer un album à venir, par exemple. De plus en plus de groupes lancent des applications dédiées ou des forfaits d’abonnement pour leur musique ou la vente de produits sur mesure tels que des festivals organisés par des artistes, des abonnements par e-mail et des sorties musicales limitées. Pitbull a sa propre croisière.

Alors, où est tout l’argent?

Tout ce qui précède n’est en aucun cas une liste complète des moyens par lesquels les artistes modernes gagnent de l’argent; gardez à l’esprit qu’il est désormais plus facile que jamais de changer de voie et de devenir producteur ou scénariste pour la musique de quelqu’un d’autre, comme c’est le cas avec le parcours de Bebe Rexha, de l’écriture à l’enregistrement ou au R américain & Le passage des hitmakers de B à l’industrie de la K-pop en Corée du Sud (ce qui complique un peu le partage des redevances en impliquant le droit d’auteur étranger, mais rapporte néanmoins des sommes importantes). Le nombre de sources de revenus différentes disponibles pour les musiciens est plus élevé qu’il ne l’a jamais été dans le passé.

Et pourtant, l’artiste moderne moyen est toujours à court d’argent.

D’après des recherches récentes Selon les estimations, les musiciens américains ne rapportent qu’un dixième des revenus de l’industrie nationale. Une des raisons de ce faible pourcentage est que les services de streaming – tout en revigorant l’industrie de la musique dans son ensemble – ne sont pas lucratifs pour les artistes à moins qu’ils ne soient des noms de premier plan comme Drake ou Cardi B.Selon un dossier de la société Spotify, en moyenne par- les paiements de flux de l’entreprise se situent entre 0,006 $ et 0,0084 $; les chiffres d’Apple Music, YouTube Music, Deezer et d’autres services de streaming sont comparables. Cela crée une situation gagnant-gagnant dans laquelle les grands artistes attrapent des millions et les petits ne peuvent pas gagner leur vie. Ce n’est pas nouveau – on pourrait dire que telle était la dynamique dans presque toutes les époques de la musique passée – mais les chiffres sont plus dramatiques qu’avant.

Une autre raison: le grand nombre de courtiers, intermédiaires et autres acteurs l’industrie de la musique, comme détaillé ci-dessus. Et cela sans parler de la boîte noire des redevances à l’ère du streaming, un gouffre d’argent impayé qui n’a pas encore fait son chemin vers les artistes en raison de métadonnées défectueuses ou d’une mauvaise communication entre les différents services impliqués dans la communication des chiffres appropriés; sa valeur a été estimée en milliards. « Lorsque vous finissez par retracer tous les dollars, environ 10% de ceux-ci sont capturés par l’artiste. » C’est incroyablement bas « , a déclaré Jason Bazinet, chercheur dans les médias, le câble et le satellite de Citigroup à Rolling Stone. « Ces jeunes artistes – vous ne comprenez même pas les détails sanglants de l’industrie de la musique ou comment les dollars circulent. Vous n’allez vraiment pas gagner autant d’argent. Il y a une quantité incroyable de fuites dans toute l’entreprise. »

Bonne nouvelle: l’industrie de la musique a maintenant accepté le streaming comme son chef de file en matière de revenus et est sur le point de s’adapter à cela, de nombreux analystes et experts s’attendant à ce que le l’entreprise se rationalisera – avec des réécritures de la loi, de nouvelles négociations sur les redevances, des fusions, des acquisitions et des consolidations – en quelque chose de plus léger et, enfin, plus lucratif pour les musiciens. Mauvaise nouvelle: personne ne sait quand ce sera.