Expressionnisme abstrait

novembre 30, 2020

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Action, champs de couleur et émotion

Jackson Pollock, Autumn Rhythm, 1950. Avec l’aimable autorisation du Metropolitan Museum of Art

« Nous avons ressenti la crise morale d’un monde en ruine, un monde détruit par une grande dépression et une guerre mondiale féroce, et il était impossible à ce moment-là de peindre le genre de des peintures que nous faisions – des fleurs, des nus allongés et des gens jouant du violoncelle. – Barnett Newman

Après une guerre mondiale si vicieuse, si cruelle, comment pouvons-nous simplement continuer avec la vie et l’art, de la même manière que C’est la question que de nombreux artistes se posaient après la Seconde Guerre mondiale. Dans les années 40 et 50 à New York, un nouveau mouvement artistique a commencé à émerger dans lequel les artistes ont commencé à explorer l’expression des émotions et des sentiments à travers la création de marques abstraites et gestuelles et l’imposition de couleurs Ces artistes ont estimé qu’ils ne pouvaient plus continuer à peindre des personnages après les horreurs de la guerre. Ils ont plutôt cherché refuge dans le domaine abstrait, encourageant la méditation et l’introspection. Ces artistes sont devenus connus sous le nom d’expressionnistes abstraits.

Dates clés: années 1940 et 1950
Régions clés: New York
Mots clés: action painting, color field painting, New York School, spiritualité, expression émotionnelle, spontanéité , marque gestuelle, sublime
Artistes clés: Jackson Pollock, Lee Krasner, Mark Rot hko, Willem de Kooning, Elaine de Kooning, Barnett Newman, Clyfford Still, Franz Kline, Harold Shapinsky, Robert Motherwell, Helen Frankenthaler, Cy Twombly, Ann Ryan, Ad Reinhardt

L’émergence de Expressionnisme abstrait

Dans les années qui ont suivi la Seconde Guerre mondiale, un groupe d’artistes rejetant la figuration au profit de l’abstraction a émergé aux États-Unis. Ils sont devenus connus comme les expressionnistes abstraits.

La montée du fascisme dans l’Europe des années 1930 et la guerre qui en a résulté avaient amené une vague d’artistes immigrés aux États-Unis. Ces artistes ont apporté avec eux des idées et des pratiques du modernisme européen. De nombreux artistes se sont formés à l’école des beaux-arts Hans Hofmann, fondée par le peintre allemand Hans Hofmann, ou au Black Mountain College expérimental en Caroline du Nord, où Joseph Albers a enseigné. L’influence européenne a enseigné aux artistes les innovations formelles du cubisme, et l’automatisme et les fondements psychologiques du surréalisme.

Les expressionnistes abstraits ont été profondément influencés par l’idée d’explorer l’inconscient qui régnait dans le surréalisme, et par les idées du psychologue suisse Carl Jung et son exploration des mythes et des archétypes. Ils gravitent également vers des philosophes existentialistes comme Jean-Paul Sartre. Les expressionnistes abstraits ont exprimé des émotions et des thèmes universels à travers leurs toiles souvent monumentales dans un style qui correspond à l’humeur d’après-guerre de traumatisme et d’anxiété.

Jackson Pollock, Convergence, 1952. Gracieuseté du MoMA

Les différents styles

Dans l’expressionnisme abstrait, nous pouvons différencier deux tendances: les peintres d’action et les peintres de champ de couleur.

Action Painting

Les peintres d’action étaient des artistes expressionnistes abstraits dont l’approche de la peinture était centrée sur l’acte physique de peindre. Leur processus de travail impliquait des éclaboussures et des gouttes de peinture sur la toile, et ils utilisaient souvent des coups de pinceau sauvages, bien sûr, gestuels au lieu d’appliquer soigneusement la peinture. Le critique d’art Harold Rosenberg a inventé le terme action painting dans son article « The American Action Painters », publié dans ARTnews en décembre 1952. Arshile Gorky, Franz Kline, Willem de Kooning et Jackson Pollock étaient tous considérés comme des peintres d’action. Pollock, avec ses grandes peintures au goutte à goutte, est sans doute le peintre d’action le plus connu.

Peinture de champ de couleur

Le terme peinture de champ de couleur a été utilisé pour la première fois en 1955 par Clement Greenberg pour désigner le travail de Mark Rothko, Barnett Newman et Clyfford Still. Ces artistes peignaient des compositions simples avec de grandes surfaces, généralement d’une seule couleur plate, destinées à produire une réponse contemplative ou méditative. Les artistes du champ de couleur recherchaient la transcendance et leurs champs vastes et émotifs de couleur étaient destinés à engloutir le spectateur et à inspirer une contemplation spirituelle et un sentiment intense.

Oeuvres emblématiques de l’expressionnisme abstrait

Jackson Pollock ‘s Number 1A (1948)

Jackson Pollock, Number 1A, 1948. Courtoisie MoMA

En 1947, Jackson Pollock a découvert un nouveau mode de peinture.La méthode consistait à jeter et à faire couler de la peinture sur une toile non étirée, posée sur le sol de son atelier. Le style est devenu connu sous le nom de peinture goutte à goutte. La peinture au goutte à goutte a permis à Pollock de travailler avec l’improvisation, la spontanéité, le mouvement et le sentiment. Dans sa peinture au goutte-à-goutte Numéro 1A, Pollock a ajouté ses empreintes de mains en haut à droite de la composition en tant qu’autographe. Il s’est éloigné des peintures à l’huile des artistes traditionnels et a utilisé des peintures émail commerciales pour ses peintures au goutte à goutte. Grâce à la fluidité de cette peinture, il a pu capturer directement les mouvements de son corps sur la toile. Pollock a choisi de ne plus donner à ses peintures des titres évocateurs et a commencé à les numéroter à la place, car les nombres sont neutres et permettraient aux gens de faire l’expérience de la peinture pure.

Les peintures murales Seagram de Mark Rothko (1958-1960)

Mark Rothko, Sans titre (Seagram Murals), 1958. Courtesy Tate

En 1958, Mark Rothko a été chargé de créer une série de peintures murales pour la salle à manger au restaurant Four Seasons du Seagram Building de New York. Il a travaillé sur la commande sans relâche pendant deux ans, créant une série de peintures de champ de couleurs profondément émouvantes dans des rouges foncés, des marrons et des noirs qui sont devenues connues sous le nom de Seagram Murals. Rothko a déclaré qu’avec ses peintures murales Seagram, il avait créé un lieu. Il s’est finalement retiré de la commande et a fait don de la plupart des peintures à la Tate Gallery de Londres. Les peintures murales Seagram illustrent le désir des peintres des champs de couleurs d’atteindre une transcendance spirituelle et de transmettre une expérience émotionnelle intense.

Les fouilles de Willem De Kooning ( 1950)

Willem de Kooning, Excavation, 1950. Courtesy Art Institute of Chicago

L’excavation de Willem de Kooning était son plus grand tableau à ce jour et illustre le travail au pinceau expressif caractéristique de De Kooning et l’organisation de l’espace en différents plans de glissement . L’artiste s’est inspirée d’une image de femmes travaillant dans une rizière dans le film néoréaliste de 1949 Riso Amaro de Giuseppe de Santis. La tension entre abstraction et figuration est ici évidente, dans les lignes calligraphiques qui semblent définir des parties anatomiques. Le processus de peinture intensif de De Kooning comprenait la construction de la surface et le raclage de ses couches de peinture pendant des mois jusqu’à ce qu’il obtienne l’effet souhaité.

Barnett Newman’s Onement (I) (1948)

Barnett Newman, Onement (I) , 1948. Avec l’aimable autorisation du MoMA

Pour Newman, Onement (I) a été sa percée artistique. C’était la première fois que l’artiste utilisait une bande verticale pour définir la structure spatiale de son travail. Cette bande verticale, que Newman a appelé plus tard un «zip», devait devenir la marque de signature de Newman. La bande épaisse et irrégulière divise et unit la composition. Newman a cherché à peindre à partir de zéro, comme si la peinture n’avait jamais existé auparavant. Il a vu ses compositions comme formes de pensée et expressions de l’expérience d’être vivant.

« L’artiste moderne travaille avec l’espace et le temps, et exprime ses sentiments plutôt que d’illustrer. » – Jackson Pollock

Expressionnisme abstrait au-delà de New York

Avec l’expressionnisme abstrait, New York est devenu le nouveau centre du monde de l’art. Pourtant, au-delà de New York, de nombreux mouvements artistiques s’éloignent eux aussi de la représentation au profit de l’abstraction. En Europe, dans les années 40 et 50, par exemple, il y avait l’Art Informel, qui se réfère à différentes tendances de la peinture abstraite comme le tachisme, la peinture de matière et l’abstraction lyrique. Bien que se référant principalement à l’art européen, les artistes ont également été inspirés par et embrassant l’expressionnisme abstrait américain. Comme les expressionnistes abstraits, ces artistes se sont inspirés du surréalisme et de sa concentration sur la peinture subconsciente et automatiste.

L’influence de l’expressionnisme abstrait

L’expressionnisme abstrait s’est épanoui dans les années 1940 et 1950, et les peintures ont été vues dans le monde entier dans des expositions itinérantes et des publications. Dans les années 1960, le minimalisme et le pop art ont commencé à remplacer l’expressionnisme abstrait en tant que mouvement artistique dominant. La nouvelle génération d’artistes en avait assez des grandes ambitions sérieuses des expressionnistes abstraits et de leur désir de dépeindre la transcendance et le sublime dans l’art. Pourtant, l’héritage de l’expressionnisme abstrait reste considérable.

Prenons l’exemple de Frank Bowling, un artiste qui a déménagé à New York au milieu des années 60 et a été profondément influencé par l’expressionnisme abstrait là-bas, continuant à peindre dans ce style tout au long de sa carrière, indépendamment de ce que le les styles populaires de l’époque étaient. De plus, ces dernières années, les femmes expressionnistes abstraites comme Lee Krasner, longtemps éclipsées par leurs contemporains masculins, reçoivent également l’attention qu’elles méritent. L’exposition 2016 du Denver Art Museum « Women of Abstract Expressionism » a célébré les artistes féminines souvent inconnues ou sous-estimées de ce mouvement artistique révolutionnaire.