Pablo Picasso, Les Demoiselles d ‘Avignon, 1907, huile sur toile, 243,9 x 233,7 cm (The Museum of Modern Art, New York)

Le fantôme de Cézanne, le Bonheur de Vivre de Matisse et l’ego de Picasso

Un des toiles les plus importantes du XXe siècle, la grande peinture révolutionnaire de Picasso Les Demoiselles d’Avignon a été construite en réponse à plusieurs sources importantes.

Pablo Picasso, Les Demoiselles d’Avignon, 1907, huile sur toile, 8 ′ x 7 ′ 8 ″ (243,9 x 233,7 cm) (Museum of Modern Art, New York)

Le premier d’entre eux fut sa confrontation avec la grande réalisation de Cézanne lors de la rétrospective posthume montée à Paris un an après la mort de l’artiste en 1907.

Paul Cézanne, Les Grands Baigneurs, 1906, huile sur toile, 82 7⁄8 × 98 3⁄4 ″ (Philadelphia Museum of Art)

L’exposition rétrospective a contraint le jeune Picasso, Matisse et de nombreux autres artistes à se confronter aux implications de Cézanne art. Le Bonheur de Vivre de Matisse de 1906 a été l’une des premières de nombreuses tentatives en ce sens, et l’œuvre nouvellement achevée a été rapidement achetée par Leo & Gertrude Stein et suspendue dans leur salon pour que tout leur cercle d’écrivains et d’artistes d’avant-garde pouvait le voir et le louer. Et félicitez-les. Voilà la promesse de Cézanne tenue – et qui intégrait les leçons tirées de Seurat et de van Gogh, rien de moins! C’en était trop pour le jeune Espagnol.

Henri Matisse, Bonheur de Vivre, 1906, huile sur toile, 175 x 241 cm (The Barnes Foundation, Philadelphie)

Pablo devient Picasso

De toute évidence, la nature intensément compétitive de Picasso l’a littéralement contraint à faire son grand rival. Les Demoiselles d’Avignon sont le fruit de cet effort. Comparons les toiles. Le paysage de Matisse est un vaste champ ouvert avec une vision profonde de la récession. Les chiffres sont peu fréquentés. Ils décrivent des arabesques fluides qui à leur tour se rapportent aux formes de la nature qui les entourent. Voici une sensualité langoureuse située dans le passé mythique de l’âge d’or de la Grèce.

En contraste très net, Picasso, l’intention de faire un nom pour lui-même (un peu comme le jeune Manet et David), a radicalement compressé l’espace de sa toile et remplacé l’érotisme sensuel par une sorte de pornographie agressivement grossière. (Notez, par exemple, la silhouette accroupie en bas à droite.) Son espace est intérieur, fermé et presque claustrophobe. Comme le plus tard Blue Nude de Matisse (lui-même une réponse aux Demoiselles d’Avignon), les femmes occupent tout l’espace et semblent piégées en son sein. N’est plus inscrite dans un passé classique, l’image de Picasso est clairement de notre temps. Voici cinq prostituées d’un vrai bordel, situé dans une rue nommée Avignon dans le quartier chaud de Barcelone, la capitale de la Catalogne dans le nord de l’Espagne – une rue, d’ailleurs, que Picasso avait fréquentée.

Picasso s’est également dispensé des pigments clairs et brillants de Matisse. Au lieu de cela, l’artiste choisit des tons plus profonds dignes de la lumière intérieure urbaine. Finie aussi la sensualité créée par Matisse. Picasso a remplacé les courbes gracieuses de Bonheur de Vivre par des formes pointues, déchiquetées, presque brisées. Les corps des femmes de Picasso semblent dangereux comme s’ils étaient formés d’éclats de verre brisé. Le plaisir de Matisse devient l’appréhension de Picasso. Mais si Picasso vise clairement à « sortir » de Matisse, à prendre la relève en tant qu’artiste le plus radical de Paris, il reconnaît également ses dettes. à gauche de la toile de Matisse: comme un savant citant une citation empruntée, Picasso note en bas de page.

L’aspirateur créatif

Picasso puise dans de nombreuses autres sources pour construire Les Demoiselles d’Avignon. En fait, un certain nombre d’artistes ont cessé de l’inviter dans leur atelier parce qu’il intégrait si librement et avec succès leurs idées dans son propre travail, souvent avec plus de succès que l’artiste original. En effet, Picasso a été assimilé à un « aspirateur créatif » chaque nouvelle idée qu’il a rencontrée. Bien que cette analogie puisse être un peu grossière, il est juste de dire qu’il avait un énorme appétit créatif. L’une des nombreuses sources historiques que Picasso a pillées est l’art archaïque, démontré très clairement par la figure la plus à gauche du tableau, qui se tient fermement sur des jambes qui semblent maladroitement verrouillées au genou. Son bras droit s’avance alors que son bras gauche semble disloqué (ce bras est en fait un vestige d’une figure masculine que Picasso a finalement enlevé). Sa tête est représentée de profil parfait avec de grands yeux en amande et un visage plat et abstrait.Elle a presque l’air égyptienne. En fait, Picasso a récemment vu une exposition de sculpture ibérique archaïque (un ancien style pré-classique) (d’Ibérie – la masse terrestre qui compose l’Espagne et le Portugal) au Louvre. Au lieu de revenir aux mythes sensuels de la Grèce antique, Picasso s’inspire du réel et le fait directement. À propos, Picasso a acheté, au secrétaire d’Apollinaire, deux têtes ibériques archaïques qu’elle avait volées au Louvre! Certains ont suggéré qu’elles avaient été prises à la demande de Picasso. Des années plus tard, Picasso les rendait anonymement.

Spontanéité, soigneusement chorégraphiée

Parce que la toile est malmenée, elle est souvent considérée comme une création spontanée, conçue directement. Ce n’est pas le cas. Il a été précédé de près d’une centaine de croquis. Ces études décrivent différentes configurations. Dans certains, il y a deux hommes en plus des femmes. L’un est un marin. Il est assis en uniforme au centre de la composition devant une petite table chargée de fruits, symbole traditionnel de la sexualité. Un autre homme est entré à l’origine par la gauche. Il portait un costume marron et portait un manuel, il était censé être étudiant en médecine.

Le regard de l’artiste (masculin)

Chacune de ces figures masculines était censée symboliser un aspect de Picasso. Ou, plus exactement, comment Picasso voyait ces femmes. Le marin est facile à comprendre. Le marin fictif est en mer depuis des mois, il est une référence évidente au pur désir sexuel. L’étudiant en médecine est plus délicat. Il n’est pas là pour s’occuper de la santé des femmes, mais il les voit avec des yeux différents. Alors que le marin représente la pure convoitise, l’étudiant voit les femmes d’un point de vue plus analytique. Il comprend comment leurs corps sont construits, etc. Serait-ce que Picasso exprimait la manière dont il voyait ces femmes? En tant qu’objets de désir, oui, mais aussi, avec une connaissance de l’anatomie probablement supérieure à de nombreux médecins. Ce qui est important, c’est que Picasso décide d’éloigner les hommes. Pourquoi? Eh bien, pour commencer, nous pourrions imaginer où les femmes ont concentré leur attention dans la composition originale. Si des hommes sont présents, les prostituées s’occupent d’eux. En supprimant ces hommes, l’image n’est plus autonome. Les femmes regardent maintenant vers l’extérieur, au-delà des limites du plan de l’image qui protège habituellement l’anonymat du spectateur. Si les femmes nous regardent, comme dans l’Olympia de Manet en 1863, nous, en tant que téléspectateurs, sommes devenus les clients. Mais c’est le vingtième siècle, pas le dix-neuvième et Picasso tente une franchise vulgaire qui ferait grincer des dents même Manet.

La perception de l’espace par Picasso

Jusqu’à présent, nous avons examiné le milieu figure qui se rapporte à la toile de Matisse; les deux personnages masqués du côté droit qui évoquent, par leur agressivité, la peur de la maladie de Picasso; et nous avons lié la figure la plus à gauche à la sculpture ibérique archaïque et à la tentative de Picasso de susciter une sorte de franchise primitive grossière. Cela ne laisse qu’une seule femme sans réponse. C’est la femme avec son coude droit levé et sa main gauche sur un drap tiré sur sa cuisse gauche. La table à fruits qui avait été placée à l’origine à l’aine du marin n’est plus ronde, elle s’est allongée, affûtée et abaissée jusqu’au bord de la toile. Ce tableau / phallus pointe vers cette dernière femme. La signification de Picasso est claire, la nature morte de fruits sur une table, cet ancien symbole de la sexualité, est le pénis en érection du spectateur et il pointe vers la femme de notre choix. Picasso n’était pas féministe. Dans sa vision, le spectateur est un homme.

Bien qu’explicites, ces images ne font qu’indiquer le problème clé. La femme qui a été choisie est traitée de manière distincte en fonction de sa relation à l’espace environnant. Oui, plus sur l’espace. Sur toute la toile, les femmes et les draperies (faites à la fois de rideaux et de draps) sont fracturées et éclatées. Voici la réponse de Picasso à Cézanne et Matisse. Les femmes ne sont ni avant ni derrière. Comme dans le Red Studio de Matisse, qui sera peint quatre ans plus tard, Picasso a commencé à tenter de dissoudre la relation figure / sol. Maintenant, regardez la femme que Picasso nous dit avoir choisie. Ses jambes sont croisées et sa main repose derrière sa tête, mais bien qu’elle semble se tenir parmi les autres, sa position est en réalité celle d’une silhouette allongée sur le dos. Le problème est que nous voyons son corps perpendiculairement à notre ligne de mire. Comme Matisse et Cézanne avant lui, Picasso rend ici deux moments dans le temps: comme vous l’avez peut-être compris, nous regardons d’abord la rangée de femmes, puis nous regardons la prostituée de notre choix / Picasso.

Masques africains, femmes colonisées

Les deux figures de droite sont les plus agressivement abstraites avec des visages rendus comme si elles portaient des masques africains. En 1907, au moment de la production de ce tableau, Picasso avait commencé à collectionner de telles œuvres. Même les stries qui représentent la scarification sont évidentes.Matisse et Derain s’intéressent depuis plus longtemps à un tel art, mais Picasso dit que ce n’est qu’après avoir erré dans le Palais du Trocadéro, le musée ethnographique de Paris, qu’il a compris la valeur de cet art. Rappelez-vous, la France était une puissance coloniale majeure en Afrique aux XIXe et XXe siècles. Une grande partie de l’art africain a été arrachée à son contexte géographique et artistique d’origine et vendue à Paris. Bien que Picasso finisse par devenir plus sophistiqué en ce qui concerne les utilisations originales et la signification de l’art non occidental qu’il collectionne, en 1907, son intérêt était largement basé sur ce qu’il percevait comme ses qualités extraterrestres et agressives.

William Rubin , autrefois conservateur principal du département de peinture et de sculpture du Musée d’art moderne, et éminent érudit de Picasso, a beaucoup écrit sur cette peinture. Il a suggéré que si le tableau parle clairement du désir (celui de Picasso), il exprime également sa peur. Nous avons déjà établi que Picasso fréquentait des bordels à cette époque, donc son désir n’est pas en question, mais Rubin fait valoir que ce n’est que la moitié de l’histoire. Les Demoiselles d’Avignon, c’est aussi la peur intense de Picasso… sa peur de ces femmes ou plus exactement la maladie qu’il craignait qu’elles lui transmettent. À l’époque précédant les antibiotiques, contracter la syphilis était une crainte bien fondée. Bien sûr, le sort des femmes ne semble pas entrer dans l’histoire de Picasso.