par Ryan Uytdewilligen

En bref, un auteur est un artiste qui applique un contrôle stylistique élevé sur son métier. Dans le cas d’Auture Filmmaking, ce serait le réalisateur.

Dans l’histoire du cinéma, la plupart des cinéphiles considèrent les cinéastes d’auteur comme une source d’inspiration. Scorsese, Kubrick, Lynch, Burton, Kurosawa, Mallick, les mêmes noms reviennent encore et encore pour une raison. Ils ont une identité cinématographique qui rayonne à travers leur travail, qu’il s’agisse d’un décor répétitif ou d’un thème récurrent.

Il est facile d’identifier un film de Wes Anderson car il a son équipe d’habitués (comme Owen Wilson et Bill Murray ) sur l’écran. Sa palette sauvage de couleurs vives l’identifie facilement comme un univers loufoque, presque surréaliste, que lui seul pouvait créer. Il est tellement doué pour faire passer sa vision que les gens reviennent pour plus.

C’est le signe du cinéaste d’auteur: un contrôle créatif pour un produit final personnel qui résonne avec l’air du temps.

L’HISTOIRE

La théorie du cinéma d’auteur a commencé dans la France des années 40 comme une méthode rapide et à petit budget pour tourner un film. Alors que le terme «théorie de l’auteur» a été inventé par le critique de cinéma américain Andrew Sarris, la théorie est née des idées d’Andrè Bazin et d’Alexandre Astruc, deux théoriciens qui ont lié la dette et les conséquences de la Seconde Guerre mondiale au processus de création de films plus personnels par tous les moyens. Bazin a poussé l’idée du style caméra-stylo (« caméra-stylo »), insistant sur le fait que le réalisateur chargé d’écrire l’idée, de bloquer le décor et de transmettre le message global est le véritable auteur du film. Avec beaucoup à dire et peu d’opportunités de financement, la théorie de l’auteur est devenue bien pratiquée dans le monde du cinéma à petit budget en Europe.

Jusque-là (et jusqu’à la fin des années 60 à Hollywood), le système de studio s’est simplement des réalisateurs embauchés comme George Cukor ou Frank Capra pour leur dernier projet. La tête du studio de chompage de cigares a dirigé la vision ultime. C’est pourquoi un cachet de réalisateur est rare sur les films plus anciens.

Cependant, il y a eu quelques exceptions comme le grand Charlie Chaplin. Après s’être frayé un chemin vers la célébrité à travers les films de Mack Sennett, il a reçu le contrôle créatif qui a conduit à l’écriture, à la mise en vedette, à la conception de la production et au montage de son propre travail. Un immense dynamisme créatif a mis en valeur son génie comique et a cimenté son nom dans l’histoire du cinéma.

Alors que les noms des réalisateurs se sont élargis et que le choix du projet de film est devenu plus clément, ce n’est pas vraiment avant la nouvelle vague française du Dans les années 50, l’amour pour les cinéastes d’auteur et le caractère commun de la théorie de l’auteur dans la pratique ont pris leur envol.

Deux des pionniers les plus notables étaient François Truffaut et Jean-Luc Godard qui ont commencé leur carrière avec des théories sur le sujet. Plus tard, ils ont fait des vagues avec leur petit budget, leur travail rapide qui a enfreint toutes les règles en matière de sexe, d’histoire et de violence. Leurs thèmes n’auraient jamais été autorisés dans les films grand public, donc leurs tournages de type guérilla utilisaient des arrière-plans réels, des acteurs inconnus et la liberté d’explorer ce qu’ils voulaient; le financement provenait de dons minimes, donc ils n’avaient personne à qui adhérer à part eux-mêmes pour le contenu.

Le prochain groupe de jeunes cinéastes d’auteur aux yeux écarquillés regardait: Martin Scorsese, Steven Spielberg, Brian De Palma, Peter Bogdanovich , William Friedkin et bien d’autres ont «pris d’assaut les portes» et contourné le système de studio. Ils ont exploré des thèmes plus sombres plus près d’eux – en restant fidèles à leur vision originale, aussi violente ou étrange que cela puisse paraître. En résonance avec une grande variété de public, des voix de plus en plus fortes ont maintenant poussé Hollywood à accueillir des rêveurs uniques via la théorie de l’auteur. C’est maintenant au débat et au choix personnel ce qui fait un véritable auteur.

Certaines des plus grandes légendes comme Alfred Hitchcock, dont son œuvre est facilement identifiable en raison de l’exploration du suspense dans le même genre, même s’il n’a pas écrit la majorité de son travail. D’autre part, le cinéaste indépendant Richard Linklater a écrit, réalisé et produit l’ensemble de son œuvre. terial mais adapte son style à différents genres. Peut-être que la meilleure position pour les cinéastes d’auteur est de savoir où tracer la ligne d’implication et de connaître exactement leurs forces.

DEVENIR AUTEUR

Mais comment arriver à ce point convoité dans leur carrière? Il semble que Stanley Kubrick soit né avec des idées distinctes qui l’ont propulsé au premier plan du cinéma. Le voyage peut être long, mais plus vous écrivez et produisez de matériel, plus vous avez de chances de développer votre propre voix.

C’est maintenant le moment le plus facile de le faire car vous n’avez pas à adhérer normes de studio pour le financement ou même l’équipement. Les films peuvent même être tournés sur des téléphones portables, donnant au cinéaste un contrôle total pour concevoir l’histoire et la scène.Les petits budgets donnent aux artistes plus de liberté, ce qui est l’endroit idéal pour explorer des thèmes, des styles et, surtout, de la place pour s’exercer.

Quand on pense aux cinéastes d’auteur que nous connaissons et aimons, c’est souvent leur premier travail qui tient lieu comme le meilleur le plus notable ou le plus absolu. Le premier long métrage de Steven Soderbergh, Sex, Lies and Videotape (1989), a remporté la Palme d’Or tandis que Reservoir Dogs (1992) de Quentin Tarantino a donné le ton à sa panoplie d’escapades policières sanglantes et humoristiques. Aussi décourageante que puisse être la grandeur d’inspiration, tous ces maîtres ont commencé avec un simple désir intérieur de raconter des histoires et un point de vue à partir duquel les raconter.

La théorie de l’auteur n’est pas un coup contre la collaboration, mais c’est un objectif vers lequel les jeunes artistes doivent tendre. Rien n’est plus satisfaisant que d’explorer des thèmes et des techniques personnels dans le milieu du cinéma. Créer votre propre tampon personnel est un voyage mais satisfaisant qui peut être obtenu en perfectionnant votre métier.