Still Life After 1517: Northern Renaissance and Dutch Realism

Les premières natures mortes enregistrées étaient Hare (1502) du peintre allemand Albrecht Durer et Dead Bird (1504) de l’artiste vénitien Jacopo de « Barbari, qui a travaillé dans les tribunaux en Allemagne et en Hollande.

Au cours des années 1520 et 1530, l’artiste allemand Hans Holbein le Jeune ( 1497-1543) a peint une série de portraits qui comprenaient également des images de natures mortes, avec des messages moraux et des symboles de style Vanitas. Voir, par exemple: Érasme de Rotterdam (1523), Dame à l’écureuil et à l’étourneau (1527-1528) ; Le marchand Georg Gisze (1532) et les ambassadeurs (1533).

Le maître incontesté de la nature morte baroque était l’artiste anversois Frans Snyders, avec des chefs-d’œuvre tels que Pantry Scene with a Page (vers 1617) ), Le garde-manger (vers 1620) et un étal de jeu (vers 1625). Le travail de Snyders a été développé par plusieurs peintres réalistes néerlandais des écoles d’Utrecht et de Delft w ho a perfectionné le genre encore plus loin. La première fleur pure datée a été exécutée en 1562 par l’allemand Ludger Tom Ring.

Le fait que tous ces développements se soient produits en Flandre, en Hollande et en Allemagne n’était pas une coïncidence. À la suite de la Réforme – la révolte protestante contre l’Église de Rome (vers 1517) – la peinture religieuse subit un sérieux déclin en Europe du Nord, facilitant ainsi la réémergence du genre nature morte (Stilleven). La popularité de la peinture à l’huile sur toile dans ces pays – qui permettait une plus grande retouche d’une image et donc des détails plus fins – a également contribué à développer le genre. L’apogée de la nature morte a été atteinte dans la peinture hollandaise du 17ème siècle, dans un style connu sous le nom de « réalisme hollandais », qui est considéré comme la manifestation la plus fidèle du genre. Il a également fourni un moyen d’expression religieuse, car des messages moraux symboliques ont été introduits, ce qui a encore élargi son attrait. Une forme particulière de nature morte symbolique (appelée vanité) comprenait des arrangements d’objets symboliques conçus pour rappeler au spectateur le pitoyable éphémère de la vie sur terre. La nature morte en général et les pièces de vanité en particulier, ont fortement attiré la classe moyenne puritaine néerlandaise, et leur patronage croissant a conduit à une recrudescence de Stilleven qui s’est ensuite étendue à l’Espagne et à la France.

D’autres exemples de toujours- la vie d’artistes hollandais comprend: Les vanités de la vie humaine (1645) par Harmen Steenwyck; A Vanitas Still Life (1645) de Pieter Claesz; Petit-déjeuner de crabe (1648, Hermitage, Saint-Pétersbourg) par Willem Claesz Heda; Nature morte avec homard, corne à boire et verres (vers 1653) de Willem Kalf; Les pantoufles (1654) de Samuel Hoogstraten; La nature morte des fruits (vers 1670) par Jan Davidsz de Heem; Fleurs et insectes (1711) de Rachel Ruysch.

Nature morte après 1600 en Italie, Espagne, France

La nature morte est restée impopulaire auprès de la plupart des artistes italiens et est rarement apparue dans les beaux-arts italiens peinture, indépendamment d’un sujet, à l’exception de la petite corbeille de fruits du Caravage; bien qu’il y ait eu des exceptions. Celles-ci comprenaient les morceaux de fruits, de fleurs et de poissons de l’école napolitaine de peinture et du baroque napolitain aux XVIIe et XVIIIe siècles (par exemple par Recco et Ruoppolo) et les instruments de musique peints par Baschenis.

En Espagne , le genre était plus populaire, et des peintres comme Francisco de Zurbaran et Juan Sanchez Cotan ont investi la nature morte la plus simple avec le drame. Exemples d’œuvres espagnoles: Nature morte avec citrons, orange et rose (1633) de Zurbaran et Nature morte avec gibier (vers 1602) de Juan Sanchez Cotan. D’autres artistes de Stilleven inclus Sanchez et Melendez. L’élément dramatique espagnol a culminé un siècle plus tard dans les natures mortes de Francisco Goya, la tête de veau et la dinde plumée.

En France, peut-être en raison de l’influence conservatrice de l’Académie des Beaux-Arts de Paris, toujours -la peinture de la vie a mis plus de temps à se développer que chez ses voisins du nord. Ce n’est qu’aux XVIIe et XVIIIe siècles que les aristocrates français ont commencé à commander des natures mortes opulentes et en trompe l’œil que des exemples virtuoses du genre sont apparus dans les peintures de Moillon, Stoskopff, Oudry, et surtout Jean-Siméon Chardin, bien que il a évité les « objets de luxe » au profit des ustensiles de cuisine et des arrangements simples de nourriture et de boisson. Les superbes peintures à petite échelle de Chardin – par exemple Nature morte avec bouteille d’olives (1760) et Lapin, Grive, Paille (1755) – sont si « réelles » que vous voulez les toucher. Le riche romantique-réaliste français Theodore Gericault a également produit plusieurs œuvres inhabituelles de ce genre, telles que Anatomical Pieces (1818).