Concerto all’uovo, Hieronymus Bosch, c. 1561

Introduzione

La musica rinascimentale è musica scritta in Europa durante il Rinascimento. Il consenso tra gli storici della musica – con notevole dissenso – è stato quello di iniziare l’era intorno al 1400, con la fine dell’era medievale, e di chiuderla intorno al 1600, con l’inizio del periodo barocco, iniziando quindi il Rinascimento musicale circa un centinaio di anni dopo l’inizio del Rinascimento come inteso in altre discipline. Come nelle altre arti, la musica del periodo è stata significativamente influenzata dagli sviluppi che definiscono la prima età moderna: l’ascesa del pensiero umanistico; il recupero del patrimonio letterario e artistico dell’antica Grecia e di Roma; maggiore innovazione e scoperta; la crescita dell’impresa commerciale; l’ascesa di una classe borghese; e la Riforma protestante. Da questa società in cambiamento emerse un linguaggio musicale comune e unificante, in particolare lo stile polifonico della scuola franco-fiamminga.

L’invenzione della stampa Gutenberg rese possibile la distribuzione della musica e della teoria musicale su larga scala. La domanda di musica come intrattenimento e come attività per dilettanti colti aumentò con l’emergere di una classe borghese. La diffusione di canti, mottetti e messe in tutta Europa coincise con l’unificazione della pratica polifonica nello stile fluido che culminò nella seconda metà del XVI secolo nel lavoro di compositori come Palestrina, Lassus, Victoria e William Byrd. La relativa stabilità politica e prosperità nei Paesi Bassi, insieme a un fiorente sistema di educazione musicale nelle numerose chiese e cattedrali della zona, hanno permesso la formazione di centinaia di cantanti e compositori. Questi musicisti erano molto ricercati in tutta Europa, in particolare in Italia, dove le chiese e le corti aristocratiche li assumevano come compositori e insegnanti. Entro la fine del XVI secolo, l’Italia aveva assorbito le influenze del nord, con Venezia, Roma e altre città che erano centri di attività musicale, invertendo la situazione di cento anni prima. L’opera nacque in questo periodo a Firenze come un tentativo deliberato di far risorgere la musica dell’antica Grecia.

La musica, sempre più liberata dai vincoli medievali, in termini di estensione, ritmo, armonia, forma e notazione, divenne un veicolo per nuova espressione personale. I compositori hanno trovato il modo per rendere la musica espressiva dei testi che stavano impostando. La musica secolare ha assorbito tecniche dalla musica sacra e viceversa. Forme laiche popolari come la chanson e il madrigal si diffusero in tutta Europa. I tribunali impiegavano artisti virtuosi, sia cantanti che strumentisti. Anche la musica è diventata più autosufficiente con la sua disponibilità in forma stampata, esistente per se stessa. Molti strumenti moderni familiari (inclusi violino, chitarra, liuto e strumenti a tastiera), si sono sviluppati in nuove forme durante il Rinascimento rispondendo all’evoluzione delle idee musicali, presentando ulteriori possibilità di esplorazione per compositori e musicisti. Apparvero anche moderni strumenti a fiato e ottoni come il fagotto e il trombone; estendendo la gamma di colore sonoro e potenza. Durante il XV secolo divenne comune il suono delle triadi intere, e verso la fine del XVI secolo il sistema dei modi ecclesiastici iniziò a crollare del tutto, lasciando il posto alla tonalità funzionale che avrebbe dominato la musica d’arte occidentale per i successivi tre secoli .

Chansonnier di Heinrich Isaac, 1484

Da nell’era rinascimentale sopravvive in quantità sia la musica secolare che quella sacra, sia vocale che strumentale. Un’enorme diversità di stili e generi musicali fiorì durante il Rinascimento e può essere ascoltata nelle registrazioni commerciali nel ventunesimo secolo, comprese messe, mottetti, madrigali, canti, canzoni accompagnate, danze strumentali e molti altri. Numerosi gruppi di musica antica specializzati nella musica del periodo tengono tour di concerti e registrano, utilizzando una vasta gamma di stili interpretativi.

Una delle caratteristiche più evidenti della musica artistica europea del primo Rinascimento era la crescente dipendenza dal intervallo della terza (nel medioevo le terze erano state considerate dissonanze). La polifonia divenne sempre più elaborata per tutto il XIV secolo, con voci altamente indipendenti: l’inizio del XV secolo mostrò una semplificazione, con le voci che spesso aspiravano alla morbidezza. Ciò è stato possibile a causa di una gamma vocale notevolmente aumentata nella musica: nel Medioevo, la gamma ristretta rendeva necessario un frequente incrocio di parti, richiedendo quindi un maggiore contrasto tra di loro.

Il modale (al contrario del tono ) le caratteristiche della musica rinascimentale iniziarono a sgretolarsi verso la fine del periodo con l’aumento dell’uso dei moti delle radici delle quinte.Questa si è successivamente sviluppata in una delle caratteristiche che definiscono la tonalità.

Le caratteristiche principali della musica rinascimentale sono le seguenti:

• Musica basata sui modi
• Trama più ricca in quattro o più parti
• Fusione anziché fili di contrasto nella trama musicale
• Armonia con maggiore preoccupazione per il flusso e la progressione degli accordi

La polifonia è uno dei notevoli cambiamenti che segnano musicalmente il Rinascimento dal Medioevo. Il suo uso incoraggiava l’uso di ensemble più grandi e richiedeva set di strumenti che si fondessero su tutta la gamma vocale.

Le principali forme liturgiche che resistettero per tutto il periodo rinascimentale furono messe e mottetti, con alcuni altri sviluppi verso alla fine, soprattutto quando i compositori di musica sacra iniziarono ad adottare forme secolari (come il madrigale) per i propri progetti.

Generi sacri comuni erano la messa, il mottetto, il madrigale spirituale e la laude.

Mottetti di Cyprien de Rore illustrati da Hans Mielich

Durante il periodo, la musica secolare ebbe una diffusione crescente, con un’ampia varietà di forme, ma bisogna stare attenti ad assumere un’esplosione di varietà: da quando la stampa ha reso la musica più ampiamente disponibile, molto di più è sopravvissuto di quest’epoca rispetto alla precedente di epoca medievale, e probabilmente è irretrievab un ricco deposito di musica popolare del tardo medioevo ly lost.

La musica secolare era musica indipendente dalle chiese. I tipi principali erano il tedesco Lied, la frottola italiana, la chanson francese, il madrigale italiano e il villancico spagnolo. Altri generi vocali secolari includevano la caccia, rondeau, virelai, bergerette, ballade, musique mesurée, canzonetta, villanella, villotta e il canto del liuto. Apparvero anche forme miste come il mottetto-canto e il mottetto secolare.

La musica puramente strumentale includeva musica per consorte per flauto dolce o violino e altri strumenti e danze per vari ensemble. I generi strumentali comuni erano la toccata, il preludio, il ricercar e la canzona. I balli suonati da gruppi strumentali includevano basse danse, tourdion, saltarello, pavane, galliard, allemande, courante, bransle, canarie e lavolta. La musica di molti generi potrebbe essere arrangiata per uno strumento solista come il liuto, la vihuela, l’arpa o la tastiera. Tali arrangiamenti furono chiamati intabulation.

Verso la fine del periodo, si vedono i primi precursori drammatici dell’opera come la monodia, la commedia madrigale e l’intermedio.

Teoria e notazione

Secondo Margaret Bent, “la notazione rinascimentale è poco prescrittiva per i nostri standard; quando tradotta in forma moderna acquista un peso prescrittivo che specifica eccessivamente e distorce la sua apertura originale.”

Ockeghem, Kyrie “Au travail suis”, estratto

Queste diverse permutazioni erano chiamate “tempus perfetto / imperfetto” a livello della relazione breve-semibreve, “prolazione perfetta / imperfetta” a livello di semibreve-minim, ed esistevano in tutte le possibili combinazioni tra loro. Tre a uno era chiamato “perfetto” e due a uno “imperfetto”. Esistevano anche regole per cui singole note potevano essere dimezzate o raddoppiate di valore (rispettivamente “imperfette” o “alterate”) se precedute o seguite da altre note. Le note con teste di nota nere (come le note da un quarto) sono apparse meno spesso. Questo sviluppo della notazione mensurale bianca può essere il risultato di un maggiore uso della carta (piuttosto che della pergamena), poiché la carta più debole era meno in grado di resistere ai graffi richiesti per riempire le teste delle note solide; l’annotazione dei tempi precedenti, scritta su pergamena, era stata nera. Altri colori, e in seguito, note compilate, furono usati regolarmente anche, principalmente per rafforzare le suddette imperfezioni o alterazioni e per richiedere altri cambiamenti ritmici temporanei.

Le alterazioni non erano sempre specificate, un po ‘come in certe notazioni di diteggiatura (tablature) oggi.Tuttavia, i musicisti rinascimentali sarebbero stati altamente addestrati nel contrappunto diadico e quindi possedevano questa e altre informazioni necessarie per leggere una partitura, “ciò che la notazione moderna richiede sarebbe stato perfettamente evidente senza annotazione a un cantante esperto di contrappunto”. Un cantante interpreta la sua parte calcolando formule cadenziali con altre parti in mente, e quando canta insieme i musicisti evitano ottave e quinte parallele o alterano le loro parti cadenziali alla luce delle decisioni di altri musicisti.

È attraverso le tablature contemporanee di vari strumenti a pizzico che abbiamo ottenuto molte informazioni su quali alterazioni sono state eseguite dai professionisti originali.

Per informazioni su teorici specifici, vedere Johannes Tinctoris, Franchinus Gaffurius, Heinrich Glarean, Pietro Aron, Nicola Vicentino, Tomás de Santa María, Gioseffo Zarlino, Vicente Lusitano, Vincenzo Galilei, Giovanni Artusi, Johannes Nucius e Pietro Cerone.