di Ryan Uytdewilligen

In breve, un artista è un artista che applica una quantità elevata di controllo stilistico sul proprio mestiere. Nel caso di Auture Filmmaking, questo sarebbe il regista.

Nella storia del cinema, la maggior parte degli appassionati di cinema indica i registi d’autore come fonte di ispirazione. Scorsese, Kubrick, Lynch, Burton, Kurosawa, Mallick, gli stessi nomi compaiono più e più volte per un motivo. Hanno un’identità cinematografica che si irradia attraverso il loro lavoro, che si tratti di un’ambientazione ripetitiva o di un tema ricorrente.

È facile identificare un film di Wes Anderson perché ha il suo team di clienti abituali (come Owen Wilson e Bill Murray ) sullo schermo. La sua selvaggia tavolozza di colori vivaci lo identifica facilmente come un universo stravagante, quasi surreale, che solo lui poteva creare. È così bravo a trasmettere la sua visione che le persone continuano a tornare per saperne di più.

Questo è il segno del regista d’autore: il controllo creativo per un prodotto finale personale che risuona con lo spirito del tempo.

LA STORIA

La teoria del cinema d’autore è iniziata nella Francia degli anni ’40 come metodo veloce ea basso budget per girare un film. Mentre il termine “teoria dell’autore” è stato coniato dal critico cinematografico americano Andrew Sarris, la teoria è nata dalle idee di Andrè Bazin e Alexandre Astruc, due teorici che hanno collegato il debito e le conseguenze della seconda guerra mondiale con il processo di realizzazione di film più personali con qualsiasi mezzo Bazin ha promosso l’idea dello stile caméra-stylo (“macchina fotografica-penna”), insistendo sul fatto che il regista incaricato di scrivere l’idea, bloccare lo scenario e trasmettere il messaggio generale è il vero autore del film. Con molto da dire e poche opportunità di finanziamento, la teoria dell’autore divenne ben praticata nel mondo del cinema a basso budget europeo.

Fino ad allora (e fino alla fine degli anni Sessanta a Hollywood), il sistema degli studi si limitava a assegnare regista su commissione come George Cukor o Frank Capra al loro ultimo progetto. La testa dello studio che mangia sigari ha guidato la visione finale. Questo è il motivo per cui un timbro da regista è raro nei film più vecchi.

Tuttavia, c’erano alcune eccezioni come il grande Charlie Chaplin. Dopo essersi fatto strada verso la celebrità attraverso i film di Mack Sennett, gli è stato conferito il controllo creativo che ha portato alla scrittura, al ruolo di protagonista, alla progettazione della produzione e al montaggio del suo lavoro. Un’immensa spinta creativa ha messo in mostra il suo genio comico e ha consolidato il suo nome nella storia del cinema.

Mentre i nomi dei registi sono diventati più grandi e la scelta del progetto cinematografico è diventata più indulgente, non è stato davvero fino alla New Wave francese del Anni ’50, quando l’amore per i registi d’autore e la comunanza pratica della teoria dell’autore sono decollati.

Due dei pionieri più importanti includevano François Truffaut e Jean-Luc Godard che hanno iniziato la loro carriera con teorie sull’argomento. In seguito hanno fatto scalpore con il loro lavoro a basso budget e taglio veloce che ha infranto tutte le regole quando si trattava di sesso, storia e violenza. I loro temi non sarebbero mai stati ammessi nei film tradizionali, quindi le loro riprese di tipo guerrigliero hanno utilizzato sfondi reali, attori sconosciuti e libertà di esplorare ciò che volevano; i finanziamenti provenivano da donazioni minime, quindi non avevano nessuno a cui aderire se non loro stessi per i contenuti.

Il gruppo successivo di giovani registi d’autore con gli occhi spalancati stava guardando: Martin Scorsese, Steven Spielberg, Brian De Palma, Peter Bogdanovich , William Friedkin e molti altri “hanno preso d’assalto i cancelli” e hanno aggirato il sistema dello studio. Hanno esplorato temi più oscuri più vicini a loro, rimanendo fedeli alla loro visione originale, non importa quanto violenta o strana potesse sembrare. Risuonando con un’ampia varietà di pubblico, voci più forti e più forti ora hanno spinto Hollywood ad accogliere sognatori unici attraverso la teoria dell’autore. Ora è in discussione e scelta personale ciò che rende un vero autore.

Alcuni dei più grandi includono leggende come Alfred Hitchcock, di cui il lavoro è facilmente identificabile grazie all’esplorazione della suspense principalmente nello stesso genere, anche se non ha scritto la maggior parte del suo lavoro. D’altra parte, il regista indipendente Richard Linklater ha scritto, diretto e prodotto tutto il suo lavoro. teriale ma adatta il suo stile a generi diversi. Forse la posizione migliore per i registi d’autore è sapere dove tracciare la linea del coinvolgimento e sapere quali sono esattamente i loro punti di forza.

DIVENTARE UN AUTORE

Ma come si arriva a questo ambito punto nella loro carriera? Sembra che Stanley Kubrick sia nato con idee distinte che lo hanno lanciato in primo piano nel mondo dei registi. Il viaggio può essere lungo, ma più materiale scrivi e produci, più possibilità hai di sviluppare la tua voce.

Ora è il momento più semplice per farlo perché non devi aderire a standard di studio per finanziamenti o anche attrezzature. I film possono anche essere girati sui telefoni cellulari, dando al regista il controllo completo per progettare la storia e la scena.Budget inferiori danno agli artisti più libertà, il luogo perfetto per esplorare temi, stili e, soprattutto, spazio per esercitarsi.

Quando si pensa ai registi d’autore che conosciamo e amiamo, spesso è il loro primo lavoro che rimane come il migliore o il migliore in assoluto. Il primo lungometraggio di Steven Soderbergh Sex, Lies and Videotape (1989) ha portato a casa la Palma d’Oro, mentre Le Iene (1992) di Quentin Tarantino ha dato il tono alla sua serie di sanguinose ma divertenti scappatelle criminali. Per quanto possa essere scoraggiante la grandezza ispiratrice, tutti questi maestri hanno iniziato con un semplice desiderio interiore di raccontare storie e un punto di vista da cui raccontarle.

La teoria dell’autore non è un colpo alla collaborazione ma è un obiettivo verso cui tendere ai giovani artisti. Niente è più soddisfacente dell’esplorazione di temi e tecniche personali nel mezzo cinematografico. Creare il tuo timbro personale è un viaggio ma soddisfacente che può essere ottenuto affinando la tua arte.