Cominciamo da quest’ultimo. I diritti d’autore delle registrazioni sonore appartengono agli artisti della registrazione e alle loro etichette discografiche. Esistono ulteriori distinzioni tra diversi tipi di licenze di registrazione audio che generano royalties, come i diritti di esecuzione (per la riproduzione di un brano su formati come servizi di streaming, radio AM / FM, radio satellitare e radio Internet) e diritti di riproduzione (per la vendita di CD o file di musica digitale) e diritti di sincronizzazione (per l’utilizzo di brani in film, televisione e altri media), ma per la maggior parte ciò che conta è che questo copyright appartiene solo agli artisti e a qualunque etichetta ci sia dietro.

Queste feste potrebbero non avere nulla a che fare con le persone che scrivono i testi e la melodia della canzone e quindi possiedono il copyright della composizione. A volte sono la stessa cosa, nel qual caso quella parte fortunata ottiene il doppio del flusso di cassa. Se sono separati, come nel caso della maggior parte delle canzoni pop e dei successi in cima alle classifiche, il copyright della registrazione audio è suddiviso tra artisti ed etichette discografiche, mentre il copyright della composizione è suddiviso tra gli autori e gli editori coinvolti. Nel caso di “Big Yellow Taxi” dei Counting Crows, ad esempio, la band prende le royalty per la registrazione del suono, ma Joni Mitchell, l’autore originale della canzone, ottiene le royalty per la composizione.

Per la maggior parte delle volte quando qualcuno ascolta una canzone, entrano in gioco entrambi i tipi di copyright, generando due serie di royalties pagate alle rispettive parti. Ecco un pratico grafico, messo insieme dal team di ricerca di Citigroup in un recente rapporto sulle finanze della musica, che mostra come entrambi i tipi di copyright generano e ricevono denaro:

… e Getting That Music Riprodotto

Analizziamolo in base ai modi più popolari in cui gli ascoltatori contribuiscono effettivamente in denaro ai creatori di musica: quando qualcuno acquista una canzone da iTunes, Google Play o qualsiasi altro negozio digitale, i soldi della vendita vengono pagati ai creatori tramite entrambi i diritti d’autore – composizione e registrazione audio – con le tariffe che dipendono dalle dimensioni dell’etichetta, dalle dimensioni del distributore e dalla scommessa specifica delle negoziazioni tra le due così come qualsiasi altra parte intermedia coinvolta. (A volte le etichette lavorano con agenti che possono concedere in licenza cataloghi più grandi contemporaneamente, risparmiando tempo e problemi ma incassando un costo aggiuntivo.)

Lo stesso pagamento per doppio copyright si verifica essenzialmente nel caso dello streaming su richiesta , così come quando una canzone viene suonata in aziende e rivenditori, che si tratti di negozi di alimentari, ospedali o sullo sfondo del sito Web di una startup. La percentuale specifica di pagamento all’interno di queste offerte dipende dal tipo di servizio e dal potere negoziale di tutti i nomi coinvolti.

Mettere musica in film, televisione e spot pubblicitari, nota anche come “sincronizzazione”, implica una licenza negoziata tra i contenuti produttori e editori / cantautori. Una quota viene pagata in anticipo e le royalty vengono pagate anche una volta che il film o il programma televisivo è stato distribuito e trasmesso. Le licenze di sincronizzazione possono essere redditizie e, poiché la maggior parte dei registi generalmente sceglie la musica in base ai propri capricci piuttosto che ciò che è in cima alle classifiche, serve anche come una piattaforma di scoperta decente per atti nascosti.

Il processo è ulteriormente diverso per i servizi radio, tuttavia, che in genere utilizzano licenze generali a buffet che determinano i tassi di pagamento su larga scala. E c’è un’importante distinzione fatta nelle attuali regole sul copyright tra radiodiffusione (AM / FM) e radio Internet (Pandora, SiriusXM, altre radio satellitari e webcaster): Le emittenti radiofoniche terrestri non devono pagare i titolari del copyright delle registrazioni audio, mentre il secondo gruppo sì. Questa differenza – che l’industria musicale considera in gran parte una scappatoia ingiusta – significa che ogni volta che una canzone viene riprodotta in onda, fa soldi solo per i suoi scrittori, non per gli artisti. Quindi, ogni volta che “Big Yellow Taxi” dei Counting Crows viene trasmesso alla radio AM o FM, solo Joni Mitchell viene pagata e la band non ottiene nulla.

Esecuzione di musica dal vivo

Gli eventi dal vivo si stanno rapidamente configurando come lo spazio più redditizio per i musicisti nell’era della musica digitale e per una buona ragione: poiché gli ascoltatori vengono sommersi da un accesso economico alla musica fornita dai servizi di streaming, gli appassionati di musica desiderano esperienze più intime con i loro artisti preferiti. Ecco perché i tour stanno diventando più grandiosi e i festival musicali attirano folle ridicole anche se le loro formazioni sono tutte uguali. È anche il motivo per cui le compagnie di biglietti e concerti come Live Nation stanno crescendo come un matto.

Mentre le vendite di album diminuiscono e gli stream possono pagare solo frazioni di un centesimo alla volta, gli spettacoli dal vivo – che si tratti di tour, festival o concerti una tantum – stanno dominando alcuni dei prezzi dei biglietti più alti di sempre.

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Nel periodo di massimo splendore del pop e del rock, i musicisti raramente volevano essere associati a marchi aziendali, ma le cose stanno cambiando con l’ascesa del rap come genere più popolare d’America. Le partnership con i marchi offrono agli artisti la possibilità di sponsorizzare o sostenere un marchio che potrebbero davvero piacere e ottenere accesso a un flusso di entrate aggiuntivo mentre ci sono. Un altro modo in cui i musicisti trovano guadagni secondari proviene dalla monetizzazione di YouTube, in cui i video di YouTube condividono i profitti degli annunci che vengono contrassegnati su di essi. Secondo quanto riferito, il “Gangnam Style” di Psy ha guadagnato $ 2 milioni da 2 miliardi di visualizzazioni su YouTube. Il capo della musica di YouTube Lyor Cohen ha scritto in un post sul blog l’anno scorso che il tasso di pagamento di YouTube negli Stati Uniti è di $ 3 per 1000 stream.

Moda, merchandising e altre vendite dirette

La vendita di prodotti non musicali come profumi, accessori e linee di abbigliamento è una strategia facile per fare soldi che gli artisti sfruttano da decenni, ma nell’era digitale , i musicisti possono anche essere creativi con i loro metodi, espandendosi ben oltre le tradizionali tende per il merchandising ai concerti e i poster su un sito web.

Gli artisti stanno anche iniziando a chiedere denaro direttamente al pubblico, tramite crowdfunding o creando canali personalizzati di comunicazione con i propri fan, al di fuori delle piattaforme di social media come Instagram e Twitter. La star di Voice Angie Johnson ha raccolto circa $ 36.000 su Kickstarter per registrare un album in uscita, ad esempio. Altri gruppi stanno rilasciando app dedicate o pacchetti di abbonamento per la loro musica o per la vendita di prodotti su misura come festival curati da artisti, abbonamenti e-mail e uscite musicali limitate. Pitbull ha la sua crociera.

Allora – Dov’è tutto il denaro?

Tutto quanto sopra non è affatto un elenco completo dei modi in cui gli artisti moderni fanno soldi; tieni presente che ora è anche più facile che mai cambiare corsia e diventare un produttore o scrittore per la musica di qualcun altro, come nel caso del viaggio di Bebe Rexha dalla scrittura di canzoni alla registrazione o della R & Il passaggio di B hitmakers all’industria K-pop della Corea del Sud (che complica un po ‘le divisioni dei diritti d’autore coinvolgendo la legge sul copyright dall’estero, ma comunque riporta denaro significativo). L’enorme numero di diversi flussi di entrate disponibili per i musicisti è più alto che mai in passato.

Eppure, l’artista moderno medio è ancora a corto di soldi.

Da una ricerca recente Secondo le stime, i musicisti statunitensi portano a casa solo un decimo dei ricavi dell’industria nazionale. Uno dei motivi di una percentuale così esigua è che i servizi di streaming – mentre rinvigoriscono l’industria musicale in generale – non sono redditizi per gli artisti a meno che non siano nomi in cima alle classifiche come Drake o Cardi B. Secondo un deposito di una società di Spotify, i pagamenti in streaming dalla società sono compresi tra $ 0,006 e $ 0,0084; i numeri di Apple Music, YouTube Music, Deezer e altri servizi di streaming sono comparabili. Ciò crea una situazione in cui il vincitore prende tutto in cui i grandi artisti raccolgono milioni e i piccoli non possono guadagnarsi da vivere. Non è niente di nuovo – si potrebbe sostenere che tali erano le dinamiche in quasi tutte le epoche della musica passata – ma i numeri sono più drammatici di prima.

Un altro motivo: l’enorme numero di broker, intermediari e altri giocatori in l’industria musicale, come spiegato sopra. E questo per non parlare della scatola nera dei diritti d’autore nell’era dello streaming, un pozzo di denaro non pagato che non è ancora arrivato agli artisti a causa di metadati difettosi o cattiva comunicazione tra i vari servizi coinvolti nella segnalazione dei numeri corretti; il suo valore è stato stimato in miliardi. “Quando si finisce per rintracciare tutti i dollari, circa il 10% viene catturato dall’artista.” È incredibilmente basso “, ha detto a Rolling Stone Jason Bazinet, ricercatore di Citigroup su media, cavo e satellite. “Questi giovani artisti – non capisci nemmeno i dettagli cruenti dell’industria musicale o come scorrono i dollari. Non farai davvero così tanti soldi. C’è un’incredibile quantità di perdite attraverso l’intera faccenda.”

Buone notizie: l’industria musicale ha ora accettato lo streaming come leader delle entrate ed è pronta ad adattarsi a questo, con molti analisti ed esperti che si aspettano che il l’attività si snellirà da sola – con riscritture della legge, negoziazioni di nuovi diritti d’autore, fusioni, acquisizioni e consolidamenti – in qualcosa di più snello e, infine, più redditizio per i musicisti. Cattive notizie: nessuno sa quando sarà.