Natura morta dopo il 1517: rinascimento settentrionale e realismo olandese

I primi dipinti di nature morte registrati furono Hare (1502) del pittore tedesco Albrecht Durer e Dead Bird (1504) dell’artista veneziano Jacopo de “Barbari, che ha lavorato presso le corti in Germania e Olanda.

Durante gli anni 1520 e 1530, l’artista tedesco Hans Holbein il Giovane ( 1497-1543) dipinse una serie di ritratti che includevano anche immagini di nature morte, complete di messaggi e simboli morali in stile Vanitas. Vedi, ad esempio: Erasmo da Rotterdam (1523), Dama con uno scoiattolo e uno storno (1527–28) ; The Merchant Georg Gisze (1532) e The Ambassadors (1533).

Il maestro indiscusso della natura morta barocca fu l’artista di Anversa Frans Snyders, con capolavori come Pantry Scene with a Page (c.1617 ), The Pantry (c.1620) e A Game Stall (c.1625). Il lavoro di Snyders è stato sviluppato da diversi pittori realisti olandesi delle scuole di Utrecht e Delft w ho perfezionato ulteriormente il genere. Il primo pezzo di puro fiore datato è stato eseguito nel 1562 dal tedesco Ludger Tom Ring.

Il fatto che tutti questi sviluppi si siano verificati nelle Fiandre, in Olanda e in Germania non era una coincidenza. A seguito della Riforma – la rivolta protestante contro la Chiesa di Roma (1517 circa) – la pittura religiosa subì un grave declino nel Nord Europa, facilitando così il riemergere del genere della natura morta (Stilleven). La popolarità della pittura a olio su tela in questi paesi – che ha consentito una maggiore rielaborazione di un’immagine e quindi un dettaglio più fine – ha anche contribuito a sviluppare il genere. L’apogeo dell’arte della natura morta fu raggiunto nella pittura olandese del XVII secolo, in uno stile noto come “realismo olandese”, che è considerato la manifestazione più realistica del genere. Ha anche fornito un mezzo per l’espressione religiosa, poiché sono stati introdotti messaggi morali simbolici, che hanno ulteriormente ampliato il suo fascino. Una forma particolare di natura morta simbolica (chiamata vanitas) comprendeva arrangiamenti di oggetti simbolici progettati per ricordare allo spettatore la pietosa caducità della vita sulla terra. La natura morta in generale e i pezzi di vanitas in particolare, attrassero fortemente la classe media olandese puritana, e il loro crescente mecenatismo portò a un’impennata a Stilleven che poi si diffuse in Spagna e Francia.

Altri esempi di still- la vita di artisti olandesi includono: The Vanities of Human Life (1645) di Harmen Steenwyck; A Vanitas Still Life (1645) di Pieter Claesz; Breakfast of Crab (1648, Hermitage, San Pietroburgo) di Willem Claesz Heda; Natura morta con aragosta, corno e bicchieri (1653 circa) di Willem Kalf; The Slippers (1654) di Samuel Hoogstraten; The Still Life of Fruit (c.1670) di Jan Davidsz de Heem; Fiori e insetti (1711) di Rachel Ruysch.

Natura morta dopo il 1600 in Italia, Spagna, Francia

La natura morta rimase impopolare presso la maggior parte degli artisti italiani e raramente appariva nelle belle arti italiane pittura, indipendentemente dal soggetto, ad eccezione del Canestro di Frutta del Caravaggio; anche se c’erano delle eccezioni. Tra questi i pezzi di Frutta, Fiore e Pesce della Scuola di pittura napoletana e del Barocco napoletano del XVII e XVIII secolo (es. Di Recco e Ruoppolo) e gli Strumenti Musicali dipinti da Baschenis.

In Spagna , il genere era più popolare e pittori come Francisco de Zurbaran e Juan Sanchez Cotan hanno investito la natura morta più semplice con il dramma. Esempi di opere spagnole includevano: Natura morta con limoni, arancia e rosa (1633) di Zurbaran e Natura morta con selvaggina (1602 circa) di Juan Sanchez Cotan. Altri artisti di Stilleven includevano Sanchez e Melendez. L’elemento drammatico spagnolo culminò un secolo dopo nelle nature morte Calf “s Head and Plucked Turkey di Francisco Goya.

In Francia, forse a causa dell’influenza conservatrice dell’Academie des Beaux-Arts parigina, ancora -La pittura naturale ha richiesto più tempo per svilupparsi rispetto ai suoi vicini del nord. Fu solo nel XVII e XVIII secolo quando gli aristocratici francesi iniziarono a commissionare opulenti e trompe l “oeil soggetti di nature morte che esempi virtuosistici del genere apparvero nei dipinti di Moillon, Stoskopff, Oudry e soprattutto Jean-Simeon Chardin, sebbene ha evitato “objets de luxe” a favore di utensili da cucina e semplici disposizioni di cibi e bevande. Gli squisiti dipinti su piccola scala di Chardin – ad es. Natura morta con bottiglia di olive (1760) e Coniglio, tordo, paglia (1755) – sono così “reali” che vuoi toccarli. Il ricco realista romantico francese Theodore Gericault ha anche prodotto diverse opere insolite di questo genere, come Anatomical Pieces (1818).