Pablo Picasso, Les Demoiselles d ‘Avignon, 1907, olio su tela, 243,9 x 233,7 cm (The Museum of Modern Art, New York)

Il fantasma di Cézanne, il Bonheur de Vivre di Matisse e l’ego di Picasso

Uno dei le tele più importanti del ventesimo secolo, il grande dipinto di Picasso Les Demoiselles d’Avignon è stato costruito in risposta a diverse fonti significative.

Pablo Picasso, Les Demoiselles d’Avignon, 1907, olio su tela, 8 ′ x 7 ′ 8 ″ (243,9 x 233,7 cm) (Museum of Modern Art, New York)

Il primo tra questi fu il confronto con il grande risultato di Cézanne alla retrospettiva postuma allestita a Parigi un anno dopo la morte dell’artista nel 1907.

Paul Cézanne, The Large Bathers, 1906, olio su tela, 82 7⁄8 × 98 3⁄4 ″ (Philadelphia Museum of Art)

La mostra retrospettiva ha costretto il giovane Picasso, Matisse e molti altri artisti a confrontarsi con le implicazioni del lavoro di Cézanne arte. Il Bonheur de Vivre di Matisse del 1906 fu uno dei primi di molti tentativi in tal senso, e l’opera appena completata fu rapidamente acquistata da Leo & Gertrude Stein e appesa nel loro soggiorno in modo che tutta la loro cerchia di scrittori e artisti d’avanguardia poteva vederlo e lodarlo. E lode che hanno fatto. Ecco la promessa di Cézanne adempiuta – e quella che includeva le lezioni apprese da Seurat e van Gogh, nientemeno! Questo era semplicemente troppo per il giovane spagnolo.

Henri Matisse, Bonheur de Vivre, 1906, olio su tela, 175 x 241 cm (The Barnes Foundation, Philadelphia)

Pablo diventa Picasso

A detta di tutti, la natura intensamente competitiva di Picasso lo ha letteralmente costretto a il suo grande rivale. Les Demoiselles D’Avignon è il risultato di questo sforzo. Confrontiamo le tele. Il paesaggio di Matisse è un ampio campo aperto con una profonda prospettiva recessiva. Le cifre sono poco affollate. Descrivono arabeschi fluenti che a loro volta si riferiscono alle forme della natura che li circondano. Ecco una languida sensualità ambientata nel mitico passato dell’età dell’oro della Grecia.

In netto contrasto, Picasso, intento a creare un nome per se stesso (un po ‘come il giovane Manet e David), ha compresso radicalmente lo spazio della sua tela e ha sostituito l’erotismo sensuale con una sorta di pornografia aggressivamente cruda. (Notare, ad esempio, la figura accovacciata in basso a destra.) Il suo spazio è interno, chiuso e quasi claustrofobico. Come il successivo Blue Nude di Matisse (a sua volta una risposta a Les Demoiselles d’Avignon), le donne riempiono l’intero spazio e sembrano intrappolate al suo interno. Non più ambientata in un passato classico, l’immagine di Picasso è chiaramente del nostro tempo. Ecco cinque prostitute di un vero bordello, situato in una strada chiamata Avignone nel quartiere a luci rosse di Barcellona, la capitale della Catalogna nel nord della Spagna, una strada, a proposito, frequentata da Picasso.

Picasso ha anche rinunciato ai pigmenti chiari e luminosi di Matisse. L’artista sceglie invece toni più profondi che si adattano alla luce degli interni urbani. È finita anche la sensualità che Matisse ha creato. Picasso ha sostituito le curve aggraziate di Bonheur de Vivre con forme affilate, frastagliate, quasi in frantumi. I corpi delle donne di Picasso sembrano pericolosi come se fossero formati da schegge di vetro rotto. Il piacere di Matisse diventa l’apprensione di Picasso. Ma mentre Picasso mira chiaramente a “superare” Matisse, a diventare l’artista più radicale di Parigi, riconosce anche i suoi debiti. Confronta la donna in piedi al centro della composizione di Picasso con la donna che sta con i gomiti sollevati all’estremo a sinistra della tela di Matisse: come uno studioso che cita una citazione presa in prestito, le note di Picasso.

L’aspirapolvere creativo

Picasso attinge a molte altre fonti per costruire Les Demoiselles D’Avignon. In effetti, un certo numero di artisti smise di invitarlo nel loro studio perché avrebbe incorporato così liberamente e con successo le loro idee nel suo lavoro, spesso con più successo dell’artista originale. In effetti, Picasso è stato paragonato a un “aspirapolvere creativo”, che succhia su ogni nuova idea che ha incontrato. Sebbene questa analogia possa essere un po ‘grossolana, è giusto dire che aveva un enorme appetito creativo. Una delle numerose fonti storiche che Picasso ha saccheggiato è l’arte arcaica, dimostrata molto chiaramente dalla figura più a sinistra del dipinto, che sta rigidamente su gambe che sembrano goffamente bloccate al ginocchio. Il suo braccio destro si protende verso il basso mentre il suo braccio sinistro sembra slogato (questo braccio è in realtà un vestigio di una figura maschile che Picasso alla fine rimosse). La sua testa è mostrata di profilo perfetto con grandi occhi a mandorla e un viso piatto e astratto.Sembra quasi egiziana. In effetti, Picasso ha recentemente visto una mostra di scultura iberica arcaica (un antico stile pre-classico) (dall’Iberia – la massa terrestre che compone la Spagna e il Portogallo) al Louvre. Invece di tornare ai miti sensuali dell’antica Grecia, Picasso attinge alla realtà e lo fa direttamente. A proposito, Picasso ha acquistato, dalla segretaria di Apollinaire, due teste iberiche arcaiche che aveva rubato al Louvre! Alcuni hanno suggerito che siano state scattate su richiesta di Picasso. Anni dopo Picasso le restituì anonimamente.

Spontaneità, coreografata con cura

Poiché la tela è trattata in modo approssimativo, spesso si pensa che sia una creazione spontanea, concepita direttamente. Questo non è il caso. È stato preceduto da quasi cento schizzi. Questi studi descrivono diverse configurazioni. In alcune ci sono due uomini oltre alle donne. Uno è un marinaio. Siede in divisa al centro della composizione davanti a un tavolino carico di frutta, simbolo tradizionale della sessualità. Un altro uomo è entrato originariamente da sinistra. Indossava un abito marrone e portava un libro di testo, doveva essere uno studente di medicina.

Lo sguardo dell’artista (maschio)

Ognuna di queste figure maschili doveva simboleggiare un aspetto di Picasso. O, più esattamente, come Picasso vedeva queste donne. Il marinaio è facile da capire. Il finto marinaio è in mare da mesi, è un ovvio riferimento al puro desiderio sessuale. Lo studente di medicina è più astuto. Non è lì per prendersi cura della salute delle donne, ma le vede con occhi diversi. Mentre il marinaio rappresenta la pura lussuria, lo studente vede le donne da una prospettiva più analitica. Capisce come sono costruiti i loro corpi, ecc. Potrebbe essere che Picasso stesse esprimendo il modo in cui vedeva queste donne? Come oggetti del desiderio sì, ma anche con una conoscenza dell’anatomia probabilmente superiore a quella di molti medici. L’importante è che Picasso decida di rimuovere gli uomini. Perché? Bene, per iniziare, potremmo immaginare dove le donne hanno concentrato la loro attenzione nella composizione originale. Se gli uomini sono presenti, le prostitute si occupano di loro. Rimuovendo questi uomini, l’immagine non è più autosufficiente. Le donne ora guardano verso l’esterno, oltre i confini del piano pittorico che normalmente proteggono l’anonimato dello spettatore. Se le donne ci scrutano, come nell’Olimpia di Manet del 1863, noi, come spettatori, siamo diventati i clienti. Ma questo è il ventesimo secolo, non il diciannovesimo e Picasso sta tentando una volgare immediatezza che farebbe rabbrividire persino Manet.

La percezione dello spazio di Picasso

Finora, abbiamo esaminato la metà figura che si riferisce alla tela di Matisse; le due figure mascherate a destra che si riferiscono, con la loro aggressività, alla paura della malattia di Picasso; e abbiamo collegato la figura più a sinistra alla scultura iberica arcaica e al tentativo di Picasso di suscitare una sorta di rozza primitiva immediatezza. Ciò lascia solo una donna scomparsa. Questa è la donna con il gomito destro alzato e la mano sinistra su un lenzuolo tirato sulla coscia sinistra. Il tavolo con la frutta che originariamente era stato posto all’inguine del marinaio non è più rotondo, si è allungato, affilato ed è stato abbassato fino al bordo della tela. Questa tabella / fallo indica quest’ultima donna. Il significato di Picasso è chiaro, la natura morta di frutta su un tavolo, questo antico simbolo di sessualità, è il pene eretto dello spettatore e indica la donna che abbiamo scelto. Picasso non era femminista. Nella sua visione, lo spettatore è un uomo.

Sebbene esplicito, questa immagine indica solo la questione chiave. La donna che è stata scelta è trattata distintamente in termini di relazione con lo spazio circostante. Sì, di più sullo spazio. In tutta la tela, le donne e il drappeggio (fatto di tende e lenzuola) sono fratturati e scheggiati. Ecco la risposta di Picasso a Cézanne e Matisse. Le donne non sono né prima né dietro. Come nel Red Studio di Matisse, che sarà dipinto quattro anni dopo, Picasso ha iniziato a cercare di dissolvere la relazione figura / sfondo. Ora guarda la donna che Picasso ci dice che abbiamo scelto. Le sue gambe sono incrociate e la sua mano è appoggiata dietro la testa, ma sebbene sembri stare tra le altre, la sua posizione è in realtà quella di una figura che giace sulla schiena. Il problema è che vediamo il suo corpo perpendicolare alla nostra linea di vista. Come Matisse e Cézanne prima di lui, Picasso qui rende due momenti nel tempo: come avrai capito, guardiamo prima la fila di donne, e poi guardiamo dall’alto in basso la prostituta di nostra scelta / Picasso.

Maschere africane, donne colonizzate

Le due figure a destra sono le più astratte in modo aggressivo con volti resi come se indossassero maschere africane. Nel 1907, quando fu prodotto questo dipinto, Picasso aveva iniziato a collezionare opere del genere. Anche le striature che rappresentano la scarificazione sono evidenti.Matisse e Derain avevano un interesse di vecchia data per quest’arte, ma Picasso ha detto che è stato solo dopo essere entrato nel Palais du Trocadero, il museo etnografico di Parigi, che ha capito il valore di tale arte. Ricorda, la Francia era una grande potenza coloniale in Africa nel diciannovesimo e ventesimo secolo. Gran parte dell’arte africana è stata strappata dal suo contesto geografico e artistico originale e venduta a Parigi. Sebbene Picasso alla fine sarebbe diventato più sofisticato per quanto riguarda gli usi e il significato originali dell’arte non occidentale che raccoglieva, nel 1907 il suo interesse si basava in gran parte su quelle che percepiva come le sue qualità aliene e aggressive.

William Rubin , un tempo curatore senior del dipartimento di pittura e scultura del Museum of Modern Art e uno dei principali studiosi di Picasso, ha scritto ampiamente su questo dipinto. Ha suggerito che mentre il dipinto parla chiaramente del desiderio (lo stesso di Picasso), è anche un’espressione della sua paura. Abbiamo già stabilito che Picasso frequentava i bordelli in questo momento, quindi il suo desiderio non è in discussione, ma Rubin sostiene che questa è solo metà della storia. Les Demoiselles D’Avignon parla anche della paura intensa di Picasso … la sua paura di queste donne o più al punto, la malattia che temeva gli avrebbero trasmesso. Nell’era prima degli antibiotici, contrarre la sifilide era una paura ben fondata. Ovviamente, la difficile situazione delle donne sembra non entrare nella storia di Picasso.