Concert in the Egg, Hieronymus Bosch, c. 1561

소개

르네상스 음악은 르네상스 시대에 유럽에서 작곡 된 음악입니다. 주목할만한 반대 의견을 가진 음악 사학자들의 합의는 중세 시대가 끝나는 1400 년경에 시작되고 바로크 시대가 시작되는 1600 년경에 종결되어 뮤지컬 르네상스가 약 100 년 동안 시작되는 것입니다. 다른 분야에서 이해되는 르네상스가 시작된 후. 다른 예술에서와 마찬가지로 그 시대의 음악은 근대 초기를 정의하는 발전에 크게 영향을 받았다. 인본주의 적 사고의 부상; 고대 그리스와 로마의 문학적 및 예술적 유산의 회복; 혁신 및 발견 증가; 상업 기업의 성장; 부르주아 계급의 부상; 그리고 개신교 개혁. 이러한 변화하는 사회로부터 공통적이고 통일 된 음악 언어, 특히 프랑코-플랑 드족 학교의 폴리 포닉 스타일이 등장했습니다.

구텐베르크 출판사의 발명으로 음악과 음악 이론의 광범위한 배포가 가능해졌습니다. 부르주아 계급의 출현과 함께 오락 및 교육받은 아마추어를위한 활동으로서의 음악에 대한 수요가 증가했습니다. 유럽 전역에 샹송, 모테트 및 대중의 보급은 16 세기 후반 Palestrina, Lassus, Victoria 및 William Byrd와 같은 작곡가의 작업에서 절정에 달한 다성 법 연습을 유체 스타일로 통합하는 것과 일치했습니다. 저지대 국가의 상대적인 정치적 안정과 번영은이 지역의 많은 교회와 성당에서 번성하는 음악 교육 시스템과 함께 수백 명의 가수와 작곡가의 훈련을 허용했습니다. 이 음악가들은 유럽 전역, 특히 교회와 귀족 법원에서 작곡가와 교사로 고용 한 이탈리아에서 높은 인기를 얻었습니다. 16 세기 말 이탈리아는 베니스, 로마 및 기타 도시가 음악 활동의 중심지가되면서 북부의 영향을 흡수하여 100 년 전의 상황을 뒤집 었습니다. 오페라는이시기에 피렌체에서 고대 그리스의 음악을 되살리려는 고의적 인 시도로 탄생했습니다.

음역, 리듬, 조화, 형식 및 표기법에있어 중세의 제약으로부터 점점 더 해방 된 음악은 새로운 개인적인 표현. 작곡가들은 자신이 설정 한 텍스트를 표현하는 음악을 만드는 방법을 찾았습니다. 세속 음악은 신성한 음악의 기술을 흡수했으며 그 반대도 마찬가지입니다. chanson 및 madrigal과 같은 인기있는 세속적 인 형태는 유럽 전역에 퍼졌습니다. 법원은 가수와 악기 연주가 모두 거장 공연자를 고용했습니다. 음악은 또한 그 자체를 위해 존재하는 인쇄물 형태의 가용성으로 더욱 자급 자족 해졌습니다. 많은 친숙한 현대 악기 (바이올린, 기타, 류트 및 키보드 악기 포함)는 음악 아이디어의 진화에 대응하여 르네상스 시대에 새로운 형태로 발전하여 작곡가와 음악가가 탐구 할 수있는 더 많은 가능성을 제시했습니다. 바순과 트롬본과 같은 현대 목관 악기와 금관 악기도 등장했습니다. 음파 색상과 파워의 범위를 확장합니다. 15 세기 동안 완전한 삼합 음의 소리가 보편화되었고 16 세기 말에는 교회 모드 시스템이 완전히 무너지기 시작하여 향후 3 세기 동안 서양 미술 음악을 지배 할 기능적 음색을 제공했습니다. .

Chansonnier by Heinrich Isaac, 1484

From 르네상스 시대에는 세속적이고 성스러운 음악이 양적으로, 보컬과 기악 모두에서 살아 남았습니다. 르네상스 시대에 매우 다양한 음악 스타일과 장르가 번성했으며 대중, 모테트, 마드리갈, 샹송, 동행 노래, 기악 등을 포함한 21 세기 상업 녹음에서들을 수 있습니다. 그 시대의 음악을 전문으로하는 수많은 초기 음악 앙상블이 콘서트 투어를 제공하고 다양한 해석 스타일을 사용하여 녹음을합니다.

초기 르네상스 유럽 예술 음악의 가장 두드러진 특징 중 하나는 세 번째 간격 (중세 시대에는 세 번째가 불협화음으로 간주되었습니다). Polyphony는 매우 독립적 인 목소리로 14 세기에 걸쳐 점점 더 정교 해졌습니다. 15 세기 초에는 목소리가 부드러움을 위해 자주 노력하면서 단순화를 보여주었습니다. 이것은 음악의 보컬 범위가 크게 증가했기 때문에 가능했습니다. 중세 시대에는 좁은 범위로 인해 파트를 자주 교차해야했기 때문에 더 큰 대비가 필요했습니다.

모달 (음색과 반대) ) 르네상스 음악의 특성은 5 분의 1 근음 사용이 증가함에 따라 기간이 끝날 무렵 무너지기 시작했습니다.이것은 나중에 음조의 정의 특성 중 하나로 발전했습니다.

르네상스 음악의 주요 특징은 다음과 같습니다.

• 모드 기반 음악
• 4 개 이상의 부분으로 더 풍부한 질감
• 음악적 질감에서 대조적 인 가닥이 아닌 혼합
• 코드의 흐름과 진행에 더 큰 관심을 가진 하모니

다 성음은 음악적으로 중세부터 르네상스를 상징하는 주목할만한 변화 중 하나입니다. 그것의 사용은 더 큰 앙상블의 사용을 장려하고 전체 보컬 범위에 걸쳐 함께 섞일 악기 세트를 요구했습니다.

전체 르네상스 기간 동안 견뎌낸 주요 전례 형식은 대중과 모테트였으며 다른 개발은 특히 신성한 음악의 작곡가가 자신의 디자인을 위해 세속적 형식 (예 : madrigal)을 채택하기 시작하면서 끝났습니다.

일반적인 신성한 장르는 대중, 모테트, madrigale spirite 및 laude였습니다.

Hans Mielich가 그린 Cyprien de Rore의 모 테츠

이 기간 동안 세속 음악은 다양한 형태로 배포가 증가했지만 다양성이 폭발적으로 증가 할 것이라는 가정에주의해야합니다. 인쇄가 음악을 더 널리 사용할 수있게했기 때문에이 시대부터 이전보다 훨씬 더 많이 살아 남았습니다. 중세 시대, 아마도 중세 후기 대중 음악의 풍부한 상점은 ly lost.

세속 음악은 교회와 무관 한 음악이었습니다. 주요 유형은 German Lied, Italian frottola, French chanson, Italian madrigal 및 Spanish villancico였습니다. 다른 세속적 보컬 장르로는 caccia, rondeau, virelai, bergerette, ballade, musique mesurée, canzonetta, villanella, villotta 및 lute 노래가 있습니다. motet-chanson 및 secular motet과 같은 혼합 형식도 등장했습니다.

순수한 악기 음악에는 녹음기 또는 비올 및 기타 악기의 컨 소트 음악과 다양한 앙상블의 춤이 포함되었습니다. 일반적인 악기 장르는 toccata, prelude, ricercar 및 canzona였습니다. 기악 앙상블이 연주하는 춤에는베이스 단스, 투르 디온, 살타 렐로, 파 베네, 갈 리아드, 알레 망드, 쿠란 테, 브랜 슬, 카나리, 라 볼타가 포함됩니다. 류트, 비후 엘라, 하프 또는 키보드와 같은 솔로 악기를 위해 다양한 장르의 음악을 편곡 할 수 있습니다. 이러한 편곡을 표집이라고 불렀습니다.

시대 말 무렵에는 모노디, 마드리갈 코미디, 인터 메디 오와 같은 오페라의 초기 극적인 선구자가 보입니다.

이론과 표기법

Margaret Bent에 따르면, “르네상스 표기법은 우리의 표준에 따라 규범이 부족합니다. 현대 형식으로 번역하면 원래 개방성을 과도하게 지정하고 왜곡하는 규범 적 가중치를 얻습니다.”

Ockeghem, Kyrie “Au travail suis”발췌

이러한 서로 다른 순열은 breve-semibreve 관계 수준에서 “완벽 / 불완전한 tempus”, semibreve-minim 수준에서 “완벽 / 불완전 prolation”이라고 불 렸으며, 서로 가능한 모든 조합으로 존재했습니다. 3 대 1은 “완벽”, 2 대 1은 “불완전”이라고 불렀습니다. 하나의 음표가 다른 특정 음표의 앞이나 뒤에 올 때 하나의 음표 값이 절반 또는 두 배 (각각 “불완전”또는 “변경”) 될 수있는 규칙도 존재했습니다. 검은 색 메모가있는 메모 (예 : 4 분 음표)는 덜 자주 발생했습니다. 이러한 백인 월경 표기법의 발전은 종이 사용이 증가한 결과 일 수 있습니다 (모피 지보다는). 약한 종이는 단단한 노트 헤드를 채우는 데 필요한 스크래치를 견딜 수 없었기 때문입니다. 양피지에 쓰여진 이전의 표기법은 검은 색이었습니다. 다른 색상과 나중에 채워진 음표는 주로 앞서 언급 한 결함이나 변경 사항을 적용하고 기타 일시적인 리드미컬 한 변경을 요구하기 위해 일상적으로 사용되었습니다.

실수는 항상 지정되지 않았습니다. 오늘은 특정 운지법 (tablatures).그러나 르네상스 시대의 음악가들은 이원 적 대위법에 대해 고도로 훈련을 받았기 때문에이 정보와 악보를 읽는 데 필요한 기타 정보를 가지고 있었을 것입니다. “대위법에 정통한 가수에게는 표기법 없이는 현대 표기법에 필요한 것이 완벽하게 분명했을 것입니다.” 가수는 다른 부분을 염두에두고 케이 덴셜 공식을 구상하여 자신의 부분을 해석하고, 함께 노래 할 때 뮤지션은 평행 옥타브와 5도를 피하거나 다른 뮤지션의 결정에 따라 케이 덴셜 부분을 변경합니다.

It 다양한 뽑아 낸 악기에 대한 현대 태 블러 처를 통해 원래 실무자들이 우연히 연주 한 것에 대한 많은 정보를 얻었습니다.

특정 이론가에 대한 정보는 Johannes Tinctoris, Franchinus Gaffurius, Heinrich Glarean, Pietro Aron, Nicola Vicentino, Tomás de Santa María, Gioseffo Zarlino, Vicente Lusitano, Vincenzo Galilei, Giovanni Artusi, Johannes Nucius, Pietro Cerone.