Pablo Picasso, Les Demoiselles d ‘Avignon, 1907, 캔버스에 유채, 243.9 x 233.7 cm (뉴욕 현대 미술관)

세잔의 유령, 마티스의 보 뇌르 드 비브르, 피카소의 자아

20 세기의 가장 중요한 캔버스 인 피카소의 획기적인 그림 인 Les Demoiselles d’ Avignon은 몇 가지 중요한 출처의 반응으로 제작되었습니다.

Pablo Picasso, Les Demoiselles d’ Avignon, 1907, 캔버스에 유채, 8 ′ x 7 ′ 8 ″ (243.9 x 233.7 cm) (뉴욕 현대 미술관)

첫 번째는 1907 년 아티스트가 사망 한 지 1 년 만에 파리에서 열린 사후 회고전에서 세잔의 위대한 업적과의 대결이었습니다.

Paul Cézanne, The Large Bathers, 1906, oil on 캔버스, 82 7⁄8 × 98 3⁄4 ″ (필라델피아 미술관)

회고전은 젊은 피카소, 마티스를 비롯한 많은 다른 예술가들로 하여금 세잔의 의미에 대해 논쟁하도록 강요했습니다. 미술. 1906 년 Matisse의 Bonheur de Vivre는 많은 시도 중 첫 번째 시도 중 하나였으며 새로 완성 된 작품은 Leo & Gertrude Stein이 신속하게 구입하여 거실에 걸어 두었습니다. 아방가르드 작가들과 예술가들은 모두 그것을보고 칭찬 할 수있었습니다. 그리고 그들이 한 것을 칭찬하십시오. 여기에 세잔의 약속이 성취되었으며, 그 약속은 Seurat와 van Gogh에게서 배운 교훈을 통합 한 것입니다. 젊은 스페인 사람에게는 너무 많은 일이었습니다.

Henri Matisse, Bonheur de Vivre, 1906, 캔버스에 유채, 175 x 241 cm (필라델피아 반스 재단)

파블로가 피카소가 됨

모든 설명에 따르면 피카소의 치열한 경쟁적 성격은 말 그대로 그를 외면하게 만들었습니다. 그의 위대한 라이벌. Les Demoiselles D’ Avignon은 이러한 노력의 결과입니다. 캔버스를 비교해 봅시다. Matisse의 풍경은 깊은 불황의 풍경을 가진 넓은 열린 들판입니다. 수치는 붐비지 않습니다. 그들은 차례로 그들을 둘러싼 자연의 형태와 관련된 흐르는 아라베스크를 묘사합니다. 그리스 황금기의 신화 적 과거를 배경으로 한 나른한 관능미입니다.

매우 뚜렷한 대조를 이루는 피카소는 자신의 이름 (젊은 Manet과 David처럼)은 그의 캔버스 공간을 근본적으로 압축하고 관능적 인 에로티시즘을 일종의 공격적이고 조잡한 포르노로 대체했습니다. (예를 들어, 오른쪽 아래의 쪼그리고 앉는 그림을 참고하십시오.) 그의 공간은 내부에 있고 폐쇄되어 있으며 거의 밀실 공포증이 있습니다. Matisse의 후기 Blue Nude (그 자체가 Les Demoiselles d’ Avignon에 대한 반응)처럼 여성들은 전체 공간을 채우고 그 안에 갇혀있는 것처럼 보입니다. 더 이상 고전적인 과거를 배경으로하지 않는 Picasso의 이미지는 분명히 우리 시대의 모습입니다. 스페인 북부 카탈로니아의 수도 바르셀로나의 홍등가에있는 아비뇽이라는 거리에 위치한 실제 매춘 업소에서 온 매춘부 5 명은 피카소가 자주 방문했던 거리입니다.

Picasso는 또한 Matisse의 투명하고 밝은 안료를 사용하지 않았습니다. 대신 작가는 도시 내부 조명에 어울리는 더 깊은 색조를 선택합니다. 마티스가 만든 관능도 사라졌습니다. Picasso는 Bonheur de Vivre의 우아한 곡선을 날카 롭고 들쭉날쭉하고 거의 부서진 형태로 대체했습니다. 피카소 여성의 시신은 마치 깨진 유리 조각으로 이루어진 것처럼 위험 해 보입니다. 마티스의 즐거움은 피카소의 염려가됩니다. 그러나 피카소는 분명히 파리에서 가장 급진적 인 예술가로 자리 잡기 위해 마티스를 “아웃 할”하려는 것을 목표로하고 있지만, 그는 또한 그의 빚도 인정합니다. 피카소의 작곡의 중심에 서있는 여성과 극도로 팔꿈치를 들고 서있는 여성을 비교하십시오. Matisse의 캔버스 왼쪽 : 빌린 인용문을 인용하는 학자처럼 Picasso 각주.

창의적인 진공 청소기

Picasso는 Les Demoiselles D’ Avignon을 만들기 위해 다른 많은 출처를 사용합니다. 사실, 많은 아티스트가 자신의 아이디어를 자신의 작업에 자유롭고 성공적으로 통합하기 때문에 스튜디오에 초대하는 것을 중단했습니다. 종종 원래 아티스트보다 더 성공적으로 피카소는 “창의적인 진공 청소기”에 비유되어 빨기 그가 발견 한 모든 새로운 아이디어를 그 비유는 다소 거칠지 만, 그가 엄청난 창의적 욕구를 가지고 있었다고 말하는 것은 정당합니다. 피카소가 약탈 한 여러 역사적 출처 중 하나는 고풍 예술로, 그림의 맨 왼쪽 인물이 무릎에 어색하게 고정되어있는 것처럼 보이는 다리에 뻣뻣하게 서있는 모습을 통해 매우 명확하게 보여줍니다. 왼쪽 팔이 탈구 된 것처럼 보이는 동안 오른쪽 팔이 아래로 튀어 나온다 (이 팔은 실제로 피카소가 결국 제거한 남성 인물의 흔적입니다). 그녀의 머리는 큰 아몬드 모양의 눈과 평평한 추상적 인 얼굴로 완벽한 프로필로 표시됩니다.그녀는 거의 이집트인처럼 보입니다. 사실, 피카소는 최근 루브르 박물관에서 고풍 (고전 이전의 고대 스타일) 이베리아 (이베리아-스페인과 포르투갈을 구성하는 땅 덩어리) 조각 전시회를 보았습니다. 고대 그리스의 관능적 인 신화로 돌아가는 대신 피카소는 실물을 직접 그려 내고 있습니다. 그건 그렇고, 피카소는 아폴리네르의 비서로부터 루브르 박물관에서 훔친 고대 이베리아 머리 두 개를 구입했습니다! 일부는 피카소의 요청에 따라 잡혔다고 제안했습니다. 몇 년 후 피카소는 익명으로 그것들을 반환했습니다.

자발성, 신중하게 안무

캔버스는 대략적으로 다루기 때문에 종종 직접 고안된 자발적인 창조물로 간주됩니다. 그렇지 않다. 그 앞에 거의 100 개의 스케치가있었습니다. 이 연구는 다양한 구성을 설명합니다. 일부에서는 여성 외에 두 명의 남성이 있습니다. 하나는 선원입니다. 그는 전통적 성욕의 상징 인 과일이 가득한 작은 테이블 앞에서 구도의 중앙에 유니폼을 입고 앉아있다. 다른 남자는 원래 왼쪽에서 들어 왔습니다. 그는 갈색 정장을 입고 교과서를 가지고 다니며 의대생이었습니다.

(남성) 예술가의 시선

이 남성 인물들은 각각 한면을 상징하기위한 것입니다. 피카소 또는 더 정확하게는 피카소가이 여성들을 어떻게 보았는지. 선원은 알아 내기 쉽습니다. 가상의 선원은 몇 달 동안 바다에 있었으며 순수한 성적 욕망에 대한 명백한 언급입니다. 의대생은 더 까다 롭습니다. 그는 여성의 건강을 돌보기 위해 그곳에있는 것이 아니라 다른 눈으로 그들을 본다. 선원은 순수한 정욕을 나타내지 만 학생은 여성을보다 분석적인 관점에서 봅니다. 그는 그들의 몸이 어떻게 구성되는지 등을 이해합니다. 피카소가이 여성들을 보는 방식을 표현한 것이 아닐까요? 욕망의 대상으로 그렇습니다.하지만 해부학에 대한 지식이 많은 의사보다 우월 할 것입니다. 중요한 것은 피카소가 남자들을 제거하기로 결정했다는 것입니다. 왜? 글쎄요, 시작하기 위해, 우리는 여성들이 원래 작곡에서 어디에 집중했는지 상상할 수 있습니다. 남자가 있으면 매춘부들이 참석합니다. 이 사람들을 제거함으로써 이미지는 더 이상 자립하지 않습니다. 이제 여성들은 일반적으로 시청자의 익명 성을 보호하는 그림의 경계를 넘어 바깥 쪽을 바라 봅니다. 1863 년 마네의 올림피아처럼 여성들이 우리를 쳐다 보면 우리는 시청자로서 고객이되었습니다. 그러나 이것은 19 세기가 아니라 20 세기이고 피카소는 마네 마저도 움츠러 들게 만들 저속한 직접성을 시도하고 있습니다.

공간에 대한 피카소의 인식

지금까지 우리는 중간을 조사했습니다. Matisse의 캔버스와 관련된 그림; 피카소의 질병에 대한 두려움을 공격적으로 언급 한 오른쪽에있는 두 명의 가면을 쓴 인물; 그리고 우리는 가장 왼쪽의 인물을 고대 이베리아 조각품과 일종의 조잡한 원시적 직접성을 이끌어 내려는 피카소의 시도와 연결했습니다. 그것은 오직 한 명의 여성만을 남겨 둡니다. 이것은 그녀의 오른쪽 팔꿈치를 들어 올리고 왼쪽 허벅지를 가로 지르는 시트에 왼손을 가진 여자입니다. 원래 선원의 사타구니에 놓인 과일이 담긴 테이블은 더 이상 둥글 지 않고 길어지고 날카 로워졌으며 캔버스 가장자리까지 내려졌습니다. 이 테이블 / 팔루스는이 마지막 여성을 가리 킵니다. 피카소의 의미는 분명합니다. 테이블 위 과일의 정물,이 고대 성의 상징은 시청자의 직립 성기이며 우리가 선택한 여성을 가리 킵니다. 피카소는 페미니스트가 아니었다. 그의 비전에서 보는 사람은 남성입니다.

노골적이지만이 이미지는 핵심 문제 만 지적합니다. 선정 된 여성은 주변 공간과의 관계에서 뚜렷하게 취급됩니다. 예, 공간에 대해 자세히 알아보세요. 캔버스 전체에 걸쳐 여성과 커튼 (커튼과 시트로 만들어진)이 골절되고 쪼개졌습니다. 다음은 Cezanne과 Matisse에 대한 Picasso의 반응입니다. 여자들은 앞도 아니고 뒤도 아니다. 4 년 후 채색 될 마티스의 레드 스튜디오 에서처럼 피카소는 인물 / 지상 관계를 해소하기 시작했다. 이제 피카소가 우리가 선택했다고 말하는 여자를보세요. 다리를 꼬고 손이 머리 뒤로 얹혀 있지만, 다른 사람 사이에 서있는 것 같지만, 그녀의 위치는 실제로는 등을 대고있는 모습입니다. 문제는 그녀의 몸이 우리의 시선에 수직으로 보인다는 것입니다. 마티스와 세잔처럼 여기에서 피카소는 두 순간을 렌더링합니다. 아시다시피 우리는 먼저 여성 행을 살펴본 다음 우리 / 피카소가 선택한 매춘부를 내려다 봅니다.

아프리카 가면, 식민지 여성

오른쪽의 두 인물은 아프리카 가면을 쓴 것처럼 표현 된 얼굴로 가장 공격적으로 추상화되어 있습니다. 이 그림이 제작 된 1907 년에 피카소는 그러한 작품을 수집하기 시작했습니다. 끔찍함을 나타내는 줄무늬조차도 분명합니다.Matisse와 Derain은 그러한 예술에 더 오랫동안 관심을 가지고 있었지만 Picasso는 파리의 민족지 박물관 인 Palais du Trocadero를 방황 한 후에야 그러한 예술의 가치를 이해했다고 말했다. 프랑스는 19 세기와 20 세기에 아프리카의 주요 식민지 세력이었습니다. 많은 아프리카 예술이 원래의 지리적 및 예술적 맥락에서 찢겨져 파리에서 판매되었습니다. 피카소는 결국 그가 수집 한 비 서구 예술의 원래 용도와 의미에 대해 더 정교해질 것이지만, 1907 년 그의 관심은 주로 그가 이질적이고 공격적인 특성으로 인식 한 것에 기반을두고 있습니다.

William Rubin 한때 The Museum of Modern Art의 회화 및 조각 부서의 선임 큐레이터이자 피카소의 선도적 인 학자였던 그는이 그림에 대해 광범위하게 글을 썼습니다. 그는 그림이 분명히 욕망 (피카소 자신의 것)에 관한 것이지만, 그것은 그의 두려움을 표현한 것이라고 제안했다. 우리는 이미 피카소가 매춘 업소를 자주 방문 했으므로 그의 욕구는 의심의 여지가 없지만 루빈은 이것이 이야기의 절반에 불과하다고 주장합니다. Les Demoiselles D’ Avignon은 피카소의 강렬한 두려움에 대한 이야기이기도합니다. 피카소는이 여성들에 대한 두려움, 또는 그들이 그에게 전염 될까봐 두려워했던 질병에 대한 두려움도 있습니다. 항생제가 투여되기 전 시대에 매독에 걸린다는 것은 잘 알려진 두려움이었습니다. 물론 여성들의 곤경은 피카소의 이야기에 들어오지 않는 것 같습니다.