Konzert im Ei, Hieronymus Bosch, c. 1561

Einführung

Renaissance-Musik ist Musik, die während der Renaissance in Europa geschrieben wurde. Die Musikhistoriker waren sich einig – mit bemerkenswerter Ablehnung -, die Ära um 1400 mit dem Ende des Mittelalters zu beginnen und um 1600 mit dem Beginn der Barockzeit zu schließen, wodurch die musikalische Renaissance etwa hundert Jahre begann nach dem Beginn der Renaissance, wie in anderen Disziplinen verstanden. Wie in den anderen Künsten wurde die Musik dieser Zeit maßgeblich von den Entwicklungen beeinflusst, die die frühe Neuzeit definieren: dem Aufstieg des humanistischen Denkens; die Wiederherstellung des literarischen und künstlerischen Erbes des antiken Griechenlands und Roms; erhöhte Innovation und Entdeckung; das Wachstum des Handelsunternehmens; der Aufstieg einer bürgerlichen Klasse; und die protestantische Reformation. Aus dieser sich verändernden Gesellschaft ging eine gemeinsame, einheitliche Musiksprache hervor, insbesondere der polyphone Stil der französisch-flämischen Schule.

Die Erfindung der Gutenberg-Presse ermöglichte die Verbreitung von Musik und Musiktheorie in großem Umfang. Die Nachfrage nach Musik als Unterhaltung und als Aktivität für gebildete Amateure stieg mit dem Aufkommen einer bürgerlichen Klasse. Die Verbreitung von Chansons, Motetten und Massen in ganz Europa fiel mit der Vereinigung der polyphonen Praxis in den fließenden Stil zusammen, der in der zweiten Hälfte des 16. Jahrhunderts in Werken von Komponisten wie Palestrina, Lassus, Victoria und William Byrd gipfelte. Relative politische Stabilität und Wohlstand in den Niederlanden sowie ein florierendes System der Musikausbildung in den vielen Kirchen und Kathedralen der Region ermöglichten die Ausbildung von Hunderten von Sängern und Komponisten. Diese Musiker waren in ganz Europa sehr gefragt, insbesondere in Italien, wo Kirchen und Adelsgerichte sie als Komponisten und Lehrer engagierten. Bis zum Ende des 16. Jahrhunderts hatte Italien die nördlichen Einflüsse absorbiert, wobei Venedig, Rom und andere Städte Zentren musikalischer Aktivität waren, was die Situation von vor hundert Jahren umkehrte. Die Oper entstand zu dieser Zeit in Florenz als bewusster Versuch, die Musik des antiken Griechenland wiederzubeleben.

Musik, die zunehmend von mittelalterlichen Zwängen in Reichweite, Rhythmus, Harmonie, Form und Notation befreit war, wurde zum Vehikel für neuer persönlicher Ausdruck. Komponisten fanden Wege, Musik für die von ihnen gesetzten Texte zum Ausdruck zu bringen. Die weltliche Musik absorbierte Techniken aus der geistlichen Musik und umgekehrt. Beliebte weltliche Formen wie Chanson und Madrigal verbreiteten sich in ganz Europa. Die Gerichte beschäftigten virtuose Künstler, sowohl Sänger als auch Instrumentalisten. Musik wurde auch autarker mit ihrer Verfügbarkeit in gedruckter Form, die für sich selbst existierte. Viele bekannte moderne Instrumente (einschließlich Geigen-, Gitarren-, Lauten- und Tasteninstrumente) entwickelten sich während der Renaissance zu neuen Formen, um auf die Entwicklung musikalischer Ideen zu reagieren und Komponisten und Musikern weitere Möglichkeiten zu bieten, diese zu erkunden. Moderne Holzbläser und Blechblasinstrumente wie Fagott und Posaune erschienen ebenfalls; Erweiterung des Bereichs von Klangfarbe und Leistung. Während des fünfzehnten Jahrhunderts wurde der Klang voller Triaden üblich, und gegen Ende des sechzehnten Jahrhunderts begann das System der kirchlichen Modi vollständig zusammenzubrechen, was der funktionalen Tonalität Platz machte, die die westliche Kunstmusik für die nächsten drei Jahrhunderte dominieren sollte

Chansonnier von Heinrich Isaac, 1484

Von Die Renaissance-Ära, sowohl weltliche als auch geistliche Musik, überlebt in Quantität, sowohl vokal als auch instrumental. Während der Renaissance blühte eine enorme Vielfalt an Musikstilen und -genres auf, die im 21. Jahrhundert auf kommerziellen Aufnahmen zu hören waren, darunter Messen, Motetten, Madrigale, Chansons, begleitete Lieder, Instrumentaltänze und viele andere. Zahlreiche Ensembles für Alte Musik, die sich auf die Musik dieser Zeit spezialisiert haben, geben Konzerttourneen und machen Aufnahmen mit einer Vielzahl von Interpretationsstilen.

Eines der ausgeprägtesten Merkmale der europäischen Kunstmusik der frühen Renaissance war die zunehmende Abhängigkeit von der Intervall des dritten (im Mittelalter galten Drittel als Dissonanzen). Die Polyphonie wurde im Laufe des vierzehnten Jahrhunderts mit sehr unabhängigen Stimmen immer ausgefeilter: Der Beginn des fünfzehnten Jahrhunderts zeigte eine Vereinfachung, wobei die Stimmen oft nach Glätte strebten. Dies war aufgrund eines stark vergrößerten Stimmumfangs in der Musik möglich – im Mittelalter erforderte der enge Bereich ein häufiges Überqueren von Teilen, wodurch ein größerer Kontrast zwischen ihnen erforderlich wurde.

Das Modal (im Gegensatz zum Ton) ) Die Merkmale der Musik der Renaissance begannen gegen Ende der Periode mit der zunehmenden Verwendung von Wurzelbewegungen von Fünfteln zusammenzubrechen.Dies entwickelte sich später zu einem der bestimmenden Merkmale der Tonalität.

Die Hauptmerkmale der Renaissance-Musik sind die folgenden:

• Musik basierend auf Modi
• Reichhaltigere Textur in vier oder mehr Teilen
• Mischen statt Kontrastieren von Strängen in der musikalischen Textur
• Harmonie mit größerer Sorge um den Fluss und das Fortschreiten von Akkorden

Polyphonie ist eine der bemerkenswerten Veränderungen, die die Renaissance ab dem Mittelalter musikalisch kennzeichnen. Seine Verwendung förderte die Verwendung größerer Ensembles und verlangte Instrumentensätze, die sich über den gesamten Stimmumfang miteinander vermischen würden.

Die wichtigsten liturgischen Formen, die während der gesamten Renaissanceperiode Bestand hatten, waren Massen und Motetten mit einigen anderen Entwicklungen in Richtung das Ende, besonders als Komponisten geistlicher Musik begannen, weltliche Formen (wie das Madrigal) für ihre eigenen Entwürfe anzunehmen.

Gemeinsame heilige Genres waren die Masse, die Motette, das Madrigale Spirituale und die Laude.

Motetten von Cyprien de Rore, illustriert von Hans Mielich

Während dieser Zeit hatte die weltliche Musik eine zunehmende Verbreitung mit einer Vielzahl von Formen, aber man muss vorsichtig sein, wenn man von einer Explosion der Vielfalt ausgeht: Da der Druck die Musik breiter verfügbar machte, ist in dieser Zeit viel mehr überlebt als in der vorhergehenden Mittelalter und wahrscheinlich ein reichhaltiger Vorrat an populärer Musik des Spätmittelalters ist irretrievab verloren.

Weltliche Musik war Musik, die unabhängig von Kirchen war. Die Haupttypen waren das deutsche Lied, die italienische Frottola, das französische Chanson, das italienische Madrigal und das spanische Villancico. Andere weltliche Vokalgenres waren Caccia, Rondeau, Virelai, Bergerette, Ballade, Musique Mesurée, Canzonetta, Villanella, Villotta und das Lautenlied. Es erschienen auch gemischte Formen wie das Motetten-Chanson und die weltliche Motette.

Rein instrumentale Musik beinhaltete Gemahlmusik für Blockflöte oder Violine und andere Instrumente sowie Tänze für verschiedene Ensembles. Gemeinsame Instrumentalgenres waren Tokokata, Präludium, Ricercar und Canzona. Zu den Tänzen, die von Instrumentalensembles gespielt wurden, gehörten Basse Danse, Tourdion, Saltarello, Pavane, Galliard, Allemande, Courante, Bransle, Canarie und Lavolta. Musik vieler Genres könnte für ein Soloinstrument wie Laute, Vihuela, Harfe oder Keyboard arrangiert werden. Solche Arrangements wurden Intabulationen genannt.

Gegen Ende der Periode werden die frühen dramatischen Vorläufer der Oper wie Monodie, Madrigalkomödie und Intermedio gesehen.

Theorie und Notation

Laut Margaret Bent ist „die Renaissance-Notation nach unseren Maßstäben unterpräskriptiv; wenn sie in moderne Form übersetzt wird, erhält sie ein präskriptives Gewicht, das ihre ursprüngliche Offenheit überbestimmt und verzerrt.“

Ockeghem, Kyrie „Au travail suis“, Auszug

Diese verschiedenen Permutationen wurden auf der Ebene der Breve-Semibreve-Beziehung als „perfektes / unvollkommenes Tempus“, auf der Ebene des Semibreve-Minim als „perfekte / unvollkommene Prolation“ bezeichnet und existierten in allen möglichen Kombinationen miteinander. Drei zu eins wurde als „perfekt“ und zwei zu eins als „unvollkommen“ bezeichnet. Es gab auch Regeln, nach denen einzelne Noten ihren Wert halbieren oder verdoppeln konnten („unvollkommen“ bzw. „verändert“), wenn ihnen andere bestimmte Noten vorausgingen oder folgten. Noten mit schwarzen Notenköpfen (z. B. Viertelnoten) traten seltener auf. Diese Entwicklung der weißen Mensuralnotation kann auf die zunehmende Verwendung von Papier (anstelle von Pergament) zurückzuführen sein, da das schwächere Papier den zum Ausfüllen fester Notenköpfe erforderlichen Kratzern weniger standhalten konnte. Die auf Pergament geschriebene Notation früherer Zeiten war schwarz gewesen. Andere Farben und später ausgefüllte Notizen wurden ebenfalls routinemäßig verwendet, hauptsächlich um die oben genannten Unvollkommenheiten oder Änderungen zu erzwingen und um andere vorübergehende rhythmische Änderungen zu fordern.

Zufälle wurden nicht immer angegeben, etwas wie in bestimmte Fingernotationen (Tabulaturen) heute.Renaissance-Musiker wären jedoch in dyadischen Kontrapunkten bestens ausgebildet gewesen und hätten daher diese und andere Informationen besessen, die zum Lesen einer Partitur erforderlich sind. „Was die moderne Notation erfordert, wäre dann ohne Notation für einen mit Kontrapunkt versierten Sänger vollkommen offensichtlich gewesen.“ Ein Sänger würde seinen Teil interpretieren, indem er Kadenzformeln mit anderen Teilen im Auge hat, und wenn Musiker zusammen singen, würden sie parallele Oktaven und Quinten vermeiden oder ihre Kadenzteile im Lichte von Entscheidungen anderer Musiker ändern.

Es Durch zeitgenössische Tabulaturen für verschiedene Zupfinstrumente haben wir viele Informationen darüber erhalten, welche Vorzeichen von den ursprünglichen Praktizierenden ausgeführt wurden.

Informationen zu bestimmten Theoretikern finden Sie unter Johannes Tinctoris, Franchinus Gaffurius, Heinrich Glarean, Pietro Aron, Nicola Vicentino, Tomás de Santa María, Gioseffo Zarlino, Vicente Lusitano, Vincenzo Galilei, Giovanni Artusi, Johannes Nucius und Pietro Cerone.