Konsert i egget, Hieronymus Bosch, ca. 1561

Innledning

Renessansemusikk er musikk skrevet i Europa under renessansen. Konsensus blant musikkhistorikere – med bemerkelsesverdig uenighet – har vært å starte tiden rundt 1400, med slutten av middelalderen, og å lukke den rundt 1600, med begynnelsen av barokkperioden, og derfor begynte den musikalske renessansen omtrent hundre år. etter begynnelsen av renessansen som forstått i andre fagområder. Som i andre kunster ble periodens musikk betydelig påvirket av utviklingen som definerer den tidlige moderne perioden: fremveksten av den humanistiske tanken; gjenopprettingen av den litterære og kunstneriske arven i det gamle Hellas og Roma; økt innovasjon og funn; veksten av kommersiell virksomhet; fremveksten av en borgerlig klasse; og den protestantiske reformasjonen. Fra dette samfunnet som forandret seg, kom det et felles, forenende musikkspråk, særlig den polyfoniske stilen til den fransk-flamske skolen.

Oppfinnelsen av Gutenberg-pressen muliggjorde distribusjon av musikk og musikkteori i stor skala. Etterspørselen etter musikk som underholdning og som en aktivitet for utdannede amatører økte med fremveksten av en borgerlig klasse. Formidling av chansons, motetter og masser i hele Europa falt sammen med foreningen av polyfonisk praksis til den flytende stilen som kulminerte i andre halvdel av det sekstende århundre i arbeidet med komponister som Palestrina, Lassus, Victoria og William Byrd. Relativ politisk stabilitet og velstand i de lave landene, sammen med et blomstrende system for musikkutdanning i områdets mange kirker og katedraler, tillot opplæring av hundrevis av sangere og komponister. Disse musikerne var svært etterspurte i hele Europa, spesielt i Italia, der kirker og aristokratiske domstoler hyret dem som komponister og lærere. Mot slutten av det sekstende århundre hadde Italia absorbert de nordlige innflytelsene, med Venezia, Roma og andre byer som sentrum for musikalsk aktivitet, og snudde situasjonen fra hundre år tidligere. Opera oppsto på denne tiden i Firenze som et bevisst forsøk på å gjenopplive musikken i det antikke Hellas.

Musikk, stadig mer frigjort fra middelalderens begrensninger, innen rekkevidde, rytme, harmoni, form og notasjon, ble et redskap for nytt personlig uttrykk. Komponister fant måter å gjøre musikk uttrykksfull for tekstene de satt på. Sekulær musikk absorberte teknikker fra hellig musikk, og omvendt. Populære sekulære former som chanson og madrigal spredte seg over hele Europa. Domstoler ansatt virtuøse artister, både sangere og instrumentalister. Musikk ble også mer selvforsynt med tilgjengeligheten i trykt form, eksisterende for sin egen skyld. Mange kjente moderne instrumenter (inkludert fiolin, gitar, lute og keyboardinstrumenter), utviklet seg til nye former under renessansen som reagerte på utviklingen av musikalske ideer, og presenterte ytterligere muligheter for komponister og musikere å utforske. Moderne treblås og messinginstrumenter som fagott og trombone dukket også opp; utvide rekkevidden av lydfarge og kraft. I løpet av det femtende århundre ble lyden av fulle triader vanlig, og mot slutten av det sekstende århundre begynte systemet med kirkemodus å bryte helt sammen og vike for den funksjonelle tonaliteten som skulle dominere vestlig kunstmusikk de neste tre århundrene. .

Chansonnier av Heinrich Isaac, 1484

Fra renessansetiden overlever både sekulær og hellig musikk i mengde, og både vokal og instrumental. Et enormt mangfold av musikalske stiler og sjangere blomstret under renessansen, og kan høres på kommersielle innspillinger i det tjueførste århundre, inkludert masser, motetter, madrigaler, chansons, akkompagnerte sanger, instrumentaldanser og mange andre. Mange tidlige musikkensembler som spesialiserer seg i periodens musikk gir konsertturer og lager innspillinger ved hjelp av et bredt spekter av tolkningsstiler.

Et av de mest markante trekkene ved europeisk kunstmusikk fra tidlig renessanse var den økende avhengigheten av intervall av den tredje (i middelalderen hadde tredjedeler blitt ansett som dissonanser). Polyfoni ble stadig mer forseggjort gjennom hele det fjortende århundre, med svært uavhengige stemmer: begynnelsen av det femtende århundre viste forenkling, med stemmene ofte som jakt etter glatthet. Dette var mulig på grunn av et sterkt økt vokalområde i musikk – i middelalderen, gjorde det smale området nødvendig hyppig kryssing av deler, og krevde dermed større kontrast mellom dem.

Modal (i motsetning til tonal ) kjennetegn ved renessansemusikken begynte å bryte sammen mot slutten av perioden med økt bruk av rotbevegelser fra femtedeler.Dette utviklet seg senere til en av de definerende egenskapene til tonalitet.

De viktigste egenskapene til renessansemusikken er følgende:

• Musikk basert på modus
• Rikere tekstur i fire eller flere deler
• Blanding i stedet for kontrasterende tråder i den musikalske strukturen
• Harmoni med større bekymring for strømmen og progresjonen av akkorder

Polyfoni er en av de bemerkelsesverdige endringene som markerer renessansen fra middelalderen musikalsk. Dens bruk oppmuntret til bruk av større ensembler og krevde sett med instrumenter som ville smelte sammen over hele vokalområdet.

De viktigste liturgiske former som varte gjennom hele renessanseperioden var masser og motetter, med noen andre utviklingstrekk mot slutten, spesielt da komponister av hellig musikk begynte å adoptere sekulære former (som madrigalen) for sitt eget design.

Vanlige hellige sjangre var massen, motetten, madrigale spirituale og laude.

Moteter av Cyprien de Rore illustrert av Hans Mielich

I perioden hadde sekulær musikk en økende distribusjon, med et bredt utvalg av former, men man må være forsiktig med å anta en eksplosjon i variasjon: siden utskrift gjorde musikk mer tilgjengelig, har mye mer overlevd fra denne tiden enn fra forrige middelalderens tid, og sannsynligvis en rik butikk med populærmusikk fra senmiddelalderen, er irretrievab ly mistet.

Sekulær musikk var musikk som var uavhengig av kirker. Hovedtyper var tysk Lied, italiensk frottola, fransk chanson, italiensk madrigal og den spanske villancico. Andre sekulære vokalsjangre inkluderte caccia, rondeau, virelai, bergerette, ballade, musique mesurée, canzonetta, villanella, villotta og lutesangen. Blandede former som motet-chanson og den sekulære motetten dukket også opp. Vanlige instrumentalsjangere var toccata, prelude, ricercar og canzona. Danser spilt av instrumentale ensembler inkluderte basse danse, tourdion, saltarello, pavane, galliard, allemande, courante, bransle, canarie og lavolta. Musikk av mange sjangere kan arrangeres for et soloinstrument som lute, vihuela, harpe eller keyboard. Slike arrangementer ble kalt intabulasjoner.

Mot slutten av perioden ses de tidlige dramatiske forløperne til opera som monodi, madrigalkomedien og mellommediet.

Teori og notasjon

Ifølge Margaret Bent er «renessansens notasjon underbeskrivende av våre standarder. Når den oversettes til moderne form, får den en forskrivende vekt som overspesifiserer og forvrenger dens opprinnelige åpenhet.»

Ockeghem, Kyrie «Au travail suis,» utdrag

Disse forskjellige permutasjonene ble kalt «perfekt / ufullkommen tempus» på nivået mellom breve-semibreve-forholdet, «perfekt / ufullkommen prolasjon» på nivået med semibreve-minim, og eksisterte i alle mulige kombinasjoner med hverandre. Tre-mot-en ble kalt «perfekt» og to-til-en «ufullkommen.» Det eksisterte også regler der enkeltnoter kunne halveres eller dobles i verdi (henholdsvis «ufullkommen» eller «endret») når andre bestemte toner ble innledet eller fulgt av. Notater med svarte sedler (for eksempel kvart notater) skjedde sjeldnere. Denne utviklingen av hvit mensural notasjon kan være et resultat av økt bruk av papir (snarere enn velum), ettersom det svakere papiret var mindre i stand til å tåle riper som kreves for å fylle ut solide sedler; notasjonen fra tidligere tider, skrevet på velell, hadde vært svart. Andre farger og senere utfylte notater ble også brukt rutinemessig, hovedsakelig for å håndheve de nevnte manglene eller endringene og for å kreve andre midlertidige rytmiske endringer.

Uhell ble ikke alltid spesifisert, noe som i visse fingering notasjoner (tablaturer) i dag.Imidlertid ville renessansemusikere ha vært høyt opplært i dyadisk kontrapunkt og dermed hatt denne og annen informasjon som er nødvendig for å lese en partitur, «det som moderne notasjon krever, ville da ha vært helt tydelig uten notasjon til en sanger som er kjent med kontrapunkt.» En sanger ville tolke sin del ved å finne kadiale formler med tanke på andre deler, og når man synger sammen, ville musikere unngå parallelle oktaver og femtedeler eller endre kadentielle deler i lys av beslutninger fra andre musikere.

Det er gjennom moderne tablaturer for forskjellige plukkede instrumenter at vi har fått mye informasjon om hvilke tilfeldigheter som ble utført av de opprinnelige utøverne.

For informasjon om spesifikke teoretikere, se Johannes Tinctoris, Franchinus Gaffurius, Heinrich Glarean, Pietro Aron, Nicola Vicentino, Tomás de Santa María, Gioseffo Zarlino, Vicente Lusitano, Vincenzo Galilei, Giovanni Artusi, Johannes Nucius og Pietro Cerone.