Concert in het ei, Hieronymus Bosch, ca. 1561

Inleiding

Renaissance-muziek is muziek die tijdens de Renaissance in Europa is geschreven. Het is consensus onder muziekhistorici – met opmerkelijke afwijkende meningen – om het tijdperk rond 1400 te beginnen, met het einde van de middeleeuwen, en het rond 1600 te sluiten, met het begin van de barokperiode, en daarmee de muzikale Renaissance ongeveer honderd jaar te beginnen. na het begin van de Renaissance zoals begrepen in andere disciplines. Net als in de andere kunsten, werd de muziek van die periode sterk beïnvloed door de ontwikkelingen die de vroegmoderne tijd bepalen: de opkomst van het humanistische denken; het herstel van het literaire en artistieke erfgoed van het oude Griekenland en Rome; meer innovatie en ontdekking; de groei van commerciële onderneming; de opkomst van een burgerlijke klasse; en de protestantse reformatie. Uit deze veranderende samenleving kwam een gemeenschappelijke, verenigende muzikale taal voort, in het bijzonder de polyfone stijl van de Frans-Vlaamse school.

De uitvinding van de Gutenbergpers maakte verspreiding van muziek en muziektheorie op grote schaal mogelijk. De vraag naar muziek als amusement en als activiteit voor geschoolde amateurs nam toe met de opkomst van een burgerlijke klasse. De verspreiding van chansons, motetten en missen door heel Europa viel samen met de eenmaking van de polyfone praktijk in de vloeiende stijl die in de tweede helft van de zestiende eeuw culmineerde in het werk van componisten als Palestrina, Lassus, Victoria en William Byrd. Relatieve politieke stabiliteit en welvaart in de Lage Landen, samen met een bloeiend systeem van muziekonderwijs in de vele kerken en kathedralen in het gebied, maakten het mogelijk honderden zangers en componisten op te leiden. Deze musici waren in heel Europa zeer gewild, vooral in Italië, waar kerken en aristocratische rechtbanken hen inhuurden als componisten en leraren. Tegen het einde van de zestiende eeuw had Italië de noordelijke invloeden geabsorbeerd, met Venetië, Rome en andere steden als centra van muzikale activiteit, waardoor de situatie van honderd jaar eerder werd omgekeerd. Opera ontstond in die tijd in Florence als een opzettelijke poging om de muziek van het oude Griekenland nieuw leven in te blazen.

Muziek, in toenemende mate bevrijd van middeleeuwse beperkingen, qua bereik, ritme, harmonie, vorm en notatie, werd een voertuig voor nieuwe persoonlijke expressie. Componisten vonden manieren om muziek expressief te maken voor de teksten die ze aan het zetten waren. Wereldlijke muziek absorbeerde technieken uit gewijde muziek, en vice versa. Populaire wereldlijke vormen zoals het chanson en madrigaal verspreidden zich over heel Europa. Rechtbanken hadden virtuoze artiesten in dienst, zowel zangers als instrumentalisten. Muziek werd ook meer zelfvoorzienend met de beschikbaarheid ervan in gedrukte vorm, bestaande voor zichzelf. Veel bekende moderne instrumenten (waaronder de viool-, gitaar-, luit- en toetsinstrumenten) ontwikkelden zich tijdens de Renaissance tot nieuwe vormen als reactie op de evolutie van muzikale ideeën, en boden verdere mogelijkheden voor componisten en musici om te verkennen. Moderne houtblazers en koperblazers zoals de fagot en trombone kwamen ook voor; uitbreiding van het bereik van sonische kleur en kracht. Tijdens de vijftiende eeuw werd het geluid van volledige drieklanken algemeen, en tegen het einde van de zestiende eeuw begon het systeem van kerkmodi volledig uiteen te vallen, en maakte plaats voor de functionele tonaliteit die de westerse kunstmuziek de komende drie eeuwen zou domineren. .

Chansonnier door Heinrich Isaac, 1484

Van in de renaissancetijd overleeft zowel seculiere als religieuze muziek in kwantiteit, zowel vocaal als instrumentaal. Een enorme diversiteit aan muziekstijlen en genres bloeide tijdens de Renaissance en is te horen op commerciële opnames in de eenentwintigste eeuw, waaronder missen, motetten, madrigalen, chansons, begeleide liedjes, instrumentale dansen en vele anderen. Talrijke ensembles voor oude muziek die gespecialiseerd zijn in muziek uit die periode, geven concertreizen en maken opnamen, waarbij ze een breed scala aan interpretatieve stijlen gebruiken.

Een van de meest uitgesproken kenmerken van Europese kunstmuziek uit de vroege Renaissance was de toenemende afhankelijkheid van de interval van de derde (in de middeleeuwen werden tertsen als dissonanten beschouwd). Polyfonie werd gedurende de veertiende eeuw steeds uitgebreider, met zeer onafhankelijke stemmen: het begin van de vijftiende eeuw vertoonde vereenvoudiging, waarbij de stemmen vaak naar gladheid streefden. Dit was mogelijk vanwege een sterk vergroot vocaal bereik in de muziek – in de Middeleeuwen maakte het smalle bereik het noodzakelijk dat delen vaak moesten worden overgestoken, waardoor er een groter contrast tussen hen nodig was.

Het modale (in tegenstelling tot tonale ) kenmerken van renaissancemuziek begonnen af te breken tegen het einde van de periode met het toegenomen gebruik van wortelbewegingen van kwinten.Dit ontwikkelde zich later tot een van de bepalende kenmerken van tonaliteit.

De belangrijkste kenmerken van renaissancemuziek zijn de volgende:

• Muziek gebaseerd op modi
• Rijkere textuur in vier of meer delen
• Blending in plaats van contrasterende strengen in de muzikale textuur
• Harmonie met meer aandacht voor de stroom en progressie van akkoorden

Polyfonie is een van de opmerkelijke veranderingen die de renaissance vanaf de middeleeuwen muzikaal markeren. Het gebruik ervan moedigde het gebruik aan van grotere ensembles en vereiste sets van instrumenten die over het hele vocale bereik zouden samensmelten.

Belangrijkste liturgische vormen die gedurende de hele Renaissance duurden, waren missen en motetten, met enkele andere ontwikkelingen in de richting van het einde, vooral toen componisten van gewijde muziek seculiere vormen (zoals het madrigaal) begonnen aan te nemen voor hun eigen ontwerpen.

Gemeenschappelijke heilige genres waren de mis, het motet, de madrigale spirituale en de laude.

Motetten van Cyprien de Rore geïllustreerd door Hans Mielich

In de loop van de periode kende wereldlijke muziek een toenemende verspreiding, met een grote verscheidenheid aan vormen, maar men moet voorzichtig zijn met het aannemen van een explosie in verscheidenheid: sinds het drukken muziek op grotere schaal beschikbaar maakte, is er veel meer overgebleven uit dit tijdperk dan uit middeleeuws tijdperk, en waarschijnlijk een rijke voorraad populaire muziek uit de late middeleeuwen is irretrievab ly verloren.

Wereldlijke muziek was muziek die onafhankelijk was van kerken. De belangrijkste soorten waren de Duitse Lied, Italiaanse frottola, het Franse chanson, de Italiaanse madrigaal en de Spaanse villancico. Andere seculiere vocale genres waren de caccia, rondeau, virelai, bergerette, ballade, musique mesurée, canzonetta, villanella, villotta en het luitlied. Gemengde vormen zoals het motet-chanson en het seculiere motet kwamen ook voor.

Puur instrumentale muziek omvatte consortmuziek voor blokfluit of viool en andere instrumenten, en dansen voor verschillende ensembles. Veel voorkomende instrumentale genres waren de toccata, prelude, ricercar en canzona. Dansen gespeeld door instrumentale ensembles waren de basse danse, tourdion, saltarello, pavane, galliard, allemande, courante, bransle, canarie en lavolta. Muziek uit vele genres kan worden gearrangeerd voor een solo-instrument zoals de luit, vihuela, harp of keyboard. Dergelijke arrangementen werden intabulaties genoemd.

Tegen het einde van de periode worden de vroege dramatische voorlopers van opera zoals monody, de madrigaalkomedie en de intermedio gezien.

Theorie en notatie

Volgens Margaret Bent, “is de renaissancistische notatie naar onze maatstaven ondermaats; wanneer ze in een moderne vorm wordt vertaald, krijgt ze een prescriptief gewicht dat de oorspronkelijke openheid ervan overdrijft en vervormt.”

Ockeghem, Kyrie “Au travail suis”, fragment

Deze verschillende permutaties werden “perfect / imperfect tempus” genoemd op het niveau van de breve-semibreve relatie, “perfect / imperfect prolation” op het niveau van de semibreve-minim, en bestonden in alle mogelijke combinaties met elkaar. Drie-op-één werd ‘perfect’ genoemd en twee-op-één ‘onvolmaakt’. Er bestonden ook regels waarbij enkele noten in waarde konden worden gehalveerd of verdubbeld (respectievelijk “imperfected” of “gewijzigd”) wanneer ze werden voorafgegaan of gevolgd door andere bepaalde noten. Noten met zwarte nootkoppen (zoals kwartnoten) kwamen minder vaak voor. Deze ontwikkeling van de witte mensurale notatie kan het gevolg zijn van het toegenomen gebruik van papier (in plaats van perkament), aangezien het zwakkere papier minder goed bestand was tegen de krassen die nodig zijn om vaste nootkoppen op te vullen; de notatie van vorige keren, geschreven op perkament, was zwart geweest. Andere kleuren, en later ingevulde notities, werden ook routinematig gebruikt, voornamelijk om de bovengenoemde onvolkomenheden of wijzigingen af te dwingen en om andere tijdelijke ritmische veranderingen op te roepen.

Toevallige tekens werden niet altijd gespecificeerd, ongeveer zoals in bepaalde vingerzettingnotaties (tabulaturen) vandaag.Renaissance-muzikanten zouden echter zeer goed zijn opgeleid in het dyadische contrapunt en dus beschikten over deze en andere informatie die nodig was om een partituur te lezen, “wat de moderne notatie vereist zou dan volkomen duidelijk zijn geweest zonder notatie voor een zanger die bedreven is in contrapunt.” Een zanger interpreteerde zijn of haar rol door cadentiële formules te bedenken met andere delen in gedachten, en wanneer samen zingen muzikanten zouden parallelle octaven en kwinten vermijden of hun cadentiële delen veranderen in het licht van beslissingen van andere muzikanten.

Het is door middel van hedendaagse tabulaturen voor verschillende tokkelinstrumenten dat we veel informatie hebben verkregen over welke voortekens werden uitgevoerd door de oorspronkelijke beoefenaars.

Voor informatie over specifieke theoretici, zie Johannes Tinctoris, Franchinus Gaffurius, Heinrich Glarean, Pietro Aron, Nicola Vicentino, Tomás de Santa María, Gioseffo Zarlino, Vicente Lusitano, Vincenzo Galilei, Giovanni Artusi, Johannes Nucius en Pietro Cerone.