Pablo Picasso, Les Demoiselles d ‚Avignon, 1907, Öl auf Leinwand, 243,9 x 233,7 cm (Museum of Modern Art, New York)

Cézannes Geist, Matisses Bonheur de Vivre und Picassos Ego

Einer von Picassos großes Durchbruchgemälde Les Demoiselles d’Avignon, die wichtigsten Leinwände des 20. Jahrhunderts, wurde als Reaktion auf mehrere bedeutende Quellen konstruiert.

Pablo Picasso, Les Demoiselles d’Avignon, 1907, Öl auf Leinwand, 8 ‚x 7‘ 8 “ (243,9 x 233,7 cm) (Museum of Modern Art, New York)

Zu den ersten gehörte seine Konfrontation mit Cézannes großer Leistung bei der posthumen Retrospektive, die ein Jahr nach dem Tod des Künstlers 1907 in Paris stattfand.

Paul Cézanne, Die großen Badenden, 1906, Öl auf Leinwand, 82 7⁄8 × 98 3⁄4 ″ (Philadelphia Museum of Art)

Die retrospektive Ausstellung zwang den jungen Picasso, Matisse und viele andere Künstler, sich mit den Auswirkungen von Cézanne auseinanderzusetzen Kunst. Matisses Bonheur de Vivre von 1906 war einer der ersten von vielen Versuchen, und das neu fertiggestellte Werk wurde schnell von Leo & Gertrude Stein gekauft und in ihrem Wohnzimmer aufgehängt Ihr ganzer Kreis avantgardistischer Schriftsteller und Künstler konnte es sehen und loben. Und loben sie es. Hier wurde das Versprechen von Cézanne erfüllt – und eines, das Lehren aus Seurat und van Gogh enthielt, nicht weniger! Dies war einfach zu viel für den jungen Spanier.

Henri Matisse, Bonheur de Vivre, 1906, Öl auf Leinwand, 175 x 241 cm (The Barnes Foundation, Philadelphia)

Pablo wird Picasso

Picassos starker Wettbewerb zwang ihn buchstäblich dazu, dies zu tun sein großer Rivale. Les Demoiselles D’Avignon ist das Ergebnis dieser Bemühungen. Vergleichen wir die Leinwände. Matisses Landschaft ist ein weites offenes Feld mit einer tiefen Rezession. Die Figuren sind nicht überfüllt. Sie beschreiben fließende Arabesken, die sich wiederum auf die sie umgebenden Naturformen beziehen. Hier ist träge Sinnlichkeit in der mythischen Vergangenheit des goldenen Zeitalters Griechenlands angesiedelt.

In sehr scharfem Kontrast, Picasso, Absicht zu machen Ein Name für sich selbst (ähnlich wie der junge Manet und David) hat den Raum seiner Leinwand radikal komprimiert und sinnliche Erotik durch eine Art aggressiv grobe Pornografie ersetzt. (Beachten Sie zum Beispiel die hockende Figur unten rechts.) Sein Raum ist innen, geschlossen und fast klaustrophobisch. Wie Matisses späterer Blue Nude (selbst eine Antwort auf Les Demoiselles d’Avignon) füllen die Frauen den gesamten Raum und scheinen darin gefangen zu sein. Picassos Bild, das nicht mehr in einer klassischen Vergangenheit spielt, ist eindeutig von unserer Zeit. Hier sind fünf Prostituierte aus einem Bordell in einer Straße namens Avignon im Rotlichtviertel von Barcelona, der Hauptstadt Kataloniens in Nordspanien – eine Straße, die Picasso übrigens besucht hatte.

Picasso hat auch auf Matisses klare, helle Pigmente verzichtet. Stattdessen wählt der Künstler tiefere Töne, die zum städtischen Innenlicht passen. Vorbei ist auch die Sinnlichkeit, die Matisse geschaffen hat. Picasso hat die anmutigen Kurven von Bonheur de Vivre durch scharfe, gezackte, fast zerbrochene Formen ersetzt. Die Körper von Picassos Frauen sehen gefährlich aus, als wären sie aus Glasscherben geformt. Matisses Vergnügen wird zu Picassos Besorgnis. Während Picasso eindeutig darauf abzielt, Matisse zu „out do do“, um als radikalster Künstler in Paris zu fungieren, erkennt er auch seine Schulden an. Vergleichen Sie die Frau, die im Zentrum von Picassos Komposition steht, mit der Frau, die mit extrem erhobenen Ellbogen steht links von Matisses Leinwand: Wie ein Gelehrter, der ein geliehenes Zitat zitiert, Picasso-Fußnoten.

Der kreative Staubsauger

Picasso greift auf viele andere Quellen zurück, um Les Demoiselles D’Avignon zu konstruieren Tatsächlich haben einige Künstler aufgehört, ihn in ihr Studio einzuladen, weil er ihre Ideen so frei und erfolgreich in seine eigene Arbeit einfließen ließ, oft erfolgreicher als der ursprüngliche Künstler. In der Tat wurde Picasso mit einem „kreativen Staubsauger“ verglichen, der saugt jede neue Idee, auf die er stieß. Obwohl diese Analogie etwas grob sein mag, kann man mit Recht sagen, dass er einen enormen kreativen Appetit hatte. Eine von mehreren historischen Quellen, die Picasso geplündert hat, ist die archaische Kunst, die sehr deutlich durch die am weitesten links stehende Figur des Gemäldes demonstriert wird, die steif auf Beinen steht, die unbeholfen am Knie sitzen. Ihr rechter Arm ragt nach unten, während ihr linker Arm verrutscht zu sein scheint (dieser Arm ist tatsächlich ein Überbleibsel einer männlichen Figur, die Picasso schließlich entfernt hat). Ihr Kopf ist in perfektem Profil mit großen mandelförmigen Augen und einem flachen, abstrahierten Gesicht dargestellt.Sie sieht fast ägyptisch aus. Tatsächlich hat Picasso kürzlich im Louvre eine Ausstellung archaischer (eines alten vorklassischen Stils) iberischer Skulpturen (aus Iberia – der Landmasse, aus der Spanien und Portugal bestehen) gesehen. Anstatt auf die sinnlichen Mythen des antiken Griechenland zurückzukommen, greift Picasso auf die Realität zurück und tut dies direkt. Übrigens kaufte Picasso von Apollinaires Sekretärin zwei archaische iberische Köpfe, die sie aus dem Louvre gestohlen hatte! Einige haben vorgeschlagen, dass sie auf Picassos Bitte genommen wurden. Jahre später gab Picasso sie anonym zurück.

Spontanität, sorgfältig choreografiert

Da die Leinwand grob gehandhabt wird, wird sie oft als spontane Kreation angesehen, die direkt konzipiert wurde. Das ist nicht der Fall. Es gingen fast hundert Skizzen voraus. Diese Studien zeigen verschiedene Konfigurationen. In einigen gibt es neben den Frauen zwei Männer. Einer ist ein Seemann. Er sitzt in Uniform in der Mitte der Komposition vor einem kleinen Tisch voller Früchte, einem traditionellen Symbol der Sexualität. Ein anderer Mann trat ursprünglich von links ein. Er trug einen braunen Anzug und ein Lehrbuch, er sollte Medizinstudent werden.

Der Blick des (männlichen) Künstlers

Jede dieser männlichen Figuren sollte einen Aspekt symbolisieren von Picasso. Oder genauer gesagt, wie Picasso diese Frauen sah. Der Seemann ist leicht herauszufinden. Der fiktive Seemann ist seit Monaten auf See, er ist ein offensichtlicher Hinweis auf reines sexuelles Verlangen. Der Medizinstudent ist schwieriger. Er ist nicht da, um sich um die Gesundheit der Frauen zu kümmern, aber er sieht sie mit anderen Augen. Während der Seemann pure Lust darstellt, sieht der Student die Frauen aus einer analytischeren Perspektive. Er versteht, wie ihre Körper aufgebaut sind usw. Könnte es sein, dass Picasso die Art und Weise ausdrückte, wie er diese Frauen sah? Als Objekte des Begehrens, ja, aber auch mit anatomischen Kenntnissen, die wahrscheinlich vielen Ärzten überlegen sind. Wichtig ist, dass Picasso beschließt, die Männer zu entfernen. Warum? Zunächst könnten wir uns vorstellen, wo die Frauen ihre Aufmerksamkeit auf die ursprüngliche Komposition gerichtet haben. Wenn Männer anwesend sind, kümmern sich die Prostituierten um sie. Durch das Entfernen dieser Männer ist das Bild nicht mehr in sich geschlossen. Die Frauen blicken jetzt nach außen, über die Grenzen der Bildebene hinaus, die normalerweise die Anonymität des Betrachters schützen. Wenn die Frauen uns ansehen, wie in Manets Olympia von 1863, sind wir als Zuschauer zu Kunden geworden. Aber dies ist das zwanzigste Jahrhundert, nicht das neunzehnte, und Picasso versucht eine vulgäre Direktheit, die sogar Manet erschrecken lässt.

Picassos Wahrnehmung des Raums

Bisher haben wir die Mitte untersucht Figur, die sich auf Matisses Leinwand bezieht; die beiden maskierten Figuren auf der rechten Seite, die sich durch ihre Aggression auf Picassos Angst vor Krankheiten beziehen; und wir haben die am weitesten links stehende Figur mit der archaischen iberischen Skulptur und Picassos Versuch verbunden, eine Art grobe primitive Direktheit hervorzurufen. Damit bleibt nur eine Frau unberücksichtigt. Dies ist die Frau mit erhobenem rechten Ellbogen und linker Hand auf einem Laken, das über ihren linken Oberschenkel gezogen wurde. Der Tisch mit Früchten, der ursprünglich an der Leiste des Seemanns platziert worden war, ist nicht mehr rund, er hat sich verlängert, geschärft und wurde bis zum Rand der Leinwand abgesenkt. Diese Tabelle / dieser Phallus zeigt auf diese letzte Frau. Picassos Bedeutung ist klar, das Stillleben von Früchten auf einem Tisch, dieses alte Symbol der Sexualität, ist der aufrechte Penis des Betrachters und zeigt auf die Frau unserer Wahl. Picasso war keine Feministin. In seiner Vision ist der Betrachter männlich.

Obwohl explizit, verweist diese Bildsprache nur auf das Hauptproblem. Die Frau, die ausgewählt wurde, wird in Bezug auf ihre Beziehung zum umgebenden Raum deutlich behandelt. Ja, mehr über den Weltraum. Auf der gesamten Leinwand sind die Frauen und die Vorhänge (aus Vorhängen und Laken) gebrochen und zersplittert. Hier ist Picassos Antwort auf Cezanne und Matisse. Die Frauen sind weder vorher noch hinten. Wie in Matisses Red Studio, das vier Jahre später gemalt wird, hat Picasso begonnen, die Beziehung zwischen Figur und Boden aufzulösen. Schauen Sie sich jetzt die Frau an, die Picasso uns mitteilt. Ihre Beine sind gekreuzt und ihre Hand ruht hinter ihrem Kopf, aber obwohl sie unter den anderen zu stehen scheint, ist ihre Position wirklich die einer Figur, die auf ihrem Rücken liegt. Das Problem ist, wir sehen ihren Körper senkrecht zu unserer Sichtlinie. Wie Matisse und Cezanne vor ihm gibt Picasso hier zwei Momente in der Zeit wieder: Wie Sie vielleicht herausgefunden haben, schauen wir zuerst auf die Frauenreihe und dann auf die Prostituierte unserer / Picassos Wahl. P. >

Afrikanische Masken, kolonisierte Frauen

Die beiden Figuren rechts sind am aggressivsten mit Gesichtern abstrahiert, die so gerendert sind, als ob sie afrikanische Masken tragen. Bis 1907, als dieses Gemälde hergestellt wurde, hatte Picasso begonnen, solche Arbeiten zu sammeln. Sogar die Streifen, die eine Skarifizierung darstellen, sind offensichtlich.Matisse und Derain hatten ein länger anhaltendes Interesse an solcher Kunst, aber Picasso sagte, dass er den Wert solcher Kunst erst nach einem Spaziergang in das Palais du Trocadero, das ethnografische Museum von Paris, verstanden habe. Denken Sie daran, Frankreich war im neunzehnten und zwanzigsten Jahrhundert eine große Kolonialmacht in Afrika. Viel afrikanische Kunst wurde aus ihrem ursprünglichen geografischen und künstlerischen Kontext herausgerissen und in Paris verkauft. Obwohl Picasso im Hinblick auf die ursprünglichen Verwendungszwecke und die Bedeutung der nichtwestlichen Kunst, die er sammelte, irgendwann raffinierter werden würde, beruhte sein Interesse 1907 weitgehend auf dem, was er als seine fremden und aggressiven Eigenschaften empfand.

William Rubin Der einstige leitende Kurator der Abteilung für Malerei und Skulptur des Museum of Modern Art und ein führender Picasso-Gelehrter hat ausführlich über dieses Gemälde geschrieben. Er hat vorgeschlagen, dass das Gemälde zwar eindeutig von Verlangen handelt (Picassos eigenes), aber auch Ausdruck seiner Angst ist. Wir haben bereits festgestellt, dass Picasso zu diesem Zeitpunkt Bordelle besuchte, so dass sein Wunsch nicht in Frage gestellt wird, aber Rubin macht geltend, dass dies nur die halbe Wahrheit ist. In Les Demoiselles D’Avignon geht es auch um Picassos intensive Angst … seine Angst vor diesen Frauen oder mehr auf den Punkt, die Krankheit, von der er befürchtete, dass sie sich auf ihn übertragen würden. In der Zeit vor Antibiotika war die Ansteckung mit Syphilis eine begründete Angst. Natürlich scheint die Notlage der Frauen nicht in Picassos Geschichte einzutreten.