Docenianie muzyki
Koncert w jajku, Hieronymus Bosch, c. 1561
Wprowadzenie
Muzyka renesansowa to muzyka tworzona w Europie w okresie renesansu. Konsensus wśród historyków muzyki – z wyraźnym sprzeciwem – polegał na rozpoczęciu epoki około 1400, wraz z końcem średniowiecza, i zamknięciu jej około 1600, z początkiem baroku, rozpoczynając tym samym muzyczny renesans około stu lat. po początku renesansu w rozumieniu innych dyscyplin. Podobnie jak w innych sztukach, na muzykę tego okresu znaczący wpływ miały wydarzenia, które definiują okres nowożytności: rozwój myśli humanistycznej; odzyskanie dziedzictwa literackiego i artystycznego starożytnej Grecji i Rzymu; zwiększona innowacyjność i odkrycia; rozwój przedsiębiorstwa handlowego; powstanie klasy burżuazyjnej; i reformacji protestanckiej. Z tego zmieniającego się społeczeństwa wyłonił się wspólny, jednoczący język muzyczny, w szczególności polifoniczny styl szkoły francusko-flamandzkiej.
Wynalazek prasy Gutenberga umożliwił rozpowszechnianie muzyki i teorii muzyki na szeroką skalę. Popyt na muzykę jako rozrywkę i jako zajęcie dla wykształconych amatorów wzrósł wraz z pojawieniem się klasy burżuazyjnej. Rozpowszechnianie pieśni, motetów i mszy w całej Europie zbiegło się w czasie z unifikacją praktyki polifonicznej w styl płynny, którego kulminacją w drugiej połowie XVI wieku była twórczość takich kompozytorów jak Palestrina, Lassus, Victoria i William Byrd. Względna stabilność polityczna i dobrobyt w Niderlandach, wraz z kwitnącym systemem edukacji muzycznej w wielu kościołach i katedrach w okolicy, umożliwiły przeszkolenie setek śpiewaków i kompozytorów. Ci muzycy byli bardzo poszukiwani w całej Europie, szczególnie we Włoszech, gdzie kościoły i arystokratyczne sądy zatrudniały ich jako kompozytorów i nauczycieli. Pod koniec XVI wieku Włochy wchłonęły wpływy północne, a Wenecja, Rzym i inne miasta były ośrodkami muzycznej aktywności, odwracając sytuację sprzed stu lat. Opera powstała w tym czasie we Florencji jako celowa próba wskrzeszenia muzyki starożytnej Grecji.
Muzyka, coraz bardziej wolna od średniowiecznych ograniczeń, w zakresie, rytmie, harmonii, formie i zapisie, stała się nośnikiem nowa osobista ekspresja. Kompozytorzy znaleźli sposoby na nadanie muzyce ekspresji tekstów, które oprawiali. Muzyka świecka wchłonęła techniki z muzyki sakralnej i vice versa. Popularne formy świeckie, takie jak chanson i madrygał, rozprzestrzeniły się w całej Europie. Sądy zatrudniali wirtuozowskich wykonawców, zarówno śpiewaków, jak i instrumentalistów. Muzyka stała się również bardziej samowystarczalna dzięki swojej dostępności w formie drukowanej, istniejącej dla niej samej. Wiele znanych współczesnych instrumentów (w tym skrzypce, gitara, lutnia i instrumenty klawiszowe) rozwinęło się w okresie renesansu w nowych formach, odpowiadając na ewolucję idei muzycznych, dając kompozytorom i muzykom dalsze możliwości eksploracji. Pojawiły się również nowoczesne instrumenty dęte drewniane i blaszane, takie jak fagot i puzon; poszerzenie zakresu barw i mocy dźwięku. W XV wieku powszechne stało się brzmienie pełnych triad, a pod koniec XVI w. System trybów kościelnych zaczął się całkowicie rozpadać, ustępując funkcjonalnej tonalności, która miała zdominować zachodnią muzykę artystyczną przez następne trzy stulecia. .
Chansonnier, Heinrich Isaac, 1484
Od epoka renesansu przetrwała zarówno w ilościach, jak i muzyce sakralnej, zarówno wokalnej, jak i instrumentalnej. Ogromna różnorodność stylów i gatunków muzycznych rozkwitła w okresie renesansu i można ją usłyszeć na nagraniach komercyjnych w XXI wieku, takich jak msze, motety, madrygały, pieśni, pieśni akompaniujące, tańce instrumentalne i wiele innych. Liczne zespoły muzyki dawnej specjalizujące się w muzyce tego okresu prowadzą trasy koncertowe i dokonują nagrań, korzystając z szerokiego wachlarza stylów interpretacyjnych.
Jedną z najbardziej wyraźnych cech europejskiej muzyki artystycznej wczesnego renesansu było coraz większe uzależnienie od interwał trzeciego (w średniowieczu tercje uznawano za dysonans). Polifonia stawała się coraz bardziej rozbudowana przez cały XIV wiek, z wysoce niezależnymi głosami: początek XV wieku wykazywał uproszczenie, a głosy często dążyły do gładkości. Było to możliwe dzięki znacznie zwiększonemu zakresowi wokalnemu w muzyce – w średniowieczu wąski zakres wymagał częstego krzyżowania się części, co wymagało większego kontrastu między nimi.
Modalny (w przeciwieństwie do tonalnego ) cechy muzyki renesansowej zaczęły się załamywać pod koniec tego okresu wraz ze wzrostem użycia korzeni kwintowych.To później rozwinęło się w jedną z definiujących cech tonalności.
Główne cechy muzyki renesansowej są następujące:
- Muzyka oparta na trybach
- Bogatsza tekstura w czterech lub więcej częściach
- Mieszanie zamiast kontrastujących pasm w muzycznej teksturze
- Harmonia z większym zainteresowaniem płynnością i progresją akordów
Polifonia jest jedną z zauważalnych zmian, które muzycznie naznaczają średniowieczny renesans. Jego użycie zachęciło do stosowania większych zespołów i wymagało zestawów instrumentów, które łączyłyby się ze sobą w całym zakresie wokalnym.
Głównymi formami liturgicznymi, które przetrwały przez cały okres renesansu, były msze i motety, z pewnymi innymi zmianami w kierunku koniec, zwłaszcza że kompozytorzy muzyki sakralnej zaczęli przybierać formy świeckie (takie jak madrygał) do własnych projektów.
Wspólnymi gatunkami sakralnymi były msza, motet, madrygał duchowy i wyróżnienie.
Motety Cypriena de Rore zilustrowane przez Hansa Mielicha
W tym okresie muzyka świecka cieszyła się coraz większą dystrybucją, w szerokiej gamie form, ale trzeba być ostrożnym, jeśli chodzi o założenie eksplozji różnorodności: ponieważ druk sprawił, że muzyka stała się szerzej dostępna, z tej epoki przetrwało znacznie więcej niż z poprzednich ery średniowiecza i prawdopodobnie bogatym zasobem muzyki popularnej późnego średniowiecza jest nieodwracalna ly lost.
Muzyka świecka była muzyką niezależną od kościołów. Głównymi typami były niemiecki Lied, włoski frottola, francuski chanson, włoski madrygał i hiszpański villancico. Inne świeckie gatunki wokalne obejmowały caccia, rondeau, virelai, bergerette, ballade, musique mesurée, canzonetta, villanella, villotta i lutnia. Pojawiły się również formy mieszane, takie jak motet-chanson i świecki motet.
Muzyka czysto instrumentalna obejmowała muzykę konsorcjalną na flet prosty lub wiolonczelę i inne instrumenty oraz tańce dla różnych zespołów. Wspólnymi gatunkami instrumentalnymi były toccata, preludium, ricercar i canzona. Tańce wykonywane przez zespoły instrumentalne obejmowały basse danse, tourdion, saltarello, pavane, galliard, allemande, courante, bransle, canarie i lavolta. Na instrument solowy, taki jak lutnia, vihuela, harfa czy klawisze, można zaaranżować muzykę wielu gatunków. Takie aranżacje nazwano intabulacjami.
Pod koniec tego okresu widać wczesnych dramatycznych prekursorów opery, takich jak monodia, komedia madrygałowa i intermedio.
Teoria i notacja
Według Margaret Bent, „notacja renesansowa jest według naszych standardów niewystarczająca; po przetłumaczeniu na nowoczesną formę nabiera preskryptywnej wagi, która przesadza i zniekształca jej pierwotną otwartość”.
Ockeghem, Kyrie „Au travail suis”, fragment
Te różne permutacje zostały nazwane „doskonałym / niedoskonałym tempusem” na poziomie relacji breve – półbrew, „doskonała / niedoskonała prolacja” na poziomie półbrew – minim i istniały we wszystkich możliwych kombinacjach ze sobą. Trzy do jednego nazywano „doskonałym”, a dwa do jednego „niedoskonałym”. Istniały również zasady, zgodnie z którymi pojedyncze nuty mogły być zmniejszone o połowę lub podwojone w wartości (odpowiednio „niedoskonałe” lub „zmienione”), gdy poprzedzały je lub następowały po nich inne określone nuty. Nuty z czarnymi nutami (np. Ćwierćnuty) pojawiały się rzadziej. Ten rozwój białej notacji menzuralnej może wynikać ze zwiększonego użycia papieru (zamiast welinu), ponieważ słabszy papier był mniej odporny na zarysowania wymagane do wypełnienia pełnych nagłówków; notacja dawnych czasów, napisana na welinie, była czarna. Inne kolory, a później wypełnione notatki, były również używane rutynowo, głównie w celu wymuszenia wyżej wspomnianych niedoskonałości lub przeróbek i wezwania do innych tymczasowych zmian rytmicznych.
Przypadki nie zawsze były określone, podobnie jak w niektóre notacje palcowe (tabulatury) dzisiaj.Jednak muzycy renesansu byliby dobrze wyszkoleni w diadycznym kontrapunkcie i tym samym posiadali te i inne informacje niezbędne do odczytania partytury, „to, czego wymaga współczesna notacja, byłoby wówczas doskonale widoczne bez notacji dla śpiewaka zorientowanego w kontrapunkcie”. Wokalista zinterpretowałby swoją rolę, wymyślając podstawowe formuły z myślą o innych częściach, a podczas wspólnego śpiewania muzycy unikaliby równoległych oktaw i kwint lub zmieniali swoje kadencje w świetle decyzji innych muzyków.
to dzięki współczesnym tabulaturom dla różnych instrumentów szarpanych uzyskaliśmy wiele informacji o tym, jakie przypadłości były wykonywane przez oryginalnych praktyków.
Aby uzyskać informacje na temat konkretnych teoretyków, zobacz: Johannes Tinctoris, Franchinus Gaffurius, Heinrich Glarean, Pietro Aron, Nicola Vicentino, Tomás de Santa María, Gioseffo Zarlino, Vicente Lusitano, Vincenzo Galilei, Giovanni Artusi, Johannes Nucius i Pietro Cerone.