Zacznijmy od tego ostatniego. Prawa autorskie do nagrań dźwiękowych należą do artystów nagrywających i ich wytwórni. Istnieją dalsze rozróżnienia między różnymi typami licencji na nagrania dźwiękowe, które generują tantiemy, takie jak prawa do wykonywania (w przypadku odtwarzania utworu w formatach takich jak usługi transmisji strumieniowej, radio AM / FM, radio satelitarne i radio internetowe) oraz prawa do reprodukcji (w przypadku sprzedaży CD lub cyfrowe pliki muzyczne) i prawa do synchronizacji (do użytku w filmach, telewizji i innych mediach) – ale w przeważającej części liczy się to, że te prawa autorskie należą tylko do artystów i jakiejkolwiek wytwórni, która za nimi stoi.

Te imprezy mogą nie mieć nic wspólnego z ludźmi, którzy piszą słowa i melodię piosenki, a tym samym posiadają prawa autorskie do kompozycji. Czasami są jednym i tym samym, w którym to przypadku ta szczęśliwa impreza ma podwójny przepływ gotówki. Jeśli są oddzielne – tak jak w przypadku większości piosenek pop i hitów z list przebojów – prawa autorskie do nagrań dźwiękowych są podzielone między artystów i wytwórnie płytowe, podczas gdy prawa autorskie do kompozycji są podzielone między wszystkich autorów piosenek i wydawców. Na przykład w przypadku „Big Yellow Taxi” Counting Crows zespół pobiera tantiemy za nagranie dźwięku, ale Joni Mitchell, autorka piosenki, otrzymuje tantiemy za kompozycję.

W większości przypadków, gdy ktoś słucha piosenki, włączają się oba rodzaje praw autorskich, generując dwa zestawy tantiem, które są wypłacane odpowiednim stronom. Oto przydatna tabela, opracowana przez zespół badawczy Citigroup w niedawny raport na temat finansów muzycznych, który pokazuje, w jaki sposób oba rodzaje praw autorskich generują i otrzymują pieniądze:

… i Jak zdobyć tę muzykę Zagrano

Rozbijmy to według najpopularniejszych sposobów, w jakie słuchacze faktycznie przekazują pieniądze twórcom muzyki: kiedy ktoś kupuje utwór w iTunes, Google Play lub innym sklepie cyfrowym, pieniądze z tej sprzedaży są wypłacane twórcom poprzez prawa autorskie – kompozycję i nagranie dźwiękowe – ze stawkami zależnymi od wielkości wytwórni, wielkości dystrybutora i konkretnego zakładu negocjacyjnego ween te dwie, jak również inne zaangażowane strony środkowe. (Czasami etykiety współpracują z agentami, którzy mogą licencjonować większe katalogi naraz, oszczędzając czas i kłopoty, ale wciskając się w dodatkową opłatę).

Ta sama wypłata za podwójne prawa autorskie zasadniczo ma miejsce w przypadku przesyłania strumieniowego na żądanie , a także gdy utwór jest odtwarzany w firmach i detalistach, czy to w sklepach spożywczych, szpitalach, czy w tle strony internetowej startupu. Konkretne wypłaty procentowe w ramach tych umów zależą od rodzaju usługi i siły negocjacyjnej wszystkich zaangażowanych nazw.

Umieszczanie muzyki w filmie, telewizji i reklamach, czyli „synchronizacja”, obejmuje licencję negocjowaną między treściami. producentów i wydawców / autorów piosenek. Opłata jest uiszczana z góry, a tantiemy są również uiszczane po rozprowadzeniu i wyemitowaniu konkretnego filmu lub programu telewizyjnego. Licencje synchronizacji mogą być lukratywne, a ponieważ większość filmowców zazwyczaj wybiera muzykę na podstawie własnych zachcianek, a nie to, co znajduje się na szczycie list przebojów, służy również jako przyzwoita platforma do odkrywania działań pod radarem.

Ten proces jest jeszcze inny w przypadku usług radiowych, które zazwyczaj korzystają z ogólnych licencji w formie bufetu które określają stawki płatności na skalę masową. W obecnych przepisach dotyczących praw autorskich istnieje ważne rozróżnienie między radiem nadawczym (AM / FM) a radiem internetowym (Pandora, SiriusXM, inne radio satelitarne i nadawcy internetowi): Naziemni nadawcy radiowi nie muszą płacić właścicielom praw autorskich do nagrań dźwiękowych, podczas gdy druga grupa to robi. Ta różnica – którą przemysł muzyczny w dużej mierze uważa za niesprawiedliwą lukę – oznacza, że kiedy piosenka jest odtwarzana na falach radiowych, zarabia ona tylko dla jej pisarzy, a nie artystów. Tak więc za każdym razem, gdy „Big Yellow Taxi” Counting Crows jest odtwarzany w radiu AM lub FM, tylko Joni Mitchell dostaje pieniądze, a zespół nic nie dostaje.

Wykonywanie muzyki na żywo

Wydarzenia na żywo szybko stają się najbardziej lukratywną przestrzenią dla muzyków w erze muzyki cyfrowej i nie bez powodu: gdy słuchacze są zalewani tanim dostępem do muzyki dostarczanej przez serwisy streamingowe, oddani muzycy pragną bardziej intymnych doświadczeń ze swoimi ulubionymi artystami. Dlatego trasy koncertowe stają się coraz większe, a festiwale muzyczne przyciągają absurdalne tłumy, nawet jeśli ich składy są takie same. Dlatego też firmy koncertowe i sprzedające bilety, takie jak Live Nation, rosną jak szalone.

Podczas gdy sprzedaż albumów spada, a strumienie mogą dawać tylko ułamki centa na raz, koncerty na żywo – czy to trasy, festiwale czy jednorazowe koncerty – osiągają jedne z najwyższych w historii cen biletów.

Reklama

W okresie rozkwitu popu i rocka muzycy rzadko chcieli być kojarzeni z markami korporacyjnymi, ale to się zmienia wraz z rozwojem rapu jako najpopularniejszego gatunku w Ameryce. Współpraca z marką oferuje artystom możliwość sponsorowania lub popierania marki, którą mogą naprawdę lubić, i uzyskiwania dostępu do dodatkowego źródła przychodów, gdy są przy tym. Innym sposobem, w jaki muzycy znajdują dodatkowe pieniądze, jest zarabianie na YouTube, w którym filmy YouTube mają udział w zyskach z reklam, które są do nich otagowane. Psy „Gangnam Style” podobno zarobił 2 miliony dolarów z 2 miliardów wyświetleń w YouTube. Szef muzyczny YouTube Lyor Cohen napisał w poście na blogu w zeszłym roku, że wskaźnik wypłat YouTube w USA wynosi aż 3 dolary na 1000 strumieni.

Moda, merchandising i inna sprzedaż bezpośrednia

Sprzedaż produktów innych niż muzyczne, takich jak perfumy, akcesoria i linie ubrań, to łatwa strategia zarabiania pieniędzy, którą artyści wykorzystują od dziesięcioleci – ale w erze cyfrowej muzycy mogą również wykazać się kreatywnością dzięki swoim metodom, wykraczając daleko poza tradycyjne namioty z gadżetami na koncertach i plakaty na stronach internetowych.

Artyści również zaczynają prosić o pieniądze bezpośrednio od publiczności – poprzez finansowanie społecznościowe lub tworzenie niestandardowych kanałów komunikacja z fanami – poza platformami społecznościowymi, takimi jak Instagram i Twitter. Gwiazda Voice Angie Johnson zebrała na Kickstarterze około 36 000 dolarów, aby nagrać nadchodzący album. Więcej grup wydaje dedykowane aplikacje lub pakiety subskrypcji za swoją muzykę lub sprzedaż niestandardowych produktów, takich jak festiwale wybrane przez artystów, subskrypcje e-mailowe i limitowane wydania muzyczne. Pitbull ma swój własny rejs.

A więc – gdzie są wszystkie pieniądze?

Wszystko to w żadnym wypadku nie jest obszerną listę sposobów zarabiania pieniędzy przez współczesnych artystów; pamiętaj, że teraz jest teraz łatwiej niż kiedykolwiek zmienić ścieżkę i zostać producentem lub scenarzystą cudzej muzyki, tak jak w przypadku podróży Bebe Rexha od pisania piosenek do nagrywania lub amerykańskiego R & Przeniesienie się twórców hitów do południowokoreańskiego przemysłu k-popowego (co komplikuje nieco podział tantiem przez zaangażowanie praw autorskich z zagranicy, ale mimo to przynosi z powrotem znaczne pieniądze). Sama liczba różnych źródeł dochodów dostępnych dla muzyków jest większa niż kiedykolwiek w przeszłości.

A jednak przeciętny współczesny artysta wciąż brakuje pieniędzy.

Najnowsze badania szacuje się, że amerykańscy muzycy zabierają do domu tylko jedną dziesiątą krajowych przychodów przemysłu. Jednym z powodów tak niewielkiego odsetka jest to, że usługi przesyłania strumieniowego – podczas gdy ożywiają przemysł muzyczny jako całość – nie są dochodowe dla artystów, chyba że są to nazwiska zajmujące czołowe miejsca na listach przebojów, takie jak Drake lub Cardi B. wypłaty strumieniowe od firmy wynoszą od 0,006 USD do 0,0084 USD; numery z Apple Music, YouTube Music, Deezer i innych serwisów streamingowych są porównywalne. Stwarza to sytuację, w której zwycięzca bierze wszystko, w której wielcy artyści chwytają miliony, a mali nie mogą zarabiać na życie. To nic nowego – można by argumentować, że taka była dynamika w prawie każdej epoce muzycznej przeszłości – ale liczby są bardziej dramatyczne niż wcześniej.

Inny powód: sama liczba brokerów, pośredników i innych graczy w przemysł muzyczny, jak opisano powyżej. I nie wspominając o czarnej skrzynce tantiem w erze streamingu, ogromie niezapłaconych pieniędzy, które jeszcze nie dotarły do artystów z powodu wadliwych metadanych lub złej komunikacji między różnymi usługami zaangażowanymi w raportowanie właściwych liczb; jego wartość szacuje się na miliardy. „Kiedy kończy się śledzenie wszystkich dolarów, około 10 procent z nich zostaje przechwyconych przez artystę”. To zadziwiająco niskie ”- mówi Rolling Stone Jason Bazinet, badacz mediów, telewizji kablowej i satelitarnej z Citigroup. „Ci młodzi artyści – nawet nie rozumiesz krwawych szczegółów przemysłu muzycznego ani tego, jak płyną dolary. Naprawdę nie zarobisz tak dużo pieniędzy. Jest niewiarygodna ilość przecieków przez cały biznes.”

Dobra wiadomość: branża muzyczna zaakceptowała teraz streaming jako lider przychodów i jest gotowa dostosować się do tego, a wielu analityków i ekspertów spodziewa się, że biznes usprawni się – dzięki przepisom prawa, negocjacjom w sprawie nowych opłat licencyjnych, fuzjom, przejęciom i konsolidacjom – w coś mniejszego i wreszcie bardziej lukratywnego dla muzyków. Zła wiadomość: nikt nie wie, kiedy to nastąpi.