Martwa natura po 1517 roku: północny renesans i holenderski realizm

Najwcześniejsze zarejestrowane martwe natury to Zając (1502) niemieckiego malarza Albrecht Durer i Dead Bird (1504) przez weneckiego artystę Jacopo de „Barbari, który pracował na dworach w Niemczech i Holandii.

W latach dwudziestych i trzydziestych XVI wieku niemiecki artysta Hans Holbein młodszy ( 1497-1543) namalował serię portretów, które zawierały również obrazy martwej natury, uzupełnione o moralne przesłania i symbole w stylu Vanitas. Zobacz na przykład: Erazm z Rotterdamu (1523), Dama z wiewiórką i szpakiem (1527–28). ; Kupiec Georg Gisze (1532) i The Ambassadors (1533).

Niekwestionowanym mistrzem barokowej martwej natury był artysta z Antwerpii Frans Snyders, który stworzył takie arcydzieła, jak Scena spiżarni ze stroną (ok. 1617 ), The Pantry (około 1620) i A Game Stall (około 1625) .Snyders został opracowany przez kilku holenderskich malarzy realistów ze szkół w Utrechcie i Delft. Dopracowaliśmy gatunek jeszcze bardziej. Najwcześniejszy datowany kawałek kwiatu został wykonany w 1562 roku przez niemieckiego Ludgera Toma Ringa.

Fakt, że wszystkie te wydarzenia miały miejsce we Flandrii, Holandii i Niemczech, nie jest przypadkiem. W wyniku reformacji – protestanckiej rewolty przeciwko Kościołowi rzymskiemu (ok. 1517 r.) – malarstwo religijne doznało poważnego upadku w Europie Północnej, co sprzyjało odrodzeniu się gatunku martwej natury (Stilleven). Popularność malarstwa olejnego na płótnie w tych krajach – która pozwoliła na większą przeróbkę obrazu, a tym samym dopracowanie szczegółów – również przyczyniła się do rozwoju gatunku. Apogeum martwej natury osiągnęło malarstwo holenderskie XVII wieku w stylu znanym jako „holenderski realizm”, który jest uważany za najbardziej realistyczny przejaw tego gatunku. Zapewniał także środek wyrazu religijnego, ponieważ wprowadzono symboliczne przesłania moralne, które dodatkowo zwiększyły jego atrakcyjność. Jedna szczególna forma symbolicznej martwej natury (zwana vanitas) obejmowała układy symbolicznych przedmiotów, które miały przypominać widzowi o żałosnej przemijalności życia na ziemi. Martwa natura w ogóle, a fragmenty vanitas w szczególności, silnie przemawiały do purytańskiej holenderskiej klasy średniej, a ich rosnący patronat doprowadził do ożywienia w Stilleven, które następnie rozprzestrzeniło się na Hiszpanię i Francję.

Inne przykłady wciąż – życie artystów holenderskich to między innymi: Marności ludzkiego życia (1645) Harmena Steenwycka; Martwa natura z Vanitas (1645) Pietera Claesza; Śniadanie kraba (1648, Ermitaż, St. Petersburg) – Willem Claesz Heda; Martwa natura z homarem, rogiem do picia i okularami (ok. 1653) Willema Kalfa; The Slippers (1654) przez Samuela Hoogstratena; Martwa natura z owocami (ok. 1670) – Jan Davidsz de Heem; Flowers and Insects (1711) Rachel Ruysch.

Martwa natura Po 1600 roku we Włoszech, Hiszpanii, Francji

Martwa natura pozostała niepopularna wśród większości włoskich artystów i rzadko pojawiała się we włoskiej sztuce malarstwo, niezależnie od tematu, z wyjątkiem Małego koszyczka z owocami Caravaggia; chociaż były wyjątki. Były to między innymi owoce, kwiaty i ryby z neapolitańskiej szkoły malarstwa i neapolitańskiego baroku XVII i XVIII wieku (np. Autorstwa Recco i Ruoppolo) oraz instrumenty muzyczne namalowane przez Baschenisa.

W Hiszpanii gatunek był bardziej popularny, a malarze tacy jak Francisco de Zurbaran i Juan Sanchez Cotan nadali najprostszej martwej natury dramat. Przykłady dzieł hiszpańskich to: Martwa natura z cytrynami, pomarańczą i różą (1633) Zurbarana i Martwa natura z ptactwem (ok. 1602) Juana Sancheza Cotana. Inni artyści Stilleven to Sanchez i Melendez. Hiszpański element dramaturgiczny wyrósł sto lat później w martwej naturze cielęcej głowy Francisco Goi i oskubanej Turcji.

We Francji, być może z powodu konserwatywnego wpływu paryskiej Academie des Beaux-Arts, nadal – malarstwo życiowe rozwijało się dłużej niż u jego północnych sąsiadów. Dopiero w XVII i XVIII wieku francuscy arystokraci zaczęli zamawiać bogate i trompe l „oeil martwe natury, że wirtuozowskie przykłady tego gatunku pojawiły się w obrazach Moillona, Stoskopffa, Oudry’ego, a zwłaszcza Jeana-Simeona Chardina, chociaż zrezygnował z „objets de luxe” na rzecz przyborów kuchennych oraz prostych układów jedzenia i picia. Wykwintne malowidła Chardina – np. Martwa natura z butelką oliwek (1760) i Królik, Drozd, Słoma (1755) – są tak „prawdziwe”, że chcesz ich dotknąć. Bogaty francuski romantyk-realist Theodore Gericault wyprodukował również kilka niezwykłych dzieł tego gatunku, takich jak Anatomical Pieces (1818).