Początki sztuki i architektury gotyckiej

Era gotyku

Miasta-państwa i feudalne królestwa rozsiane były po Europie, a potęga kościoła katolickiego nadal rosła w erze gotyku. Wraz z rosnącym dobrobytem i stabilniejszymi rządami, zmiany kulturowe obejmowały wczesne formowanie uniwersytetów, takich jak Uniwersytet Paryski w 1150 r., Oraz mnożenie się zakonów katolickich, takich jak franciszkanie i dominikanie. Mnisi i teolodzy zapoczątkowali nowy humanizm, który starał się pogodzić ideały platońskie i teologię Kościoła. W tamtych czasach humanizm postrzegał człowieka jako część złożonej hierarchii, zarządzanej przez Boga, której ostateczny charakter przewyższał rozum.

Rosnący handel doprowadził do rozwoju wielu ośrodków miejskich, a lokalna katedra stała się znakiem duma obywatelska. Równocześnie w projektach budowlanych pierwszoplanową rolę zaczął odgrywać szlachetny mecenat, gdyż witraże i portale podkreślały identyfikację króla jako swego rodzaju ziemskiej reprezentacji boskiej władzy, co widać w „królewskim portalu” zarezerwowanym dla szlachty. i wysokich rangą urzędników kościelnych. Budowa niektórych gotyckich kościołów trwała dziesięciolecia, przyczyniając się zarówno do rozwoju gospodarczego miasta, jak i do rozwoju niezbędnych cechów reprezentujących różne zawody związane z budową i projektowaniem. Większość wczesnogotyckich architektów, rzeźbiarzy, projektanci witraży byli anonimowi i dopiero później, w okresie gotyku wysokiego, zidentyfikowano architektów i artystów zwanych „mistrzami”.

Architektura, która kształtowała okres gotyku, opierała się na wielu wpływy romańskie, bizantyjskie i bliskowschodnie.

romańskie

Kościoły romańskie od X do XII wieku znane są ze sklepień kolebkowych, r wbite łuki, wieże i ich grube mury, filary i filary. Znajdujące się w nich relikwie świętych kościoły były częścią szlaków pielgrzymkowych, które rozciągały się po całej Europie, ponieważ wierni odwiedzali święte miejsca, aby prosić o przebaczenie za swoje grzechy i otrzymać obietnicę Nieba.

Architektura gotycka zachowała Romańska fasada zachodnia jako wejście do kościoła z dwiema wieżami, trzema portalami i dziełami rzeźbiarskimi w tympanonie, półkolistym obszarem nad drzwiami, a także na planie krzyża. Podczas gdy kościoły gotyckie kontynuowały religijną tradycję ścieżki pielgrzymkowej, ich nowy styl odzwierciedlał nową rzeczywistość gospodarczą i polityczną.

Spiczasty łuk i architektura bliskowschodnia

Spiczasty łuk był znanym element architektury Bliskiego Wschodu z VII wieku, jak widać w meczecie Al-Aksa (780) w Jerozolimie. Szeroko rozmieszczony w budowie meczetów i pałaców, takich jak twierdza Al-Ukhaidir (775), ostrołukowy łuk został znaleziony na całym Bliskim Wschodzie, w Afryce Północnej, Andaluzji (współczesna Hiszpania) i na Sycylii. Jak napisał krytyk architektoniczny Jonathan Meades, te wczesne przykłady „stały się w XII wieku kwintesencją architektury chrześcijaństwa”. Gdy papież i katoliccy władcy starali się rozszerzyć zakres chrześcijaństwa w średniowieczu poprzez wyprawy krzyżowe, wiedza o architekturze Bliskiego Wschodu stała się bardziej powszechna wśród Europejczyków.

Spiczasty łuk umożliwił styl gotycki, ponieważ można było wykorzystać do asymetrycznych przestrzeni i przecinać kolumny pod ostrym kątem, przenosząc ciężar na kolumny i rozjaśniając ściany. Konstrukcja stała się również kluczem do wielu późniejszych gotyckich innowacji, w tym łuku lancetowego, tworząc wysoki, wąski, i stromo ostro zakończony otwór; łuk równoboczny, poszerzający łuk, aby umożliwić bardziej okrągłe formy w witrażach; oraz ekstrawagancki łuk, używany głównie w oknach i maswerkach dla efektu dekoracyjnego.

Latające przypory i architektura bizantyjska

Latająca przypora została użyta w kilku ważnych i wpływowych budowlach bizantyjskich. Przypora wykorzystywała masywną kolumnę lub molo, umieszczone z dala od ściany budynku i „ulotkę”, łuk Kapelusz, rozciągający się od ściany do pomostu, odciążył obciążenie od ściany. Bazylika San Vitale (547) w Rawennie we Włoszech była pionierem wczesnego wykorzystania latającej przypory. Bazylika słynęła z mozaik i była potężnym symbolem Cesarstwa Bizantyjskiego i wcześniejszego Cesarstwa Rzymskiego. W rezultacie stał się wzorem dla późniejszej architektury. Cesarz Karol Wielki, który założył Święte Cesarstwo Rzymskie w 799 roku i został nazwany „ojcem Europy”, zaprojektował swoją kaplicę palatyńską w Akwizgranie w Niemczech, po bazylice San Vitale.

Wczesny gotyk: bazylika Saint-Denis 1144

Bazylika Saint-Denis (1135-1144) pod Paryżem była pionierem stylu gotyckiego.Opat Suger poprowadził odbudowę kościoła, czczonego miejsca, gdzie Saint Denis zginął męczeńską śmiercią i gdzie pochowany został prawie każdy francuski monarcha od VII wieku. Znany uczony, przyjaciel i doradca króla Ludwika VI, a następnie Ludwika VII, Suger był pod wpływem prac Pseudo-Dionizego Aeropagity, chrześcijańskiego filozofa i mistyka z V-VI wieku. Pseudo-Dionizjusz wierzył, że jakikolwiek aspekt ziemskiego światła jest aspektem boskiego światła, z którym Suger się zgadzał. Suger uważał, że nowy styl gotycki podniesie duszę do Boga. Jego projekt przewidywał strzelistą pionowość, a kluczem do tego było użycie ostrołukowego łuku, który pozwolił na sklepienie i cieńsze ściany, które mogłyby pomieścić liczne witraże. Kościół Saint-Denis stał się wzorem dla gotyckiego stylu architektonicznego, który rozprzestrzenił się w całej Europie.

Kontynuując i rozszerzając praktykę romańską, wczesnogotyckie kościoły wykorzystywały również rzeźby do dekoracji budynku. W tympanonie nad drzwiami wyryto sceny religijne, a otaczające go archiwolty i nadproża wypełniono postaciami. Powstały również świeckie obrazy, ponieważ w Bazylice św. Denisa po bokach lewego portalu wyryto znaki zodiaku, a po prawej stronie sceny przedstawiające prace rolnicze miesiąca. Najbardziej zauważono różne posągi kolumnowe, przedstawiające królów i proroków Starego Testamentu na kolumnach portalu.

Wysoki gotyk 1200-1280

Począwszy od około 1200 roku, okres wysokiego gotyku rozwijał się w kierunku zawsze- większa pionowość przez włączenie sterczyn, iglic i podkreślenie zarówno strukturalnego, jak i dekoracyjnego efektu latających przypór. Rozeta została powiększona, a maswerk, metalowe pręty między sekcjami witrażu, został opracowany w celu uzyskania efektu dekoracyjnego. Katedra w Chartres (1194-1420), katedra w Amiens (1220-1269) i Notre Dame de Paris (1163-1345) były godnymi uwagi przykładami wysokiego gotyku. Okres wysokiego gotyku charakteryzował się również rozwojem dwóch odrębnych stylów podrzędnych: Rayonnant i Flamboyant. Większość późnogotyckiej architektury wykorzystywała styl ekstrawagancki, który utrzymał się do XVI wieku.

Wysokogotyckie kościoły nadal wykorzystywały rzeźby, szczególnie wokół portali, ale figury stały się bardziej naturalistyczne, gdy postacie wyszły z kolumn który kiedyś je zawierał. Popularne stały się mniejsze, przenośne rzeźby, takie jak Matka Boska z Dzieciątkiem z Sainte-Chappelle (ok. 1260-1270). Małe dzieło, choć eleganckie i stylizowane, jest naturalistycznie wyrzeźbione, przedstawiając krzywiznę w kształcie litery S i realistyczny przepływ draperii.

Międzynarodowy gotyk

Międzynarodowy styl gotycki to termin używany w dworskim stylu dekoracyjnym iluminowanych rękopisów, gobelinów, malarstwa i rzeźby, który rozwinął się około 1375 roku. Styl kojarzony z dworami europejskimi nazywany jest także „pięknym stylem” ze względu na podkreślenie elegancji, delikatne detale, delikatny ekspresji i gładkich form. Święty Cesarz Rzymski Karol IV w Pradze, Walezjusz Król Francji i Visconti z Mediolanu byli najważniejszymi mecenasami i rywalizowali ze sobą o stworzenie kulturalnej stolicy, która przyciągnęłaby czołowych artystów. wiele powstałych prac, a także system mecenatu, który kierował artystów do różnych dworów, rozprzestrzenił wpływ tego stylu na całą Europę.

Sztuka gotycka i architektura: koncepcje Style i Trendy

Najważniejszymi osiągnięciami w późniejszej architekturze gotyckiej były styl Rayonnant, po którym nastąpił styl Flamboyant. W malarstwie najbardziej znaczącym pojedynczym stylem był styl włoskiej szkoły sieneńskiej, a iluminowany rękopis w międzynarodowym stylu gotyckim.

Styl Rayonnanta 1240-1350

Rayonnant to termin używany do opisu stylu francuskiej architektury gotyckiej. Architekci zaczęli podkreślać powtarzające się motywy dekoracyjne, mniejszy, bardziej ludzki budynek i mnóstwo witraży. Promieniujące „promienie” światła, które przepływały przez szybę, nadały temu ruchowi nazwę. Gotycki architekt Hugues Libergier po raz pierwszy zaczął rozwijać styl w kościele opactwa Saint Nicaise w Reims we Francji około 1231 r. Niewiele wiadomo o tym architekcie poza jego imię i że po jego śmierci w 1263 r. został pochowany w kościele, gdzie jego nagrobek uhonorował go jako mistrza architektury. Jego innowacje obejmowały fasadę, która wykorzystywała szczyty punktowe i podkreślone maswerki, formowanie między małymi częściami kolorowego szkła, aby stworzyć rodzaj efektu ekranu.

Słynny wczesny przykład stylu Rayonnanta to Sainte-Chappelle (1242-1248) w Paryżu. Zlecony przez francuskiego króla Ludwika IX w celu przechowywania jego licznych świętych relikwii, w szczególności Korona Cierniowa, kaplica była także symbolem królewskiego prestiżu.Piętnaście dużych okien tworzyło wrażenie strzelistej pionowości i lekkości, ponieważ przestrzeń na ścianach została prawie wyeliminowana i zastąpiona olśniewającymi obrazami i cienkimi złotymi żebrami. Zaprojektowana przez Pierre’a de Montreuil, którego nazywano „Mistrzem Sainte-Chappelle”, kaplica stała się wzorem dla podobnych kaplic królewskich we Francji i Europie. Ludwik IX odegrał znaczącą rolę w promowaniu stylu, który był stosowany w różnych znanych katedrach w tym projekt Bernarda de Soissons katedry w Reims (ok. 1250), kościoła św. Urbaina (1262-1286) w Troyes we Francji, a także wysoki chór katedry w Kolonii w Niemczech, który został zapoczątkowany w 1248 r.

Jak to było charakterystyczne w epoce gotyku, styl Rayonnant przybierał regionalne odmiany. W Anglii styl ten nazywano stylem angielskim dekorowanym i podkreślano maswerki okienne, ponieważ witraże były podzielone na wiele małych równoległych paneli, a następnie na szczycie łuku załamał się na zakrzywione i rozgałęzione kształty koniczyny i czworolistności.

Styl ekstrawagancki 1350-1550

Francuski styl Flamboyant, rozwijający się ze stylu Rayonnanta, uwydatnił nawet większe efekty dekoracyjne dzięki zastosowaniu mo ponownie zakrzywione kształty. Nazwa pochodzi od francuskiego słowa „flambé” oznaczającego płomień, ponieważ zakrzywione, ozdobne linie budowli przypominały płomienie. Ogólny efekt był dynamiczny i żywiołowy. Niektórzy uczeni uważają, że zawiłe wzory i motywy z iluminowanych rękopisów miały znaczący wpływ.

Projekt Amboise Havel dla zachodniej fasady kościoła St. Maclou (1436-1521) w Rouen we Francji był znanym przykładem stylu stosowanego w architekturze sakralnej; jednakże, był również używany do realizacji zleceń królewskich, jak projekt Guy de Dammartin dla Pałacu Duc de Berry w Poitiers (1386) i innych prywatnych rezydencji, takich jak Hôtel de Cluny w Paryżu (1485-98). W Anglii styl był znany jako styl prostopadły, gdzie był on promowany przez Williama Ramseya i Johna Sponlee, królewskich architektów, aw Niemczech był znany jako Sondergotik, czyli specjalny gotyk.

Szkoła Sieneńska 1250-1500

Szkoła sieneńska, pod wpływem rozwijającego się zainteresowania ideałami humanistycznymi wśród braci franciszkanów i dominikanów, była głównym motorem rozwoju nowatorskiego stylu malarstwa gotyckiego. Coppo di Marcovaldo i Guido da Siena założyli szkołę około roku 1250, chociaż najbardziej znanym wczesnym liderem szkoły był Duccio di Buoninsegna, znany powszechnie jako Duccio. Nazywany „ojcem malarstwa sieneńskiego”, łączył bizantyjskie złote tła i ikonografię religijną z nowym zainteresowaniem modelowaniem ludzkiej postaci. Malowane głównie temperą na drewnie, jego prace zawierały delikatne detale, elementy ludzkich emocji i oprawę architektoniczną. dając również elegancki efekt nieziemski, co widać w jego Rucellai Madonna (1285) Znany nauczyciel, Duccio wyszkolił i wywarł wpływ na Simone Martini, późniejszego czołowego malarza szkoły sieneńskiej, a także braci Pietro i Ambrogio Lorenzettich. wykorzystując eleganckie wyczucie linii i wyrafinowany efekt dekoracyjny, jak widać w jego Maestà (1315), wpłynął na międzynarodowy styl gotycki.

Iluminowane rękopisy

Iluminowane manuskrypty, łączące teksty religijne z malowanymi ilustracje, stały się zauważalną cechą międzynarodowego stylu gotyckiego, skupionego wokół Uniwersytetu Paryskiego. Pod wpływem Simone Martini ze szkoły sieneńskiej oraz Giotto i Duccio ” dzieło, z którym spotkał się podczas podróży do Włoch, Brewiarz Belleville Jeana Pucelle’a (1326) i jego słynne Godziny Jeanne d’Evreux (1324-28) były przykładem tego stylu. Naturalistyczne podejście Pucelle obejmowało trójwymiarową przestrzeń, rzeźbiarskie modelowanie postaci ludzkiej i precyzyjnie obserwowane szczegóły.

Dwory królewskie w Bourges i Paryżu zamówiły wiele małych modlitewników, zwanych Księgami godzin. Wielu artystów pochodziło z Francji, ale wielu z nich pochodziło z Holandii, gdzie kształciło się w malarstwie miniatur. Byli wśród nich Jacquemart de Hesdin, Jean Pucelle, artysta znany jako „Mistrz Bourcicaut” oraz bracia Limbourg. Les Tres Riches Heures du Duc de Berry (1412–1416) braci Limbourg stało się najsłynniejszym arcydziełem międzynarodowego stylu gotyckiego. Żywa paleta kolorów i realistyczne sceny z życia codziennego naznaczyły Tres Riches Heures, celebrując życie świeckie tak samo, jak satysfakcjonujące cel religijny.

Późniejsze wydarzenia – po gotyckiej sztuce i architekturze

Generalnie era gotyku zakończyła się wraz z nadejściem renesansu, ale jego koniec był nie jednolity, ponieważ architektura nadal od czasu do czasu używa tego stylu, jak widać w kaplicy króla Henryka VII, zbudowanej na początku XVI wieku, i gotyckiej bazylice San Patronino w Bolonii we Włoszech, ukończonej w 1658 roku.W malarstwie prace Giotta wywarły zauważalny wpływ zarówno na włoskich malarzy renesansowych, w tym na Masaccia i Michała Anioła, jak i na północnoeuropejskie iluminowane rękopisy i grafikę. Rzeźbiarze tacy jak Claus Sluter wywarli wpływ na artystów północnoeuropejskiego renesansu, w tym Rogera Van der Weydena i Albrechta Dürera.

W epoce romantyzmu artyści zaczęli cenić sztukę średniowieczną i malownicze ruiny, a styl gotycki odrodził się . Znany jako neogotyk, odrodzenie rozpoczęło się w Anglii w połowie XVIII wieku, a Horace Walpole’s Strawberry Hill House (1749) niedaleko Londynu jest znanym wczesnym przykładem. Styl rozprzestrzenił się w całej Anglii i jej koloniach, a także w Stanach Zjednoczonych. Historyk sztuki Kenneth Clark napisał o neogotyckim odrodzeniu: „Zmieniło to oblicze Anglii, budując i odrestaurowując kościoły w całym kraju i wypełniając nasze miasta gotyckimi bankami i sklepami spożywczymi, gotyckimi hotelami i firmami ubezpieczeniowymi, gotyckie wszystko z miasta z korytarza do publicznego domu w slumsach ”. Następnie sztuka i architektura gotycka wpłynęły zarówno na Bractwo Prerafaelitów, jak i na ruch Arts and Crafts, ponieważ średniowieczne wartości i rzemiosło były postrzegane jako pozytywne antidotum na industrializm XIX wieku. Pomysły znanego architekta AWN Pugina, który zaprojektował wnętrze Pałacu Westminsterskiego (1840-1876) i krytyk sztuki John Ruskin sprawili, że styl neogotycki dominował w epoce wiktoriańskiej.

We Francji rząd zlecił znanemu architektowi Eugène Viollet-le-Duc ocenę stan istniejących wcześniej budowli gotyckich, który doprowadził do jego odrestaurowania, a także ukończenia szeregu francuskich katedr gotyckich w latach 40. XIX w. Nowe kościoły w stylu neogotyckim powstały również, podobnie jak Bazylika św. Klotyldy (1857) w Paryżu.

Od czasu odrodzenia gotyku współczesna architektura nadal nawiązuje do stylu gotyckiego, ponieważ elementy projektu są włączane do nowoczesnych budynków lub ich renowacji, jak w Hof van Busleyden (2013), Market Hall w Gandawie (2011-2012), zarówno w Belgii, jak i Drents Archief (2010-2012) w Holandii.