Concerto no Ovo, Hieronymus Bosch, c. 1561

Introdução

A música renascentista é a música escrita na Europa durante a Renascença. O consenso entre os historiadores da música – com notável divergência – é iniciar a era por volta de 1400, com o fim da era medieval, e fechá-la por volta de 1600, com o início do período barroco, iniciando assim o Renascimento musical há cerca de cem anos após o início do Renascimento como entendido em outras disciplinas. Como nas outras artes, a música do período foi significativamente influenciada pelos desenvolvimentos que definem o início do período moderno: o surgimento do pensamento humanístico; a recuperação do patrimônio literário e artístico da Grécia e Roma antigas; maior inovação e descoberta; o crescimento da empresa comercial; a ascensão de uma classe burguesa; e a Reforma Protestante. Desta sociedade em mudança emergiu uma linguagem musical comum e unificadora, em particular o estilo polifônico da escola franco-flamenga.

A invenção da imprensa de Gutenberg tornou a distribuição de música e teoria musical possível em larga escala. A demanda por música como entretenimento e como atividade para amadores instruídos aumentou com o surgimento de uma classe burguesa. A disseminação de chansons, motetes e missas por toda a Europa coincidiu com a unificação da prática polifônica no estilo fluido que culminou na segunda metade do século XVI na obra de compositores como Palestrina, Lassus, Victoria e William Byrd. A estabilidade política relativa e a prosperidade nos Países Baixos, junto com um sistema florescente de educação musical em muitas igrejas e catedrais da área, permitiram o treinamento de centenas de cantores e compositores. Esses músicos eram muito procurados em toda a Europa, especialmente na Itália, onde igrejas e cortes aristocráticas os contratavam como compositores e professores. No final do século XVI, a Itália havia absorvido as influências do norte, com Veneza, Roma e outras cidades sendo centros de atividade musical, revertendo a situação de cem anos antes. A ópera surgiu nessa época em Florença como uma tentativa deliberada de ressuscitar a música da Grécia antiga.

A música, cada vez mais livre das restrições medievais, em amplitude, ritmo, harmonia, forma e notação, tornou-se um veículo para nova expressão pessoal. Os compositores encontraram maneiras de tornar a música expressiva dos textos que estavam criando. A música secular absorveu técnicas da música sacra e vice-versa. Formas seculares populares como a chanson e o madrigal se espalharam pela Europa. Os tribunais empregavam músicos virtuosos, tanto cantores quanto instrumentistas. A música também se tornou mais autossuficiente com sua disponibilidade na forma impressa, existindo por si mesma. Muitos instrumentos modernos familiares (incluindo violino, violão, alaúde e instrumentos de teclado) desenvolveram-se em novas formas durante o Renascimento, respondendo à evolução das ideias musicais, apresentando novas possibilidades para compositores e músicos explorarem. Também apareceram instrumentos de sopro e metais modernos, como o fagote e o trombone; estendendo a gama de cores e poder sônicos. Durante o século XV, o som de tríades completas tornou-se comum e, no final do século XVI, o sistema de modos de igreja começou a se decompor totalmente, dando lugar à tonalidade funcional que dominaria a música artística ocidental pelos três séculos seguintes. .

Chansonnier de Heinrich Isaac, 1484

De Na era da Renascença, tanto a música secular quanto a sagrada sobrevivem em quantidade, tanto vocal quanto instrumental. Uma enorme diversidade de estilos e gêneros musicais floresceu durante a Renascença e pode ser ouvida em gravações comerciais no século XXI, incluindo missas, motetos, madrigais, canções, canções acompanhadas, danças instrumentais e muitos outros. Numerosos conjuntos musicais antigos especializados em música do período oferecem tours de concertos e gravações, usando uma ampla gama de estilos interpretativos.

Uma das características mais marcantes da música artística do início do Renascimento europeu era a crescente confiança no intervalo do terceiro (na Idade Média, os terços eram considerados dissonâncias). A polifonia tornou-se cada vez mais elaborada ao longo do século XIV, com vozes altamente independentes: o início do século XV mostrou uma simplificação, com as vozes muitas vezes lutando pela suavidade. Isso foi possível devido a um grande aumento do alcance vocal na música – na Idade Média, o estreito alcance tornava necessário o cruzamento frequente das partes, exigindo, portanto, um maior contraste entre elas.

O modal (em oposição ao tonal As características da música renascentista começaram a se deteriorar no final do período, com o aumento do uso de movimentos de raiz de quintas.Posteriormente, isso se tornou uma das características definidoras da tonalidade.

As principais características da música renascentista são as seguintes:

• Música baseada em modos
• Textura mais rica em quatro ou mais partes
• Combinação em vez de fios de contraste na textura musical
• Harmonia com uma maior preocupação com o fluxo e a progressão dos acordes

A polifonia é uma das mudanças notáveis que marcam musicalmente o Renascimento desde a Idade Média. Seu uso incentivou o uso de conjuntos maiores e exigiu conjuntos de instrumentos que se misturassem em toda a extensão vocal.

As principais formas litúrgicas que perduraram durante todo o período da Renascença foram as missas e os motetos, com alguns outros desenvolvimentos em direção o fim, especialmente quando os compositores de música sacra começaram a adotar formas seculares (como o madrigal) para seus próprios projetos.

Os gêneros sagrados comuns eram a missa, o moteto, o madrigale spirituale e o laude.

Motetos de Cyprien de Rore ilustrados por Hans Mielich

Durante o período, a música secular teve uma distribuição crescente, com uma grande variedade de formas, mas é preciso ter cuidado para não assumir uma explosão na variedade: uma vez que a impressão tornou a música mais amplamente disponível, muito mais sobreviveu desta época do que da anterior era medieval, e provavelmente um rico estoque de música popular do final da Idade Média, é irrecuperável perdida.

A música secular era música independente de igrejas. Os principais tipos eram o Lied alemão, o frottola italiano, o chanson francês, o madrigal italiano e o villancico espanhol. Outros gêneros vocais seculares incluíram caccia, rondeau, virelai, bergerette, balada, musique mesurée, canzonetta, villanella, villotta e a canção de alaúde. Formas mistas como o moteto-chanson e o moteto secular também apareceram.

A música puramente instrumental incluía música consorte para flauta doce ou violão e outros instrumentos, e danças para vários conjuntos. Os gêneros instrumentais comuns foram a tocata, prelúdio, ricercar e canzona. As danças executadas por conjuntos instrumentais incluíam basse danse, tourdion, saltarello, pavane, galliard, allemande, courante, bransle, canarie e lavolta. Música de vários gêneros pode ser arranjada para um instrumento solo, como alaúde, vihuela, harpa ou teclado. Esses arranjos eram chamados de intabulações.

No final do período, os primeiros precursores dramáticos da ópera, como a monodia, a comédia madrigal e o intermedio, são vistos.

Teoria e notação

De acordo com Margaret Bent, “a notação renascentista não é prescrita por nossos padrões; quando traduzida para a forma moderna, adquire um peso prescritivo que especifica demais e distorce sua abertura original.”

Ockeghem, Kyrie “Au travail suis,” excerto

Essas diferentes permutações eram chamadas de “tempus perfeito / imperfeito” no nível da relação breve – semibreve, “prolação perfeita / imperfeita” no nível da semibreve – minim, e existiam em todas as combinações possíveis entre si. Três para um foi chamado de “perfeito” e dois para um “imperfeito”. Também existiam regras segundo as quais notas únicas podiam ser divididas pela metade ou dobradas de valor (“imperfeitas” ou “alteradas”, respectivamente) quando precedidas ou seguidas por outras notas certas. As notas com pontas pretas (como semínimas) ocorreram com menos frequência. Este desenvolvimento da notação mensural branca pode ser resultado do aumento do uso de papel (em vez de velino), já que o papel mais fraco era menos capaz de suportar os arranhões necessários para preencher cabeçotes de notas sólidos; a notação de tempos anteriores, escrita em pergaminho, era preta. Outras cores e, posteriormente, notas preenchidas, foram usadas rotineiramente também, principalmente para reforçar as imperfeições ou alterações mencionadas e para solicitar outras mudanças rítmicas temporárias.

Acidentes nem sempre foram especificados, como em certas notações de dedilhado (tablaturas) hoje.No entanto, os músicos da Renascença teriam sido altamente treinados em contraponto diádico e, portanto, possuíam esta e outras informações necessárias para ler uma partitura, “o que a notação moderna requer seria então perfeitamente aparente sem a notação para um cantor versado em contraponto”. Um cantor interpretaria sua parte imaginando fórmulas cadenciais com outras partes em mente e, ao cantar juntos, os músicos evitariam oitavas e quintas paralelas ou alterariam suas partes cadenciais à luz das decisões de outros músicos.

É é por meio de tablaturas contemporâneas para vários instrumentos dedilhados que ganhamos muitas informações sobre quais acidentes foram realizados pelos praticantes originais.

Para obter informações sobre teóricos específicos, consulte Johannes Tinctoris, Franchinus Gaffurius, Heinrich Glarean, Pietro Aron, Nicola Vicentino, Tomás de Santa María, Gioseffo Zarlino, Vicente Lusitano, Vincenzo Galilei, Giovanni Artusi, Johannes Nucius e Pietro Cerone.