Vamos começar com o último. Os direitos autorais da gravação de som são propriedade dos artistas e de suas gravadoras. Existem outras distinções entre os diferentes tipos de licenças de gravação de som que geram royalties, como direitos de execução (para a reprodução de uma música em formatos como serviços de streaming, rádio AM / FM, rádio por satélite e rádio na Internet) e direitos de reprodução (para vendas de material físico CDs ou arquivos de música digital) e direitos de sincronização (para uso de música em filmes, televisão e outras mídias) – mas na maioria das vezes, o que importa é que esses direitos autorais pertencem apenas aos artistas e a qualquer gravadora por trás deles.

Essas festas podem não ter nada a ver com as pessoas que escrevem as letras e a melodia da música e, portanto, detêm os direitos autorais da composição. Às vezes, eles são o mesmo e, nesse caso, o sortudo obtém o dobro do fluxo de caixa. Se eles forem separados – como é o caso com a maioria das canções pop e sucessos no topo das paradas – os direitos autorais da gravação de som são divididos entre artistas e gravadoras, enquanto os direitos autorais da composição são divididos entre os compositores e editores envolvidos. No caso de “Big Yellow Taxi” do Counting Crows, por exemplo, a banda recebe royalties da gravação de som, mas Joni Mitchell, a compositora original da música, recebe royalties da composição.

Na maioria das vezes, quando alguém ouve uma música, os dois tipos de direitos autorais surgem, gerando dois conjuntos de royalties que são pagos às respectivas partes. Aqui está um gráfico útil, elaborado pela equipe de pesquisa do Citigroup em um relatório recente sobre finanças musicais, que mostra como os dois tipos de direitos autorais geram e recebem dinheiro:

… e obtendo essa música Reproduzida

Vamos analisar as formas mais populares pelas quais os ouvintes realmente contribuem com dinheiro para os criadores de música: quando alguém compra uma música no iTunes, Google Play ou qualquer outra loja digital, o dinheiro dessa venda é pago aos criadores através de ambos os direitos autorais – composição e gravação de som – com as taxas dependendo do tamanho da etiqueta, tamanho do distribuidor e aposta de negociações específicas entre os dois, bem como quaisquer outras partes intermediárias envolvidas. (Às vezes, as gravadoras trabalham com agentes que podem licenciar catálogos maiores de uma só vez, economizando tempo e problemas, mas cobrando uma taxa extra.)

O mesmo pagamento duplo de direitos autorais acontece essencialmente no caso de streaming sob demanda , bem como quando uma música é tocada em empresas e varejistas, sejam supermercados, hospitais ou no fundo do site de uma startup. A porcentagem específica de pagamentos nessas negociações depende do tipo de serviço e do poder de negociação de todos os nomes envolvidos.

Colocar música em filmes, televisão e comerciais, também conhecido como “sincronização”, envolve uma licença negociada entre o conteúdo produtores e editores / compositores. Uma taxa é paga antecipadamente, e os royalties também são pagos assim que o filme ou programa de televisão específico for distribuído e transmitido. As licenças de sincronização podem ser lucrativas e, porque a maioria dos cineastas geralmente escolhe a música com base em seus próprios caprichos, em vez de o que está no topo das paradas também serve como uma plataforma de descoberta decente para atos ilegais.

O processo é ainda mais diferente para serviços de rádio, que normalmente usam licenças em estilo buffet. que determinam as taxas de pagamento em grande escala. E há uma distinção importante feita nas regras atuais de direitos autorais entre transmissão de rádio (AM / FM) e rádio na Internet (Pandora, SiriusXM, outras rádios por satélite e webcasters): As emissoras de rádio terrestre não precisam pagar aos proprietários dos direitos autorais da gravação de som, enquanto o segundo grupo sim. Essa diferença – que a indústria da música em grande parte considera uma brecha injusta – significa que sempre que uma música é tocada no rádio, ela só dá dinheiro para seus escritores, não para os artistas. Assim, sempre que “Big Yellow Taxi” do Counting Crows é tocada em rádio AM ou FM, apenas Joni Mitchell é pago e a banda não ganha nada.

Performing Music Live

Os eventos ao vivo estão rapidamente se transformando no espaço mais lucrativo para os músicos na era da música digital, e por um bom motivo: conforme os ouvintes são inundados com acesso barato à música fornecida por serviços de streaming, fãs de música dedicados anseiam por experiências mais íntimas com seus artistas favoritos. É por isso que as turnês estão ficando maiores e os festivais de música atraem multidões ridículas, mesmo que suas formações sejam todas iguais. É também por isso que empresas de shows e ingressos como a Live Nation estão crescendo loucamente.

Embora as vendas de álbuns diminuam e as transmissões paguem apenas frações de centavo de cada vez, os shows ao vivo – sejam turnês, festivais ou shows únicos – estão alcançando alguns dos preços de ingressos mais altos de todos os tempos.

Publicidade

No apogeu do pop e do rock, os músicos raramente queriam ser associados a marcas corporativas, mas isso está mudando com a ascensão do rap como o gênero mais popular da América. Parcerias de marca oferecem aos artistas a capacidade de patrocinar ou endossar uma marca de que possam gostar genuinamente e obter acesso a um fluxo de receita adicional enquanto estão nisso. Outra forma de os músicos encontrarem dinheiro extra é a monetização do YouTube, em que os vídeos do YouTube compartilham o lucro dos anúncios que vêm marcados com eles. O “Gangnam Style” de Psy supostamente arrecadou US $ 2 milhões com 2 bilhões de visualizações no YouTube. O chefe de música do YouTube, Lyor Cohen, escreveu em um blog no ano passado que a taxa de pagamento do YouTube nos Estados Unidos chega a US $ 3 por 1000 streams. > Moda, merchandising e outras vendas diretas

Vender produtos não musicais, como perfumes, parafernália e linhas de roupas é uma estratégia fácil de ganhar dinheiro da qual os artistas têm aproveitado há décadas, mas na era digital , os músicos também podem ser criativos com seus métodos, expandindo muito além das tendas de mercadorias tradicionais em shows e pôsteres em um site.

Os artistas também estão começando a pedir dinheiro diretamente ao público – por meio de crowdfunding ou criando canais personalizados de comunicação com os fãs, fora das plataformas de mídia social, como Instagram e Twitter. A estrela do Voice, Angie Johnson, arrecadou cerca de US $ 36.000 no Kickstarter para gravar um próximo álbum, por exemplo. Mais grupos estão lançando aplicativos dedicados ou pacotes de assinatura para sua música ou venda de produtos sob medida, como festivais com curadoria de artistas, assinaturas de e-mail e lançamentos de música limitados. Pitbull tem seu próprio cruzeiro.

Então – onde está todo o dinheiro?

Todas as opções acima não são de forma alguma uma lista abrangente de maneiras que os artistas modernos ganham dinheiro; tenha em mente que agora também é mais fácil do que nunca mudar de faixa e se tornar um produtor ou escritor da música de outra pessoa, como é o caso da jornada de Bebe Rexha da composição para a gravação ou do R & Mudança dos hitmakers de B para a indústria K-pop da Coréia do Sul (o que complica as divisões de royalties ao envolver a lei de direitos autorais do exterior, mas ainda assim traz um dinheiro significativo) O grande número de fontes de receita diferentes disponíveis para os músicos é maior do que nunca.

E, no entanto, o artista moderno médio ainda precisa de dinheiro.

Por pesquisas recentes segundo estimativas, os músicos americanos levam para casa apenas um décimo das receitas da indústria nacional. Uma razão para uma porcentagem tão escassa é que os serviços de streaming – enquanto revigoram a indústria da música em geral – não são lucrativos para os artistas, a menos que sejam nomes no topo das paradas, como Drake ou Cardi B. De acordo com um arquivamento de empresa do Spotify, a média de os pagamentos de fluxo da empresa estão entre $ 0,006 e $ 0,0084; os números da Apple Music, YouTube Music, Deezer e outros serviços de streaming são comparáveis. Isso cria uma situação em que o vencedor leva tudo em que grandes artistas pegam milhões e os pequenos não podem ganhar um salário mínimo. Não é nada novo – pode-se argumentar que essa era a dinâmica em quase todas as épocas da música passada – mas os números são mais dramáticos do que antes.

Outro motivo: o grande número de corretores, intermediários e outros jogadores em a indústria da música, conforme detalhado acima. E isso sem mencionar a caixa preta de royalties na era do streaming, um poço de dinheiro não pago que ainda não chegou aos artistas por causa de metadados defeituosos ou má comunicação entre os vários serviços envolvidos em relatar os números adequados; seu valor foi estimado em bilhões. “Quando você acaba rastreando todos os dólares, cerca de 10% deles são capturados pelo artista.” Isso é incrivelmente baixo ”, disse o pesquisador de mídia, cabo e satélite do Citigroup, Jason Bazinet, à Rolling Stone. “Esses jovens artistas – vocês nem entendem os detalhes sangrentos da indústria da música ou como os dólares fluem. Você realmente não vai ganhar muito dinheiro. Há uma quantidade inacreditável de vazamento em todo o negócio.”

Boas notícias: a indústria da música agora aceitou o streaming como seu líder de receita e está pronta para se adaptar a isso, com muitos analistas e especialistas esperando que o os negócios irão se simplificar – com reformulações de leis, novas negociações de royalties, fusões, aquisições e consolidações – em algo mais enxuto e, finalmente, mais lucrativo para os músicos. Más notícias: ninguém sabe quando será.