por Ryan Uytdewilligen

Em suma, um Auteur é um artista que aplica um alto controle estilístico sobre sua arte. No caso do Auture Filmmaking, esse seria o diretor.

Na história do cinema, a maioria dos cinéfilos aponta os cineastas de autor como fonte de inspiração. Scorsese, Kubrick, Lynch, Burton, Kurosawa, Mallick, os mesmos nomes aparecem repetidamente por um motivo. Eles têm uma identidade cinematográfica que irradia por meio de seu trabalho, seja um cenário repetitivo ou um tema recorrente.

É fácil identificar um filme de Wes Anderson porque ele tem sua equipe de regulares (como Owen Wilson e Bill Murray ) na tela. Sua paleta selvagem de cores brilhantes facilmente o identifica como um universo maluco, quase surreal, que só ele poderia criar. Ele é tão bom em transmitir sua visão que as pessoas sempre voltam para mais.

Esse é o sinal do cineasta autor: controle criativo para um produto final pessoal que ressoa com o espírito da época.

A HISTÓRIA

A teoria do cinema de autor começou na França dos anos 1940 como um método rápido e de baixo orçamento para fazer um filme. Embora o termo “teoria do autor” tenha sido cunhado pelo crítico de cinema americano Andrew Sarris, a teoria surgiu das ideias de Andrè Bazin e Alexandre Astruc – dois teóricos que vincularam a dívida e as consequências da Segunda Guerra Mundial ao processo de fazer filmes mais pessoais por qualquer meio Bazin promoveu a ideia do estilo caméra-stylo (“caneta-câmera”), insistindo que o diretor encarregado de redigir a ideia, bloqueando o cenário e transmitindo a mensagem geral é o verdadeiro autor do filme. Com muito a dizer e poucas oportunidades de financiamento, a teoria do autor tornou-se bem praticada no mundo do cinema de baixo orçamento da Europa.

Até então (e até o final dos anos 60 em Hollywood), o sistema de estúdio apenas designava diretores de aluguel como George Cukor ou Frank Capra para seu último projeto. O chefe do estúdio mastigador de charutos conduziu a visão definitiva. É por isso que um selo de direção é raro em filmes mais antigos.

No entanto, houve algumas exceções, como o grande Charlie Chaplin. Após trilhar seu caminho até o estrelato através dos filmes de Mack Sennett, ele recebeu o controle criativo que o levou a escrever, estrelar, projetar a produção e editar seu próprio trabalho. Um imenso impulso criativo exibiu seu gênio cômico e cimentou seu nome na história do cinema.

Embora os nomes dos diretores tenham se tornado maiores e a escolha do projeto do filme se tornado mais branda, não foi verdadeiramente até a Nova Vaga francesa dos 1950, quando o amor por cineastas autores e a semelhança da teoria do autor na prática decolaram.

Dois dos pioneiros mais notáveis incluíram François Truffaut e Jean-Luc Godard, que começaram suas carreiras com teorias sobre o assunto. Mais tarde, eles criaram ondas com seu baixo orçamento, trabalho rápido que quebrou todas as regras quando se tratava de sexo, história e violência. Seus temas nunca teriam sido permitidos nos filmes convencionais, então suas filmagens do tipo guerrilha utilizavam cenários reais, atores desconhecidos e liberdade para explorar o que queriam; o financiamento veio de doações mínimas, então eles não tinham ninguém a quem aderir a não ser eles próprios para obter conteúdo.

O próximo lote de jovens cineastas de olhos arregalados estava assistindo: Martin Scorsese, Steven Spielberg, Brian De Palma, Peter Bogdanovich , William Friedkin e muitos outros “invadiram os portões” e contornaram o sistema do estúdio. Eles exploraram temas mais sombrios mais perto deles – permanecendo fiéis à sua visão original, não importa o quão violento ou estranho possa ter parecido. Ressoando com uma vasta variedade de o público, vozes mais fortes e mais altas agora levavam Hollywood a acomodar sonhadores únicos por meio da teoria do autor. Agora está em debate e escolha pessoal o que torna um verdadeiro autor.

Alguns dos maiores incluem lendas como Alfred Hitchcock, cujo trabalho é facilmente identificável devido à exploração do suspense basicamente no mesmo gênero, embora ele não tenha escrito a maior parte de seu trabalho. Por outro lado, o cineasta independente Richard Linklater escreveu, dirigiu e produziu todos os seus especial, mas adapta seu estilo a gêneros diferentes. Talvez a melhor posição para cineastas autores seja saber onde traçar a linha de envolvimento e saber exatamente quais são seus pontos fortes.

TORNANDO-SE UM AUTOR

Mas como chegar a este ponto cobiçado em sua carreira? Parece que Stanley Kubrick nasceu com ideias distintas que o lançaram na frente do pelotão do cinema. A jornada pode ser longa, mas quanto mais material você escreve e produz, mais chances você ganha de desenvolver sua própria voz.

Agora é o momento mais fácil para fazer isso, porque você não precisa seguir padrões de estúdio para financiamento ou mesmo equipamento. Os filmes podem até ser filmados em telefones celulares, dando ao cineasta controle total para projetar a história e a cena.Orçamentos mais baixos dão aos artistas mais liberdade, que é o lugar perfeito para explorar temas, estilos e, o mais importante, espaço para praticar.

Quando pensamos em cineastas que conhecemos e amamos, geralmente é o primeiro trabalho que sobressai fora como o mais notável ou melhor absoluto. O primeiro longa-metragem de Steven Soderbergh, Sex, Lies and Videotape (1989) levou para casa a Palme d’Or, enquanto Reservoir Dogs (1992) de Quentin Tarantino deu o tom para sua série de aventuras criminais sangrentas, mas engraçadas. Por mais assustador que a grandeza inspiradora possa ser, todos esses mestres começaram com um simples desejo interior de contar histórias e um ponto de vista a partir do qual contá-las.

A teoria do autor não é um golpe contra a colaboração, mas é uma meta pela qual os jovens artistas se empenham. Nada é mais satisfatório do que explorar temas e técnicas pessoais no meio cinematográfico. Criar seu próprio selo pessoal é uma jornada, mas gratificante, que pode ser obtida aprimorando sua arte.