Concert în ou, Hieronymus Bosch, c. 1561

Introducere

Muzica Renașterii este muzică scrisă în Europa în timpul Renașterii. Consensul dintre istoricii muzicii – cu o deosebită disidență – a fost să înceapă era în jurul anului 1400, odată cu sfârșitul erei medievale și să o închidă în jurul anului 1600, cu începutul perioadei baroce, începând prin urmare Renașterea muzicală aproximativ o sută de ani după începutul Renașterii așa cum este înțeles în alte discipline. Ca și în celelalte arte, muzica perioadei a fost influențată semnificativ de evoluțiile care definesc perioada modernă timpurie: ascensiunea gândirii umaniste; recuperarea patrimoniului literar și artistic din Grecia și Roma antice; inovare și descoperire sporite; creșterea întreprinderii comerciale; ascensiunea unei clase burgheze; și Reforma protestantă. Din această societate în schimbare a apărut un limbaj muzical comun, unificator, în special stilul polifonic al școlii franco-flamande.

Invenția presei Gutenberg a făcut posibilă distribuția muzicii și a teoriei muzicale la scară largă. Cererea de muzică ca divertisment și ca activitate pentru amatorii educați a crescut odată cu apariția unei clase burgheze. Diseminarea de chanson-uri, motete și mase în întreaga Europă a coincis cu unificarea practicii polifonice în stilul fluid care a culminat în a doua jumătate a secolului al XVI-lea în opera compozitorilor precum Palestrina, Lassus, Victoria și William Byrd. Relativa stabilitate politică și prosperitate în Țările de Jos, împreună cu un sistem înfloritor de educație muzicală în numeroasele biserici și catedrale din zonă, au permis formarea a sute de cântăreți și compozitori. Acești muzicieni erau foarte căutați în toată Europa, în special în Italia, unde bisericile și curțile aristocratice i-au angajat ca compozitori și profesori. Până la sfârșitul secolului al XVI-lea, Italia a absorbit influențele nordice, Veneția, Roma și alte orașe fiind centre de activitate muzicală, inversând situația cu o sută de ani mai devreme. Opera a apărut în acest moment la Florența ca o încercare deliberată de a reînvia muzica Greciei antice.

Muzica, eliberată din ce în ce mai mult de constrângerile medievale, în raza, ritmul, armonia, forma și notația, a devenit un vehicul pentru expresie personală nouă. Compozitorii au găsit modalități de a face muzica expresivă a textelor pe care le pregăteau. Muzica seculară a absorbit tehnici din muzica sacră și invers. Forme seculare populare precum chanson și madrigal s-au răspândit în toată Europa. Instanțele au angajat interpreți virtuoși, atât cântăreți, cât și instrumentiști. Muzica a devenit, de asemenea, mai autosuficientă, cu disponibilitatea sa în formă tipărită, existând de dragul ei. Multe instrumente moderne familiare (inclusiv vioara, chitara, lăuta și instrumentele de tastatură), s-au dezvoltat în noi forme în timpul Renașterii, răspunzând evoluției ideilor muzicale, prezentând posibilități suplimentare pentru compozitori și muzicieni de explorat. Au apărut și instrumente moderne de suflat din lemn și alamă, precum fagotul și trombonul; extinderea gamei de culoare și putere sonore. În secolul al XV-lea, sunetul unor triade complete a devenit obișnuit și, spre sfârșitul secolului al XVI-lea, sistemul modurilor bisericești a început să se descompună în întregime, dând loc tonalității funcționale care urma să domine muzica de artă occidentală pentru următoarele trei secole. .

Chansonnier de Heinrich Isaac, 1484

De la epoca Renașterii, atât muzica seculară, cât și cea sacră supraviețuiește în cantitate, atât vocală, cât și instrumentală. O diversitate enormă de stiluri și genuri muzicale a înflorit în timpul Renașterii și poate fi auzită pe înregistrări comerciale din secolul al XXI-lea, inclusiv mase, motete, madrigale, chanson-uri, cântece însoțite, dansuri instrumentale și multe altele. Numeroase ansambluri de muzică timpurie specializate în muzica din acea perioadă organizează turnee de concerte și realizează înregistrări, utilizând o gamă largă de stiluri interpretative.

Una dintre cele mai pronunțate trăsături ale muzicii de artă europene a Renașterii timpurii a fost dependența tot mai mare de intervalul celui de-al treilea (în Evul Mediu, treimile fuseseră considerate disonanțe). Polifonia a devenit din ce în ce mai elaborată de-a lungul secolului al XIV-lea, cu voci extrem de independente: începutul secolului al XV-lea a arătat simplificare, cu vocile care se străduiau deseori să obțină o netezime. Acest lucru a fost posibil din cauza unei game vocale mult crescute în muzică – în Evul Mediu, gama îngustă făcea necesară traversarea frecventă a părților, necesitând astfel un contrast mai mare între ele.

Modalul (spre deosebire de ton ) caracteristicile muzicii renascentiste au început să se descompună spre sfârșitul perioadei odată cu utilizarea sporită a mișcărilor radiculare ale cincimilor.Aceasta s-a dezvoltat ulterior într-una dintre caracteristicile definitorii ale tonalității.

Principalele caracteristici ale muzicii renascentiste sunt următoarele:

• Muzică bazată pe moduri
• Textură mai bogată în patru sau mai multe părți
• Amestecarea mai degrabă decât fire contrastante în textura muzicală
• Armonia cu o preocupare mai mare cu fluxul și progresia acordurilor

Polifonia este una dintre schimbările notabile care marchează Renașterea din Evul Mediu pe plan muzical. Utilizarea acestuia a încurajat utilizarea unor ansambluri mai mari și a cerut seturi de instrumente care să se amestece între ele în întreaga gamă vocală.

Principalele forme liturgice care au rezistat pe parcursul întregii perioade renascentiste au fost masele și motetele, cu alte evoluții către sfârșitul, mai ales că compozitorii de muzică sacră au început să adopte forme seculare (cum ar fi madrigalul) pentru propriile lor modele.

Genurile sacre obișnuite au fost masa, motetul, madrigale spirituale și laude.

Motetele din Cyprien de Rore ilustrate de Hans Mielich

În această perioadă, muzica seculară a avut o distribuție din ce în ce mai mare, cu o mare varietate de forme, dar trebuie să fii precaut cu privire la presupunerea unei explozii în varietate: deoarece tipărirea a făcut muzica mai disponibilă, a supraviețuit mult mai mult din această epocă decât din precedentele epoca medievală și probabil un magazin bogat de muzică populară din Evul Mediu târziu este irretrievab s-a pierdut.

Muzica seculară era o muzică independentă de biserici. Principalele tipuri au fost Liedul german, frottola italiană, chanson-ul francez, madrigalul italian și villancico spaniol. Alte genuri vocale seculare au inclus caccia, rondeau, virelai, bergerette, baladă, musique mesurée, canzonetta, villanella, villotta și cântecul de lăută. Au apărut și forme mixte, cum ar fi motetul-chanson și motetul secular.

Muzica pur instrumentală a inclus muzică consortă pentru flaută sau viol și alte instrumente și dansuri pentru diferite ansambluri. Genurile instrumentale obișnuite au fost tocata, preludiul, cercetătorul și canzona. Dansurile jucate de ansamblurile instrumentale au inclus basse danse, tourdion, saltarello, pavane, galliard, allemande, courante, bransle, canarie și lavolta. Muzica de mai multe genuri ar putea fi aranjată pentru un instrument solo, cum ar fi lăuta, vihuela, harpa sau tastatura. Astfel de aranjamente au fost numite intabulații.

Spre sfârșitul perioadei, sunt văzuți primii precursori dramatici ai operei, cum ar fi monodia, comedia madrigală și intermedio.

Teorie și notație

Potrivit lui Margaret Bent, „notația renascentistă este subprescriptivă în conformitate cu standardele noastre; atunci când este tradusă în formă modernă, ea capătă o greutate prescriptivă care supra-specifică și distorsionează deschiderea inițială.”

Ockeghem, Kyrie „Au travail suis” extras

Aceste permutări diferite au fost numite „tempus perfect / imperfect” la nivelul relației breve – semibreve, „perfecțiune perfectă / imperfectă” la nivelul semibreve-minim și au existat în toate combinațiile posibile între ele. Trei la unu a fost numit „perfect” și doi la unu „imperfect”. Au existat, de asemenea, reguli prin care notele singure puteau fi înjumătățite sau dublate în valoare („imperfectate” sau „modificate”, respectiv) atunci când sunt precedate sau urmate de alte note. Notele cu capete negre (cum ar fi notele de sfert) au apărut mai rar. Această dezvoltare a notației mensurale albe poate fi rezultatul utilizării sporite a hârtiei (mai degrabă decât a velinei), deoarece hârtia mai slabă era mai puțin capabilă să reziste la zgârierea necesară pentru a umple capetele solide; notația timpurilor anterioare, scrisă pe pergament, fusese neagră. Alte culori și, ulterior, note completate, au fost folosite în mod obișnuit, de asemenea, în principal pentru a impune imperfecțiunile sau modificările menționate anterior și pentru a solicita alte modificări ritmice temporare.

Accidentalele nu au fost întotdeauna specificate, oarecum ca în anumite notații cu degetul (tablaturile) astăzi.Cu toate acestea, muzicienii Renașterii ar fi fost foarte pregătiți în contrapunct diadic și ar fi posedat astfel această informație și alte informații necesare pentru a citi o partitură, „ceea ce necesită notația modernă ar fi fost apoi evident fără o notare pentru un cântăreț versat în contrapunct”. Un cântăreț și-ar interpreta partea făcând formule cadențiale având în vedere alte părți, iar atunci când cântă împreună muzicienii ar evita octave și cincimi paralele sau își vor modifica părțile cadențiale în lumina deciziilor altor muzicieni.

prin intermediul tablaturilor contemporane pentru diverse instrumente smulse, am obținut multe informații despre acțiunile accidentale efectuate de practicienii originali.

Pentru informații despre teoreticieni specifici, a se vedea Johannes Tinctoris, Franchinus Gaffurius, Heinrich Glarean, Pietro Aron, Nicola Vicentino, Tomás de Santa María, Gioseffo Zarlino, Vicente Lusitano, Vincenzo Galilei, Giovanni Artusi, Johannes Nucius și Pietro Cerone.