Konsert i ägget, Hieronymus Bosch, c. 1561

Inledning

Renässansmusik är musik skriven i Europa under renässansen. Samförstånd bland musikhistoriker – med anmärkningsvärd oenighet – har varit att börja eran omkring 1400, med slutet av medeltiden, och att stänga den omkring 1600, med början av barockperioden, och därför började den musikaliska renässansen cirka hundra år. efter början av renässansen som förstås i andra discipliner. Precis som inom andra konster påverkades tidens musik väsentligt av den utveckling som definierar den tidiga moderna perioden: uppkomsten av det humanistiska tänkandet; återhämtningen av det litterära och konstnärliga arvet i antika Grekland och Rom; ökad innovation och upptäckt; tillväxten av kommersiellt företag; uppkomsten av en borgerlig klass; och den protestantiska reformationen. Ur detta föränderliga samhälle framkom ett gemensamt, förenande musikalspråk, särskilt den polyfoniska stilen i den fransk-flamländska skolan.

Uppfinningen av Gutenberg-pressen möjliggjorde distribution av musik och musikteori i stor skala. Efterfrågan på musik som underhållning och som aktivitet för utbildade amatörer ökade med uppkomsten av en borgerlig klass. Spridning av chansons, motetter och massor i hela Europa sammanföll med föreningen av polyfonisk praxis till den flytande stilen som kulminerade under andra hälften av 1500-talet i kompositörers arbete som Palestrina, Lassus, Victoria och William Byrd. Relativ politisk stabilitet och välstånd i de låga länderna, tillsammans med ett blomstrande system för musikutbildning i områdets många kyrkor och katedraler, tillät utbildning av hundratals sångare och kompositörer. Dessa musiker var mycket eftertraktade i hela Europa, särskilt i Italien, där kyrkor och aristokratiska domstolar anlitade dem som kompositörer och lärare. I slutet av 1500-talet hade Italien absorberat de norra influenserna, där Venedig, Rom och andra städer var centrum för musikalisk aktivitet, vilket vänt situationen från hundra år tidigare. Opera uppstod vid denna tid i Florens som ett medvetet försök att återuppliva musiken från det antika Grekland.

Musik, alltmer befriad från medeltida begränsningar, inom räckvidd, rytm, harmoni, form och notation, blev ett medel för nytt personligt uttryck. Kompositörer hittade sätt att göra musik uttrycksfullt för de texter de satt. Sekulär musik absorberade tekniker från helig musik och vice versa. Populära sekulära former som chanson och madrigal sprids över hela Europa. Domstolar anställde virtuosa artister, både sångare och instrumentalister. Musik blev också mer självförsörjande med dess tillgänglighet i tryckt form, existerande för sin egen skull. Många välbekanta moderna instrument (inklusive violin, gitarr, lute och keyboardinstrument) utvecklades till nya former under renässansen som svarade på utvecklingen av musikidéer och presenterade ytterligare möjligheter för kompositörer och musiker att utforska. Moderna träblås- och mässingsinstrument som fagott och trombon uppträdde också; utökar utbudet av ljudfärg och kraft. Under det femtonde århundradet blev ljudet av fulla triader vanligt, och mot slutet av 1500-talet började systemet med kyrkans sätt att bryta ner helt och vika för den funktionella tonaliteten som skulle dominera västerländsk konstmusik under de kommande tre århundradena. .

Chansonnier av Heinrich Isaac, 1484

Från renässansåldern överlever både sekulär och helig musik i kvantitet och både sång och instrumental. En enorm mångfald av musikstilar och genrer blomstrade under renässansen och kan höras på kommersiella inspelningar under det tjugoförsta århundradet, inklusive massor, motetter, madrigaler, chansons, ackompanjemang, instrumentala danser och många andra. Många tidiga musikensembler som specialiserat sig på tidens musik ger konsertturnéer och gör inspelningar med ett brett utbud av tolkningsstilar.

Ett av de mest framträdande inslagen i europeisk konstmusik från tidig renässans var det ökande beroende av intervall av den tredje (under medeltiden hade tredjedelar betraktats som dissonanser). Polyfoni blev alltmer utarbetad under hela det fjortonde århundradet, med mycket oberoende röster: början av det femtonde århundradet visade förenkling, med rösterna ofta strävar efter jämnhet. Detta var möjligt på grund av ett kraftigt ökat röstomfång i musik – under medeltiden gjorde det smala intervallet nödvändiga frekventa korsningar av delar, vilket krävde en större kontrast mellan dem.

Modalen (i motsats till tonal ) karaktäristiken för renässansmusik började bryta ner mot slutet av perioden med den ökade användningen av rotrörelser från femtedelar.Detta utvecklades senare till en av de definierande egenskaperna hos tonalitet.

Renässansmusikens huvudegenskaper är följande:

• Musik baserad på lägen
• Rikare konsistens i fyra eller flera delar
• Blandning snarare än kontrasterande delar i den musikaliska strukturen
• Harmoni med större intresse för ackordens flöde och progression

Polyfoni är en av de anmärkningsvärda förändringarna som musikaliskt markerar renässansen från medeltiden. Användningen uppmuntrade användningen av större ensembler och krävde uppsättningar instrument som skulle smälta samman över hela vokalområdet.

De viktigaste liturgiska formerna som varade under hela renässansperioden var massor och motetter, med några andra utvecklingar mot slutet, särskilt när kompositörer av helig musik började anta sekulära former (som madrigalen) för sina egna mönster.

Vanliga heliga genrer var massan, motetten, madrigale spirituale och laude.

Cyprien de Rores moteter illustrerade av Hans Mielich

Under perioden hade sekulär musik en ökande spridning med många olika former, men man måste vara försiktig med att anta en explosion i variation: eftersom tryckning gjorde musik mer tillgänglig har mycket mer överlevt från denna tid än från föregående medeltida tid, och förmodligen en rik butik med populärmusik från slutet av medeltiden är irretrievab förlorade.

Sekulär musik var musik som var oberoende av kyrkor. Huvudtyperna var tyska Lied, italiensk frottola, fransk chanson, italiensk madrigal och spansk villancico. Andra sekulära sånggenrer inkluderade caccia, rondeau, virelai, bergerette, ballade, musique mesurée, canzonetta, villanella, villotta och lutesången. Blandade former som motet-chanson och den sekulära motetten dök också upp.

Rent instrumental musik inkluderade konsortmusik för inspelare eller viol och andra instrument och danser för olika ensembler. Vanliga instrumentgenrer var toccata, prelude, ricercar och canzona. Danser spelade av instrumentala ensembler inkluderade basse danse, tourdion, saltarello, pavane, galliard, allemande, courante, bransle, canarie och lavolta. Musik av många genrer kan arrangeras för ett soloinstrument som lute, vihuela, harpa eller keyboard. Sådana arrangemang kallades intabulationer.

Mot slutet av perioden ses de tidiga dramatiska föregångarna till opera som monodi, madrigalkomedin och mellanmediet.

Teori och notation

Enligt Margaret Bent är ”renässansnotation underskriven av våra standarder. När den översätts till modern form får den en receptvikt som överspecificerar och snedvrider dess ursprungliga öppenhet.”

Ockeghem, Kyrie ”Au travail suis,” utdrag

Dessa olika permutationer kallades ”perfekt / ofullkomligt tempus” på förhållandet mellan bryg och semibreve, ”perfekt / ofullkomlig spridning” på nivån av semibre-minim, och fanns i alla möjliga kombinationer med varandra. Tre-mot-en kallades ”perfekt” och två-till-en ”ofullkomlig.” Det fanns också regler där enskilda toner kunde halveras eller fördubblas i värde (”ofullkomliga” respektive ”ändrade”) när de föregicks eller följdes av andra vissa toner. Anteckningar med svarta anteckningshuvuden (t.ex. kvartnot) inträffade mindre ofta. Denna utveckling av vit mensural notation kan vara ett resultat av den ökade användningen av papper (snarare än velum), eftersom det svagare papperet var mindre kapabelt att klara de repor som krävs för att fylla i fasta sedlar; tidigare tider, skrivna på veläng, hade varit svart. Andra färger, och senare, ifyllda anteckningar, användes också rutinmässigt, främst för att genomdriva ovannämnda brister eller förändringar och för att kräva andra tillfälliga rytmiska förändringar.

Olycksfall specificerades inte alltid, något som i vissa fingernoteringar (tablaturer) idag.Emellertid skulle renässansmusikanter ha varit högt utbildade i dyadisk kontrapunkt och därmed besatt denna och annan information som behövs för att läsa ett partitur, ”vad modern notation kräver skulle då ha varit helt uppenbart utan notation till en sångare som känner till kontrapunkt.” En sångare skulle tolka sin del genom att räkna ut kadentialformler med andra delar i åtanke, och när man sjunger tillsammans skulle musiker undvika parallella oktaver och femtedelar eller ändra deras kadiella delar i ljuset av beslut från andra musiker.

Det är genom samtida tablaturer för olika plockade instrument att vi har fått mycket information om vilka oavsiktliga som utfördes av de ursprungliga utövarna.

För information om specifika teoretiker, se Johannes Tinctoris, Franchinus Gaffurius, Heinrich Glarean, Pietro Aron, Nicola Vicentino, Tomás de Santa María, Gioseffo Zarlino, Vicente Lusitano, Vincenzo Galilei, Giovanni Artusi, Johannes Nucius och Pietro Cerone.