Beginnen wir mit letzterem. Die Urheberrechte für Tonaufnahmen liegen bei den Künstlern und ihren Plattenfirmen. Es gibt weitere Unterscheidungen zwischen verschiedenen Arten von Tonaufnahmelizenzen, die Lizenzgebühren generieren, wie z. B. Aufführungsrechte (für die Wiedergabe eines Songs in Formaten wie Streaming-Diensten, AM / FM-Radio, Satellitenradio und Internetradio) und Wiedergaberechten (für den Verkauf von physischen Geräten) CDs oder digitale Musikdateien) und Synchronisierungsrechte (für die Verwendung von Songs in Film, Fernsehen und anderen Medien) – aber zum größten Teil ist es wichtig, dass dieses Urheberrecht nur Künstlern und dem dahinter stehenden Label gehört.

Diese Parteien haben möglicherweise nichts mit den Leuten zu tun, die die Texte und Melodien des Songs schreiben und somit das Urheberrecht der Komposition besitzen. Manchmal sind sie ein und dasselbe. In diesem Fall erhält diese glückliche Partei den doppelten Cashflow. Wenn sie getrennt sind – wie es bei den meisten Popsongs und Hit-Charts der Fall ist – wird das Urheberrecht für Tonaufnahmen zwischen Künstlern und Plattenlabels aufgeteilt, während das Urheberrecht für Kompositionen zwischen den beteiligten Songwritern und Verlegern aufgeteilt wird. Im Fall von Counting Crows ‚“Big Yellow Taxi“ zum Beispiel erhält die Band Lizenzgebühren für Tonaufnahmen, aber Joni Mitchell, der ursprüngliche Autor des Songs, erhält Lizenzgebühren für Kompositionen.

In den meisten Fällen, in denen jemand einen Song hört, treten beide Arten von Urheberrechten in Kraft und generieren zwei Lizenzgebühren, die an die jeweiligen Parteien gezahlt werden. Hier ist eine praktische Tabelle, die vom Citigroup-Forschungsteam in zusammengestellt wurde Ein kürzlich veröffentlichter Bericht über Musikfinanzen, der zeigt, wie beide Arten von Urheberrechten Geld generieren und erhalten:

… und Getting That Music Gespielt

Lassen Sie uns das nach den beliebtesten Methoden aufschlüsseln, mit denen Hörer tatsächlich Geld zu den Musikschöpfern beitragen: Wenn jemand einen Titel bei iTunes, Google Play oder einem anderen digitalen Geschäft kauft, wird das Geld aus diesem Verkauf an die Schöpfer ausgezahlt über beide Urheberrechte – Komposition und Tonaufnahme – wobei die Preise von der Etikettengröße, der Vertriebsgröße und der spezifischen Verhandlungswette abhängen zwischen den beiden und allen anderen beteiligten mittleren Parteien. (Manchmal arbeiten Labels mit Agenten zusammen, die größere Kataloge gleichzeitig lizenzieren können. Dies spart Zeit und Ärger, verursacht jedoch eine zusätzliche Gebühr.)

Die gleiche Auszahlung mit zwei Urheberrechten erfolgt im Wesentlichen beim On-Demand-Streaming sowie wenn ein Lied in Unternehmen und Einzelhändlern gespielt wird, sei es in Lebensmittelgeschäften, Krankenhäusern oder im Hintergrund der Website eines Startups. Die spezifischen prozentualen Auszahlungen innerhalb dieser Deals hängen von der Art des Dienstes und der Verhandlungsmacht aller beteiligten Namen ab.

Das Einfügen von Musik in Film, Fernsehen und Werbung, auch als „Synchronisation“ bezeichnet, erfordert eine zwischen Inhalten ausgehandelte Lizenz Produzenten und Verleger / Songwriter. Eine Gebühr wird im Voraus gezahlt, und Lizenzgebühren werden auch gezahlt, sobald der bestimmte Film oder die jeweilige Fernsehsendung verbreitet und ausgestrahlt wurde. Synchronisierungslizenzen können lukrativ sein und, da die meisten Filmemacher Musik im Allgemeinen eher nach ihren eigenen Launen als nach ihren eigenen Vorstellungen wählen Was oben in den Charts steht, dient auch als anständige Entdeckungsplattform für Unter-dem-Radar-Aktionen.

Bei Funkdiensten, bei denen normalerweise pauschale Lizenzen im Buffetstil verwendet werden, ist der Prozess jedoch noch anders Diese bestimmen die Zahlungsraten im Massenmaßstab. In den aktuellen Urheberrechtsbestimmungen wird ein wichtiger Unterschied zwischen Rundfunk (AM / FM) und Internetradio (Pandora, SiriusXM, anderes Satellitenradio und Webcaster) gemacht: Terrestrische Radiosender müssen keine Inhaber von Urheberrechten für Tonaufnahmen bezahlen, während dies bei der zweiten Gruppe der Fall ist. Dieser Unterschied – den die Musikindustrie größtenteils als unfaire Lücke ansieht – bedeutet, dass ein Song, wenn er über Funk gespielt wird, nur Geld für seine Autoren verdient, nicht für Künstler. Wenn also „Big Yellow Taxi“ von Counting Crows über AM- oder FM-Radio gespielt wird, wird nur Joni Mitchell bezahlt und die Band bekommt nichts.

Live-Musik spielen

Live-Events entwickeln sich schnell zum lukrativsten Ort für Musiker im Zeitalter der digitalen Musik, und das aus gutem Grund: Wenn Hörer mit billigem Zugang zu Musik über Streaming-Dienste überschwemmt werden, engagierte Musikfans sehnen sich nach intimeren Erlebnissen mit ihren Lieblingskünstlern. Deshalb werden Tourneen immer größer und Musikfestivals ziehen lächerliche Menschenmengen an, auch wenn ihre Besetzungen alle gleich sind. Deshalb wachsen Konzert- und Ticketfirmen wie Live Nation wie verrückt / p>

Während die Albumverkäufe schwinden und Streams möglicherweise nur einen Bruchteil eines Cent auf einmal auszahlen, erzielen Live-Shows – seien es Tourneen, Festivals oder einmalige Konzerte – einige der höchsten Ticketpreise aller Zeiten.

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In der Blütezeit von Pop und Rock wollten Musiker selten mit Unternehmensmarken in Verbindung gebracht werden, aber das ändert sich mit dem Aufstieg von Rap als Amerikas beliebtestem Genre. Markenpartnerschaften bieten Künstlern die Möglichkeit, eine Marke zu sponsern oder zu unterstützen, die ihnen wirklich gefällt, und erhalten Zugang zu einer zusätzlichen Einnahmequelle, während sie dabei sind. Eine andere Möglichkeit für Musiker, Nebengeld zu finden, ist die Monetarisierung von YouTube, bei der YouTube-Videos am Gewinn der auf sie getaggten Anzeigen beteiligt sind. Psys „Gangnam Style“ hat Berichten zufolge 2 Millionen US-Dollar aus 2 Milliarden YouTube-Views verdient. Der Musikchef von YouTube, Lyor Cohen, schrieb letztes Jahr in einem Blogbeitrag, dass die Auszahlungsrate von YouTube in den USA bis zu 3 US-Dollar pro 1000 Streams beträgt > Mode, Merchandising und andere Direktverkäufe

Der Verkauf von Nicht-Musikprodukten wie Parfums, Utensilien und Modelinien ist eine einfache Strategie, um Geld zu verdienen, die Künstler seit Jahrzehnten nutzen – aber im digitalen Zeitalter Musiker können mit ihren Methoden auch kreativ werden und bei Konzerten und Postern auf einer Website weit über die traditionellen Händler hinausgehen.

Künstler fordern auch direkt Geld vom Publikum – über Crowdfunding oder die Erstellung benutzerdefinierter Kanäle von Kommunikation mit ihren Fans – außerhalb von Social-Media-Plattformen wie Instagram und Twitter. Der Voice-Star Angie Johnson sammelte bei Kickstarter rund 36.000 US-Dollar, um beispielsweise ein bevorstehendes Album aufzunehmen. Weitere Gruppen veröffentlichen spezielle Apps oder Abonnement-Pakete für ihre Musik oder den Verkauf maßgeschneiderter Produkte wie von Künstlern kuratierte Festivals, E-Mail-Abonnements und limitierte Musikveröffentlichungen. Pitbull hat seine eigene Kreuzfahrt.

Also, wo ist das ganze Geld?

All das ist keineswegs so eine umfassende Liste von Möglichkeiten, wie moderne Künstler Geld verdienen; Denken Sie daran, dass es jetzt auch einfacher als je zuvor ist, die Spur zu wechseln und Produzent oder Autor für die Musik eines anderen zu werden, wie dies bei Bebe Rexhas Reise vom Songwriting zur Aufnahme oder bei American R & Der Umzug von B-Hitmachern in die südkoreanische K-Pop-Industrie (was die Aufteilung der Lizenzgebühren durch die Einbeziehung des Urheberrechts aus Übersee etwas erschwert, aber dennoch erhebliches Geld zurückbringt). Die schiere Anzahl der verschiedenen Einnahmequellen, die Musikern zur Verfügung stehen, ist höher als je zuvor.

Und dennoch ist der durchschnittliche moderne Künstler immer noch auf Bargeld angewiesen.

Nach jüngsten Forschungen Schätzungen zufolge nehmen US-Musiker nur ein Zehntel der Einnahmen der nationalen Industrie mit nach Hause. Ein Grund für einen so mageren Prozentsatz ist, dass Streaming-Dienste – während sie die Musikindustrie insgesamt neu beleben – für Künstler nicht lukrativ sind, es sei denn, sie sind Top-Namen wie Drake oder Cardi B. Laut einer Spotify-Unternehmensanmeldung ist der Durchschnitt pro Person Die Stream-Auszahlungen des Unternehmens liegen zwischen 0,006 und 0,0084 US-Dollar. Zahlen von Apple Music, YouTube Music, Deezer und anderen Streaming-Diensten sind vergleichbar. Dies schafft eine Situation, in der große Künstler Millionen verdienen und kleine keinen existenzsichernden Lohn verdienen können. Es ist nichts Neues – man könnte argumentieren, dass dies die Dynamik in fast jeder Ära der Musikvergangenheit war -, aber die Zahlen sind dramatischer als zuvor.

Ein weiterer Grund: die schiere Anzahl von Brokern, Zwischenhändlern und anderen Spielern die Musikindustrie, wie oben beschrieben. Ganz zu schweigen von der Black Box der Lizenzgebühren in der Streaming-Ära, einer Grube unbezahlten Geldes, die aufgrund fehlerhafter Metadaten oder schlechter Kommunikation zwischen den verschiedenen Diensten, die an der Meldung der richtigen Zahlen beteiligt sind, noch nicht zu den Künstlern gelangt ist. sein Wert wurde in Milliarden geschätzt. „Wenn Sie am Ende alle Dollars aufspüren, werden rund 10 Prozent davon vom Künstler erfasst.“ Das ist erstaunlich niedrig „, sagt der Medien-, Kabel- und Satellitenforscher der Citigroup, Jason Bazinet, gegenüber Rolling Stone. „Diese jungen Künstler – Sie verstehen nicht einmal die blutigen Details der Musikindustrie oder wie die Dollars fließen. Sie werden wirklich nicht so viel Geld verdienen. Es gibt eine unglaubliche Menge an Leckagen im gesamten Geschäft.“

Gute Nachrichten: Die Musikindustrie hat jetzt Streaming als Umsatzführer akzeptiert und ist bereit, sich darauf einzustellen, wobei viele Analysten und Experten dies erwarten Das Geschäft wird sich – mit Gesetzesänderungen, Verhandlungen über neue Lizenzgebühren, Fusionen, Übernahmen und Konsolidierungen – zu etwas Schlankerem und schließlich lukrativerem für Musiker rationalisieren. Schlechte Nachrichten: Niemand weiß, wann das sein wird.